Viaggio tra gli stili e i generi della fashion photography, dalle varie (sotto)categorie alle tipologie di moda che cambiano alla stessa velocità con cui noi cambiamo i vestiti…

Stili e generi della fashion photography

Prosegue il nostro viaggio nel mondo della fashion photography, che dopo una prima parte dedicata alla storia di questo genere, andrà questa volta a concentrarsi sui vari stili e generi fotografici della fotografia di moda.

Cosa NON è fashion photography

Iniziamo intanto con lo stabilire che quando parliamo di fashion photography in senso lato, beh ci riferiamo soprattutto all’high fashion photography (fotografia d’alta moda), che dal punto di vista del fotografo significa top model in pose spesso esagerate, un guardaroba a volte irrealistico e tutti gli elementi tra cui acconciature, makeup e location che si fondono per creare un’immagine impeccabile e altamente concettuale.

La fotografia di moda è quindi un genere a parte, in cui l’attenzione si concentra necessariamente su abbigliamento, appunto moda e life-style. Per capirci, sono le foto che vediamo su riviste come Vogue, Bazaar, Elle e molte altre.

Ma ovviamente, non tutti i fashion photographer, anche quelli che poi lo sono diventati, hanno iniziato con l’idea che i loro scatti sarebbero subito finiti nei cartelloni/led delle campagne pubblicitarie o sulle copertine delle più note riviste di moda.

E come in tutte le professioni, per poter correre bisogna prima imparare a camminare, e quindi fare gavetta, partendo come sempre dal basso, ovvero da quei livelli propedeutici e non per questo “inferiori” – perchè ogni genere fotografico ha la sua dignità e importanza – ma certamente diversi.

Ecco perché per comprendere ancora meglio come si sia evoluta la classe regina, diventa necessario fare prima una severa distinzione tra i vari stili che soprattutto oggi – grazie o per colpa di internet e dei social media – sembrano a volte convergere, tanto da.venire anch’essi inclusi nella categoria fashion photography, anche se a ben vedere, non lo sono. Non del tutto. O affatto. Proprio perchè riguardano altro…

La Fotografia Glamour (Glamour Photography)

Bisogna sempre partire dall’origine delle parole (la famosa etimologia) per capire come il loro significato odierno, sia spesso travisato da interpretazioni errate e/o luoghi comuni che si tramandano nel corso dei secoli.

Se lo chiedete ad un americano vi dirà infatti che glamour è un termine francese. Se lo chiedete ad un francese beh pure… E se lo chiedete ad un inglese, probabilmente farà finta di non capire pur di non dover ammettere che i primi ad utilizzarla furono i vicini scozzesi. Salvo poi scoprire che si tratta in realtà di una parola italiana, o meglio latina, il cui termine originario è niente di meno che gramatica, e cioè proprio lingua latina, che essendo conosciuta da pochi, diventava un linguaggio misterioso e al contempo affascinante, come un insieme di segni ignoti, quasi una cabala, un codice stregonesco.

Per questo motivo, il termine latino preso in prestito da altre lingue diventò presto il francese grimoire (libro di stregoneria) e da lì passò all’inglese glamour, che negli anni ha subito un’ulteriore deriva semantica, con l’uso di altri sinonimi quali glame, fino a diventare, oggi, qualcosa di davvero molto lontano dall’incanto e dalla magia, svilito a semplice ‘modaiolo’, ‘seducente’ o ‘affascinante’, quando invece, volendo mantenere l’elemento magico originale, il termine di traduzione più corretto sarebbe ‘ammaliante’, di chi ti attrae perdutamente a sé senza più lasciarti andare. Un po’ come la femme fatale/dark lady di turno che, con la sua irresistibile carica erotica, ammaliava e stregava il maschio nei vecchi film noir.

Le origini della Glamour Photography

Non sorprende quindi, per tornare alla fotografia, che il termine glamour venga spesso usato per indicare il vecchio glamour hollywoodiano, con il suo look in bianco e nero ad alto contrasto.

L’evoluzione della Glamour Photography

La fotografia glamour ha poi continuato ad evolversi e se vogliamo a snaturarsi con l’arrivo della rivista Playboy nel dicembre 1953 (con una giovane e ancora sconosciuta Marylin Monroe in copertina), per cui dalle “potenti” dark ladies si passò alle più docili pin-up e sex symbol moderne immortalate in pubblicazioni più recenti come Maxim o per noti rivenditori di lingerie come Victoria’s Secret. Ed ecco perchè quando oggi si fa riferimento alla fotografia glamour la si fa spesso coincidere con l’immagine di erotismo particolarmente invitante, da qui anche il termine glamour cheescake, nato proprio in questi anni, come metafora universale e sessuale della “donna come dessert”, cioè da spogliare come gli strati di una torta (la stessa Monroe fu eletta Miss Cheescake nel 1952)

La fotografia glamour oggi

Tuttavia la fotografia glamour non deve necessariamente  avere un intento sessuale, volendo piuttosto essere un tipo di fotografia che rende glamour il soggetto. L’enfasi qui è in qualche modo nel “trasformare” le donne di tutti i giorni nella versione più bella e glamour di se stesse con capelli e trucco professionali, naturalmente con l’ausilio di un fotografo professionista che sia in grado di evidenziare le caratteristiche naturali del soggetto fotografato in un modo che vuole essere lusinghiero e artistico.

Si tratta dunque di una forma più sofisticata (o se vogliamo adulterata) di ritrattistica che unisce elementi della fotografia di moda (seppur con un approccio molto più easy e rilassato) e della fotografia boudoir (che vedremo in seguito).

Anche se  il mash-up tra più generi e lo stesso termine continuano ad evolversi… come nel caso della cosiddetta fotografia flamour, basata sulla fotografia di moda (fashion) e glamour combinata però con un tocco fotogiornalistico, come nel caso di uno scenario in esterno (il tipico campo di grano, prato fiorito, duna nel deserto, ecc.), che sia in giustapposizione (cioè sfuocato) rispetto alla modella in primo piano, sfruttando una tecnica utilizzata soprattutto dai fotoreporter.

In mezzo a tutto questo, il glamour continua però ad essere spesso confuso con la fotografia di moda poiché anche quest’ultima utilizza spesso corpi glamour per vendere prodotti. Ed è qui che diventa necessario fare un’ulteriore suddivisione tra fotografia glamour del soggetto in cui il fotografo vuole mostrare la personalità interiore del suo cliente e mettere in evidenza l’unicità della sua bellezza, e quella che è invece la fotografia glamour commerciale. che aspira invece a comunicare, attraverso la modella (altamente glamourizzata), la bellezza di un capo d’abbigliamento o, come vedremo subito, di un prodotto.

La Fotografia di Bellezza (Beauty Photography)

Esattamente come la fotografia glamour, anche la beauty photography è diventata un mix di tutto. In fondo, basta che un fotografo di moda o di fotografia glamour faccia alcune regolazioni al suo obiettivo, stringa  un po’ l’inquadratura, un po’ di lavoro in post-produzione per vivacizzare i colori (piuttosto raro che le foto beauty siano in bianco e nero) ed ecco la fotografia di bellezza!

Anche se i due generi possono essere confusi, ci sono però alcune differenze nette. Se la fotografia glamour, come abbiamo appena visto, amplia la sua attenzione sull’intero soggetto, la fotografia di bellezza si concentra spesso solo sulla bellezza del viso o sulla parte superiore del corpo (mezzo busto), di solito con immagini più ravvicinate dei soggetti da realizzarsi con particolari obiettivi (si parla in questo caso di macro beauty photography) al fine di evidenziarne i dettagli o le caratteristiche più salienti.

Il Beauty commerciale

Se alcuni ritratti di bellezza possono essere intriganti da un punto di vista artistico, bisogna però anche dire che, il più delle volte, mirano in realtà a evidenziare/pubblicizzare prodotti specifici di bellezza per il viso (trucchi) e la pelle (creme), prodotti e accessori per capelli o gioielli per noti marchi del settore quali potrebbero essere Maybelline, Revlon, L’Oréal, ecc.  Siamo dunque e più decisamente in un genere di fotografia puramente commerciale o pubblicitaria, in cui il testimonial chiamato ad accentuare il prodotto diventa poco più di un “oggetto di scena” più che una persona.

Il Beauty editoriale/emozionale

La Fotografia Boudoir (Boudoir Photography)

Altro stile fotografico popolare che è emerso come sottocategoria del glamour è la fotografia boudoir. Allo stesso modo del glamour, presenta immagini intime, romantiche e talvolta erotiche, ma la differenza è che i soggetti di queste immagini sono persone che non fanno regolarmente le modelle, o non sono affatto modelle, ma persone normali – giovani ragazze, ma anche donne di ogni età – che per rifarci alla definizione iniziale, vengono fotografate nella loro dimensione privata. 

Una caratteristica, quest’ultima – l’aspetto intimo e privato, che qui non riguarda solo l’ambientazione, ma anche l’uso privato e personale di queste foto – che diventa un fattore chiave quando si tratta di stabilire se uno scatto appartenga a questo genere o piuttosto ad altro, soprattutto considerando l’ampia confusione che può capitare di vedere e leggere in merito… come nel caso di concorsi di fotografia che si ritrovano a premiare foto boudoir che però boudoir non lo sono affatto… Per tentare di sbrogliare la matassa e fare un po’ di chiarezza, bisogna, anche qui, partire dalle origini…

Le origini della Boudouir Photography

Uno dei fondatori originali della moderna fotografia boudoir fu il fotografo americano Albert Arthur Allen. Originario del New England, si trasferì in California nel 1907 all’età di ventun anni, poi aprì gli Allen Art Studios di Oakland nel 1916.

Ha fotografato donne che erano principalmente nude nel 1920 sia all’interno che all’esterno. All’epoca era considerato scandaloso. Tra la grande varietà di fotografie che ha scattato, alcune sembrano ricordare molto le moderne immagini di boudoir di oggi con donne in posa su letti, divani e davanti allo specchio o alle finestre.

L’evoluzione della Boudoir Photography

Dopo la fine del proibizionismo (1933) e l’inizio della seconda guerra mondiale, il governo degli Stati Uniti d’America iniziò ad adoperare la propaganda per incoraggiare i giovani statunitensi a combattere per il loro paese. I militari cominciarono ad utilizzare delle fotografie ritraenti delle ragazze pin-up nei manifesti di reclutamento, con slogan come “Vale la pena combattere per lei” (She’s worth fighting for) o “Torna a casa dalla tua ragazza come un eroe” (Come home to your girl a hero). Questo rese il pin-up una delle forme più facilmente riconoscibili di boudoir e aprì la strada per la fotografia boudoir moderna normalizzando la forma femminile nella pubblicità.

Seguendo proprio l’esempio delle prime pin-up famose, anche le mogli dei soldati iniziarono a commissionare foto e cartoline da inviare ai loro mariti per motivare il loro ritorno a casa. E pur rimanendo tabù o pratica scandalosa in alcune culture, la fotografia boudoir può emergere come forma d’arte per l’emancipazione femminile.

Questo avviene in particolar modo a partire dagli anni ’70 che celebrano il femminismo, quando attrici come Brigitte Bardot e altre donne famose che abbracciano senza compromessi i loro corpi e la loro sessualità, rompono i tabù cinematografici contro la nudità, diventando un simbolo per aver ignorato gli standard tradizionali, anche nelle foto. A questo punto il boudoir diviene ampiamente accettato come forma d’arte professionale e i soggetti femminili dei fotografi non sono più le modelle assunte a servizio, ma le clienti dirette, che diventano quindi committenti delle proprie foto, sempre prodotte per uso personale e/o divertimento privato.

La fotografia Boudoir oggi

Per capire cosa significa invece oggi il termine, se rapportato al mondo al mondo della fotografia, nel mondo moderno, bisogna risalire all’avvento della fotografia digitale, nata ufficialmente nel 1975 ad opera di un ricercatore della Kodak, ma che in realtà diventa accessibile a tutti nei primi anni del 2000.

Ed è in questo periodo che il genere boudoir diviene ancora più popolare tra le donne “normali” che possono ora creare ancora più facilmente e a volte anche senza l’ausilio di un fotografo una collezione privata di ritratti personali di natura intima.

Inoltre, è sempre con il terzo millennio che questo genere fotografico comincia ad essere visto come un mezzo da parte di modelle o aspiranti tali per conoscere sé stesse e superare le proprie timidezze o semplicemente per esplorare la propria sensualità attraverso il proprio mezzo fotografico, o per arrivare davvero ai giorni nostri, attraverso lo smartphone con cui gli scatti privati e di natura intima diventano, attraverso i social, pubblici e ampiamente pubblicizzati. Ed è qui che si apre un nuovo capitolo in cui il termine boudoir e la fotografia ad essa associata finisce per accogliere un po’ di tutto…

Cosa non è Boudoir

Dovremmo a questo punto aver capito che quanto ci troviamo di fronte al binomio foto + donne in lingerie sexy, siamo nel campo della fotografia boudoir. E invece no! Non sempre. Se il set fotografico di un boudoir non è più il boudoir (inteso come luogo della casa in cui una donna può ritirarsi se ha bisogno di stare da sola per qualsiasi motivo) o per rimanere ai giorni nostri il salottino/camera da letto o qualunque altro ambiente della casa in cui una donna voglia vivere la sua privacy, quello non è boudoir.

Il Boudoir in esterno

Il Boudoir maschile o di coppia

Altro caso che si presta a clamorose sviste o errate interpretazioni è quando capita di veder definito come boudoir la foto in cui il soggetto protagonista sia un uomo (tipicamente in boxer o addome scoperto) invece che una donna. Voglio dire… erano le donne ad avere i boudoir, non gli uomini, ecco perchè la parola “boudoir” dovrebbe essere riservata solo alle donne e non ai maschietti.

Per questi ultimi esiste piuttosto il genere dudoir che trovo sia uno spazio legittimo in cui il boudoir tradizionale si sta muovendo … o meglio, evolvendosi – anche se penso che non dovrebbe essere chiamato così se vuole essere preso sul serio… (in inglese “dude” un tempo significava “dandy” o “uomo alla moda”, mentre oggi è più uno slang giovanile per indicare semplicemente un “tizio” o “tipo”). Molto meglio, in certi casi, definire questi scatti maschili, fotografia di ritratto maschile e buonanotte…

Come ritengo che non rientri nel boudoir anche la foto in cui sia presente più di una persona. Semplicemente perchè nel  momento in cui una o più persone entrano in scena nella stessa inquadratura, l’attenzione non è più sull’estetica della donna, ma piuttosto sulla relazione tra quest’ultima e un’altra persona.

Il Boudoir erotico

E parlando di coppia, come anche di donne riprese in solitudine,  beh anche simulare atti sessuali con un’altra persona o piuttosto da sole non è boudoir. O è uno scatto sensuale di coppia, come abbiamo visto prima, oppure quando il contenuto si fa più esplicito, si passa nel campo della fotografia erotica o di nudo che hanno un intento più esibizionista, rispetto all’immaginario boudoir che, pur avendo un intento ovviamente sessuale, si basa sul suggestivo piuttosto che ovvio o ancora, sul privato, invece che pubblico (sia chiaro, non sto esprimendo giudizi, ma semplicemente cercando di definire cosa sia, o meglio cosa non sia, la fotografia boudoir).

Il Boudoir di moda

Infine, e sempre che ci sia bisogno di specificarlo, non è certamente boudoir tutto ciò che riguarda la moda e i vestiti,.che nel genere boudoir sono comunque pressochè assenti. Non esiste il boudoir di moda per il semplice fatto che, come abbiamo finora detto, il fashion è un genere a parte. Per capirlo meglio, basta proseguire…

Altre differenze tra i vari stili

Abbiamo appena visto come la differenza tra i vari stili in quella che potremmo chiamare la “fotografia delle donne” (moda, glamour, bellezza, boudoir) sia in qualche caso molto labile e non solo perchè questi stili si mescolano, ma anche perchè a volte uno stile non esclude l’altro.

La destinazione finale

Può, per esempio, una fotografia essere glamour e allo stesso tempo fashion? Assolutamente sì, considerando che molte delle foto con un inconfondibile tocco glamour (commerciale) nascono per finire sulle riviste di moda. Potremmo anzi dire che, sapere in anticipo “a cosa serve?”, quale sarà cioè la destinazione finale di una foto/servizio, se questo è stato commissionato per finire su una rivista, sul web/social o per un uso privato/professionale, è quello che in molti casi aiuta a capire la differenza.

Anche se è un genere a cui mi sono approcciata solo da pochi mesi, mi permetto di fare un esempio pratico con alcuni dei lavori presenti nel mio portfolio, che si riferiscono a servizi che mi sono stati commissionati da un’agenzia di moda che mi ha contattata per realizzare, in studio, degli shooting con alcune modelle che prevedevano vari cambi d’abito e una piccola troupe con make-up artist e hair stylist, naturalmente supervisionata da un titolare/responsabile di agenzia, per rendere il tutto ancora più professionale.

Ma basta questo per potere definire questi scatti fashion photography? Beh, lo sono certamente da un punto di vista tecnico o (nel caso in cui si voglia pubblicizzarli sul proprio sito) in un’ottica SEO, ma guardando alla loro utilizzazione finale, questi shooting sono in realtà stati commissionati per pubblicizzare un concorso di bellezza (Miss Mondo), rientrando quindi al più nel campo della fotografia pubblicitaria/commerciale, o in altri casi, per rinnovare il book personale delle stesse modelle.

Quando quindi si è trattato di dover decidere in quale categoria inserire questi lavori all’interno del mio portfolio, anche se il risultato di alcuni scatti potrebbe in qualche caso riguardare più il glamour o il boudoir, ho preferito alla fine considerarli dei semplici ritratti, in questo caso “di moda”, visto che a differenza del fashion duro e puro (nato per vendere), non sono stati commissionati per pubblicizzare dei capi di moda o accessori, quanto piuttosto per valorizzare (e spero di esserci riuscita) i soggetti di questi ritratti realizzati per un uso personale/professionale.

L’aspetto economico

Un altro aspetto chiave che può aiutare a facilitare la distinzione tra i vari stili/tipi di fotografia è poi quello economico. E qui mi riferisco alla domanda dalle 100 pistole in cui basta semplicemente domandarsi: “si paga o si viene pagati?”.

Altro esempio pratico. Mettiamo il caso di un’aspirante modella/influencer che voglia rinnovare/ampliare il suo book professionale con delle foto in intimo e che per far questo – a meno che non decida  di arrangiarsi da sè allestendo un set in casa propria – scelga di affidarsi ad un fotografo professionista. Ecco il boudoir!

Stessa foto e stessa inquadratura, ma questa volta la modella si chiama Emily Ratajkowski che, a differenza di quella meno conosciuta di prima che ha pagato un’agenzia/fotografa, viene naturalmente pagata, oppure adeguatamente ricompensata con un vertiginoso incremento di seguaci sulla propria pagina instagram, toh ecco il glamour! Se  invece della foto in intimo, la modella desidera farci conosere come funziona il suo nuovo rimmel/rossetto sul suo viso ecco il beauty. Infine quando un servizio nasce per finire su Vogue, ecco la foto fashion!

Più in generale in un servizio di moda professionale è sempre il committente (agenzia o maison) a pagare modelle, fotografi e tutto l’entourage che sta dietro a un servizio. Quando avviene il contrario, siamo decisamente da un’altra parte, altro genere…

Generi della fashion photography

Il nostro viaggio intorno ai tipi di moda, in fotografia, non sarebbe però completo se, dopo una suddivisione per stili non facessimo anche un’ulteriore suddivisione per generi e tipologie.

Quando parliamo del mondo fashion, parliamo infatti di un’industria così estesa, che questa non riguarda solo il prodotto finito – il famoso servizio di copertina – ma anche tutti i vari settori che alimentano l’indotto e che naturalmente fanno ampio uso della fotografia in una forma o nell’altra.

Vale anche qui quanto detto prima a proposito della destinazione finale (e-commerce, pubblicità, riviste, social media e altro) per cui i vari tipi creativi di fotografia di moda poossno diversificarsi ulteriormente anche in base al cliente target, alle competenze e al budget. Vediamo solo i più importanti.

Fotografia di alta moda

Conosciuto come il più avanguardista tra tutti i generi, la fotografia di alta moda non riguarda solo vendere o pubblicizzare vestiti e/o accessori sulle più note riviste del settore, ma piuttosto trasmettere la “visione” del marchio/casa di moda.

Il cielo è il limite con questo genere, poiché il realismo viene sostituito da una creatività illimitata. Come illimitati sono i budget per i fotografi e le loro troupe messi al servizio di top model o celebrità famose, le cui personalità aggiungono fascino e sapore alle immagini.

Look esagerati o elegantemente sobri ed immagini in grado di evocare potenti emozioni. Inutile dire che qui l’impatto visivo è fondamentale, visto che lo scopo qui non è solo vendere, ma anche lasciare gli spettatori senza fiato…

Fotografia da passerella (Runway/Catwalk Fashion Photography)

Altro settore strettamente (ma non necessariamente) connesso alla fotografia d’alta moda è poi la fotografia di moda da passerella (Runway Fashion Photography) o Catwalk Fashion Photography (così chiamata per il modo attento e delicato con cui le modelle sfilano, che ricorda quello dei felini, poiché le passerelle originali, nel 1880, si tenevano sulle navi e nel backstage dei teatri, dove i gatti amavano transitare).

Dal momento che la fotografia in passerella può includere di tutto, dalle immagini delle ultime collezioni presentate dai fashion designer con le foto degli abiti a figura intera, fino agli scatti dettagliati degli accessori, il fotografo di sfilate che si trovi nella “fossa” (termine che si riferisce alla piattaforma riservata a media e professionisti del settore), o piuttosto nel backstage, oltre ad avere un approccio quasi documentaristico, deve essere flessibile per catturare le migliori foto in qualsiasi condizione (sia al chiuso che all’aperto), in quanto una sfilata è sempre uno spettacolo frenetico in cui il tempismo nello scatto diventa ancora più importante.

Fotografia di moda editoriale

Qui non si tratta solo di fotografia di moda pensata e realizzata (come suggerisce anche il nome), per finire in libri e riviste di moda e fotografia, ma di scatti (in genere da 6 a 8) che siano soprattutto in grado di raccontare o rielaborare una storia, rappresentare una tendenza, condividere un messaggio o sensibilizzare le persone su un determinato argomento/problema.

Di solito (ma non sempre), la fotografia di moda editoriale può servire per accompagnare un articolo, ma anche in presenza di un testo o piuttosto in sua assenza, ogni immagine dovrà sempre essere in grado di raccontare un tema in modo autoesplicativo e accattivante.

I servizi fotografici di questo tipo si svolgono spesso sul posto piuttosto che in uno studio e l’atmosfera può variare notevolmente da un set all’altro. Qui, tutto viene deciso prima, c’è sempre una trama dietro ogni ripresa. Trucco, macchina e attrezzatura fotografica, e una posizione ad ovvio vantaggio di fotografo hanno comunque sempre come unico obiettivo raccontare una storia.

Fotografia di Moda di Strada (Street Style Photography)

La fotografia di moda di strada o urbana, nota anche come Street Style Photography, è uno stile di fotografia di moda in cui persone normali vengono fotografate per strada con i loro vestiti per mostrare come uno stile/tendenza viene “vissuto” nel mondo reale.

Possiamo considerarla l’esatto opposto della fotografia di alta moda. A differenza dell’alta moda, la moda di strada ha un aspetto più “quotidiano”: camicie, jeans, felpe con cappuccio e altri articoli di moda che le persone amano indossare nelle aree urbane. Naturalmente, non significa che una normale t-shirt e un paio di jeans facciano la moda di strada, poichè questa include anche la moda alternativa o abiti e completi casual che enfatizzano l’eleganza senza sacrificare la comodità.

All’inizio del millennio, prima dei social, molti fashion blogger poi diventati famosi come Scott Schuman di The Sartorialist e Daniel Bruno Grandl o per rimanere in casa nostra, Chiara Ferragni di The Blonde Salad, hanno iniziato proprio così, fotografando per strada i guardaroba – oggi si direbbe l’outfit del giorno – di persone normali. La loro attenzione non era però solo rivolta su ciò che indossavano, ma anche su come veniva vissuto ciò che indossavano. Ecco perché le foto di street style spesso assomigliano a ritratti normali o agli scatti dei paparazzi, visto che agli scatti posati, molti fotografi preferiscono scattare le foto ai loro soggetti nel momento in cui accadono.

Non è un caso che la fotografia di moda di strada abbia molto in comune con la street photography, di cui può essere considerata un sottogenere. Si tratta in fondo di fotografare le persone per strada con l’obiettivo di mostrare/documentare il loro senso individuale dello stile.

Ciò che lo rende diverso dagli altri tipi di fotografia di moda è proprio il suo senso di spontaneità. In situazioni normali, i fotografi di street style non pianificano le loro riprese in anticipo, cercando invece per strada persone a cui chiedere il permesso di una foto o alle quali “rubare” uno scatto, come avviene per esempio per molte celebrità paparazzate nella loro vita quotidiana oppure dentro e fuori gli eventi di gala.

Dato che la moda di strada attinge da una varietà di ispirazioni, non sorprende infine quando finisce nei cataloghi o anche negli editoriali di riviste importanti come Vogue o altre che includano una sezione di street style nelle loro pubblicazioni. È un tipo di fotografia che piace perché è democratica: anche se si è persone normali, tutti hanno la possibilità di essere fotografati (o di finire su una rivista) se si indossa un bel vestito.

Fotografia di moda da catalogo

La fotografia di catalogo o catalogue photography è un tipo di fotografia di moda che, ovviamente sotto forma di catalogo, mostra vestiti e articoli di moda indossati da un/a modello/a in modo chiaro e accattivante in modo che gli acquirenti possano avere un’idea di come appaiono e si adattano prima dell’acquisto.

È uno dei tipi più semplici di fotografia di moda in quanto si tratta di essere neutrali e diretti con il pubblico. Sono le fotografie che vediamo negli estore dei più noti marchi di moda fast quali possono essere Zara, Zalando, H&M e altri che vogliano presentare e naturalmente vendere online il prodotto di moda ai loro clienti. In parole semplici, è fotografia del prodotto (still life) con l’unica differenza che c’è la modella nell’inquadratura.

Il servizio fotografico di catalogo viene solitamente eseguito in uno studio con uno sfondo neutro (per lo più grigio o bianco), con accessori e oggetti di scena minimi nell’inquadratura. L’illuminazione è mantenuta naturale al fine di garantire la precisione del colore del prodotto di moda.

Qui la modello di solito è in piedi e al naturale, il che consente ai clienti di guardare il prodotto e non essere distratti da alcun movimento. A volte, al fine di mostrare alcune parti o dettagli del prodotto come tasche, cerniere, cinture, ecc. una modella può coprire più pose in modo che i clienti possano farsi un’idea migliore prima di un acquisto. Tuttavia, l’attenzione rimane sulla presentazione del prodotto di moda.

Lookbook

E parlando di fotografia di catalogo impossibile non fare accenno ad un genere emerso negli ultimi anni sotto il nome di lookbook o fashion lookbook photography.

Ben prima della moda il termine è stato reso popolare ad inizio millennio dai fashion blogger, che lo utilizzavano nei loro blog come forma di diario personale in cui inserire le proprie collaborazioni o una collezione di capi e accessori da presentare ai propri lettori.

Ben presto, con l’affermarsi dei social, il “nuovo formato”, iniziò ad avere un certo successo soprattutto su Instagram, costringendo così le riviste di moda e le stesse maison ad adeguare, anche graficamente, i propri contenuti a quelli ora presenti nei nuovi lookbook online.

E da lì si è passati rapidamente ai lookbook in forma cartacea o da scaricare in formato elettronico (solitamente PDF), creati dalle case di moda, ma più in generale da aziende che producono abbigliamento, scarpe, accessori e tutto ciò che ruota intorno al fashion, che presentati attraverso un proprio lookbook aziendale, diventava un ben più immediato strumento di marketing.

I più noti designer presentano ormai le loro ultime collezioni ai potenziali acquirenti in un lookbook. È simile alla fotografia di catalogo, tranne per il fatto che gli scatti sono tutti collegati da un concetto per vendere l’intera collezione, non solo un prodotto. 

Un lookbook è un modo per mostrare alla gente diversi modi di indossare i vestiti. Invece di un semplice sfondo, spesso presenta un luogo autentico. Questo permette alle persone di immaginare come sarebbero in situazioni quotidiane.

L’infusione dello stile di vita con la moda rende anche i lookbook simili agli editoriali. Ma la differenza tra un lookbook e un editoriale è che un lookbook non comporta una storia. Mostra outfit molto simili agli scatti di un catalogo.

Naturalmente, un lookbook non serve solo a vendere vestiti. Le persone lo usano anche per presentare il loro lavoro come modello o fotografo. Invece di mostrare un look come un tipico portfolio, mostra diversi stili di un outfit.

Fotografia dei Prodotti di Moda (Still Life Fashion Photography)

Abbiamo visto finora come l’aspetto comune a tutti i generi di fashion photography presi in esame, sia quello commerciale. Il fotografo può metterci tutta la creatività di questo mondo, il suo tocco artistico, ma… diciamocela tutta, la moda e la fotografia ad essa collegata nasce per vendere.

Questo risulta ancora più evidente nel caso della fotografia del prodotto di moda (o fashion still life photography) che tra tutte le tipologie di fashion è, per definizione, sicuramente quella più commerciale.

A differenza della fotografia di catalogo e dei lookbook (che li utilizza entambi), qui il soggetto che indossa il vestito (nel caso di abbigliamento) non viene mai inquadrato, venendo al più posato su un manichino, ma nella maggior parte dei casi si tratta di foto che vogliono far risaltare il prodotto di moda o alcune sue caratteristiche, con inquadrature più ravvinate dei dettagli.

Le troviamo negli ecommerce più famosi, come nei depliant o nelle riviste. Che si tratti di capi di abbigliamento o di accessori quali borse, gioielli e profumi, valgono tutti gli accorgimenti adottati nella più come fotografia di still life; dall’illuminazione all’inquadratura dell’oggetto, tutto è finalizzato alla migliore presentazione (e commercializzazione) del prodotto.

Considerazioni finali

Siamo così arrivati alla fine di questo lungo articolo, con cui spero di essere riuscita a fornire tutte le coordinate necessarie per orientarsi tra i vari stili e generi della fotografia di moda. Se invece sono riuscita nell’impresa di confordervi ancora di più le idee, beh, niente paura, sappiate che è così anche per molti fotografi ed è evidente quando affermano che una foto è moda quando in realtà è qualcos’altro…

Ci sono molte volte in cui la separazione dei generi fotografici manca di definizione, poi ci sono momenti in cui è la stessa società in cui viviamo, che naturalmente continua ad evolversi, a definire quale possa essere la separazione dei generi. Nessuno ci vieta in ogni caso di chiamarla come preferiamo. In definitiva, è pur sempre fotografia.

Prima parte di un viaggio lungo un secolo (e oltre) nella storia della fashion photography: dalle prime riviste di moda d’inizio XX secolo alla rivoluzione digitale dei giorni nostri, per capire come si è formato un genere che, più di ogni altro, è il metronomo di un’epoca.

Nuovo anno e nuovo genere fotografico che – anche per dare seguito ad alcuni miei  lavori realizzati di recente con alcune modelle (presenti in una nuova sezione dedicata) – andrà questa volta a riguardare la fotografia fashion o fashion photography, termine anglofono ormai entrato nell’uso comune per indicare un genere da noi più semplicemente conosciuto come fotografia di moda.

Ma cos’è fashion? Cos’è moda? E di cosa si occupa la fotografia di moda? In cosa è diversa, per esempio, dalla fotografia di ritratto o da altri generi abbastanza simili, ma come vedremo (nella seconda parte di questo racconto) anche profondamente diversi, con cui viene spesso (erroneamente) identificata? Per capirlo, bisogna partire dalle definizioni.

Che cos’è la fashion photography?

La definizione semplice:

La fotografia fashion è il ritratto di qualcuno che indossa un vestito.

Provando invece ad ampliare la spiegazione un po’  tranchant, fornita in questo caso da David Bailey – il fotografo inglese dell’ondeggiante Londra anni ’60 a cui si ispirò Michelangelo Antonioni per il suo Blow Up (lo ritroveremo più avanti) – possiamo aggiungerne un’altra, un filino più tecnica o forse solo più moderna, che ci consente di riassumere meglio la complessità (e varietà) di un genere fotografico abbastanza ibrido, sempre a metà strada fra creatività e stereotipo, tra arte e merce, poiché in grado non solo di abbracciare più categorie, ma anche di continuare ad evolversi nel tempo.

La definizione “evoluta”:

Storia della fashion photography

Dalle sue umili origini all’inizio del 20° secolo fino ad arrivare ai giorni nostri, quanto segue sarà un viaggio attraverso il glamour, la ribellione, l’arte e il consumismo del secolo scorso per scoprire come è stata definita l’arte di un intero settore.

Non credo infatti si possa comprendere a pieno quella che è diventata oggi la fotografia di moda, se non passando prima attraverso le varie epoche che l’hanno influenzata. E per far questo, bisogna, come sempre, partire dalle origini…

Gli inizi della fashion photography

Abbiamo già visto nella prima parte dell’articolo sulla storia della fotografia di ritratto, come l’invenzione della fotografia risalga ufficialmente al 1839 e come questa si sia sviluppata solo a partire dalla seconda metà dell’800, con l’invenzione della procedura del collodio umido (1851), che permetteva di riprodurre il negativo di carta in un numero infinito di copie.

I costi dell’attrezzatura fotografica, come anche quelli di stampa, non erano però ancora alla portata di tutti, così non sorprende che, in questo periodo, insieme alla nascita dei primi album fotografici (1854), alcuni professionisti inizino ad affermarsi come primi fotografi di moda famosi grazie ai ritratti di donne aristocratiche vestite alla moda.

Metà ‘800: le prime “modelle”

Nel 1856, Adolphe Braun pubblicò un book fotografico contenente 288 fotografie di Virginia Oldoini, contessa di Castiglione, una nobildonna toscana alla corte di Napoleone III per conto del Regno di Sardegna. Le foto ritraevano la contessa nei suoi abiti di corte ufficiali, e resero la nobildonna la prima modella di fotografie di moda.

La tendenza presto coinvolse anche celebrità del mondo del teatro e delle arti, come l’attrice Sarah Bernardt, ripresa nel 1865 dal fotografo parigino Nadar, inaugurando così il legame simbiotico tra moda e personaggi famosi che dura ancora oggi.

La nascita della modella vera e propria (intesa come professionista pagata per indossare dei vestiti che non fosse già una celebrità) può invece essere fatta risalire a qualche anno prima quando Charles Frederick Worth, uno stilista francese, assunse nel 1853 Marie Vernet per indossare esclusivamente la sua linea di abbigliamento.

Fine ‘800: le prime riviste di moda

Sempre in questi anni (1890) Lady Duff Gordon reclutò un certo numero di donne alte e statuarie per presentare il suo marchio di abbigliamento Lucille per quelle che possono essere considerate le prime sfilate di moda.

E la storia della fashion photography inizia dunque da qui, con le prime grandi riviste e i primi grandi fotografi di moda (senza naturalmente dimenticare le loro modelle) che hanno segnato le varie epoche, che da qui in poi, cercherò di riassumere per decadi, assegnando anche ad ognuno di questi macro-periodi l’interprete o avvenimento più significativo.

Non me ne vogliano i maschietti se farò poco riferimento alla moda maschile, visto che questa non subirà grandi evoluzioni per tutta la prima metà del ‘900.

Gli anni di Condè Nast

Anni ’10: i primi servizi di moda

Anche se ci sono esempi precedenti di alta moda ritratta in fotografia (secondo alcuni il primo esempio sarebbe avvenuto ad opera di Lady Clementina Hawarden, pioniera della fotografia già intorno al 1860), il primo servizio di moda moderno (e cioè appositamente pensato per questo scopo per una pubblicazione) è attribuito a Edward J. Steichen, che fotografò abiti disegnati da Paul Poiret per il numero di aprile 1911 della rivista Art et Decoration. Anche se queste immagini si rifacevano ancora in buona parte alle illustrazioni del periodo, iniziarono a definire il genere in quanto non si limitavano a registrare l’aspetto degli abiti, ma trasmettevano anche un senso dell’abito e di chi lo indossava.

Edward Steichen (1879 – 1973), fotografo e pittore lussemburghese naturalizzato statunitense, è da molti considerato il padre fondatore della moderna fotografia di moda.

Dal 1900 circa, fu determinante nello stabilire uno status per la fotografia americana come arte attraverso un impegno per i principi del pittorialismo.

Con Alfred Stieglitz, ha contribuito a formare il gruppo Photo-Secessione, il cui intento era di promuovere la fotografia come arte, ha co-fondato l’influente trimestrale Camera Work (una della prime riviste di fotografia) e ha fondato la famosa galleria 291, e tutto entro i primi cinque anni del 1900.

Dopo aver viaggiato attraverso l’Europa e vissuto a Parigi, conobbe molti dei più grandi artisti e interpreti del 20simo secolo, contribuendo a portare il modernismo europeo alla più ampia attenzione del pubblico americano. In questo primo periodo della sua carriera, Steichen divide il suo tempo tra la pittura impressionistica e la fotografia. Ha imparato l’abilità del tonalismo e il processo di stampa a colori multistrato noto come gomma-bicromato. Con questo metodo è stato in grado di portare uno stato d’animo impressionistico alle sue immagini fotografiche (e, forse, qualcosa della sua pratica fotografica alla sua pittura).

Ciò che Steichen e Vogue hanno dato alla fotografia moderna sono stati i progetti per quasi tutte le pubblicità di moda che sarebbero arrivate negli anni successivi. Steichen che nel 1923 viene nominato fotografo di casa per Vogue e Vanity Fair, mantenendo l’incarico per i successivi quindici anni, ha formato il suo vocabolario visivo unico negli anni ’20 e ’30, distillando le classiche immagini rinascimentali con il cubismo e il futurismo per creare qualcosa di fresco ed eccitante. Il suo uso di modelli, luci e tecniche sperimentali di studio erano completamente rivoluzionari e, per molti anni, i suoi contemporanei non ebbero altra scelta che seguire la sua strada. La sua importanza non può essere esagerata; Steichen ha cambiato il volto della fotografia di moda e le sue innovazioni sono ancora utilizzate fino ad oggi.

Un altro fattore cruciale per ampliare l’attrattiva della moderna fotografia di moda è l’arrivo in questo periodo della persona che ogni fashion addicted non può non conoscere: il grande imprenditore Condé Nast, il cui mito resiste ancora oggi grazie alla Condé Nast Pubblications. Nel 1909 rivelò Vogue e, dopo aver investito grosse cifre nello sviluppo di nuove tecniche di stampa, nel 1913 lanciò anche la rivista Vanity Fair.

Iniziò ad ingaggiare i fotografi di spicco dell’epoca per realizzare servizi a signore benestanti con l’obiettivo di trasmettere all’osservatore un messaggio di agio e lusso, ma soprattutto, come vedremo più avanti, di strappare ad Harper’s Bazaar il titolo di migliore rivista di moda in America (e quindi del mondo).

Anni ’20: Parigi e i primi fashion photographer

Il movimento artistico-culturale del Surrealismo (nato a Parigi negli anni ’20) ha da subito un profondo impatto sulle riviste di moda del periodo. Dipinti di Salvador Dalí e Giorgio de Chirico appaiono regolarmente su Vogue accanto a fotografie d’avanguardia dei primi fotografi di moda che adottano i loro principi rivoluzionari, tentando di dare espressione visiva alla mente inconscia. Nuove tecniche e accostamenti inaspettati vengono utilizzati per sfidare le percezioni della realtà, divertire, disturbare e soprattutto far sognare…

Sono gli anni in cui artisti come il barone Adolph de Meyer (primo fotografo ufficiale di moda assunto a contratto da Vogue), concentrano il loro lavoro cercando di ritrarre donne in atteggiamenti distaccati da diva, quasi eterei, volendo sottolineare così il loro ruolo di figura irraggiungibile.

Le origini del barone Adolph de Meyer (1868-1949) sono  nebulose almeno quanto le sue fotografie. Nato probabilmente a Parigi da padre tedesco e madre scozzese, cresciuto in parte in Germania, a 27 anni si trasferisce a Londra, dove conosce Olga Caracciolo (presunta figlia illegittima di Re Edoardo VII), che sposa nel 1899, e con la quale forma una coppia alla moda e decisamente anticonvenzionale (sono entrambi omosessuali), che rappresenta la fondazione di una piccola impresa socio-artistica.

È grazie a Olga che ottiene il titolo nobiliare di barone e con esso le prime prestigiose e altolocate amicizie con quelli che sono anche i soggetti dei suoi primi ritratti in stile pittorialista, che ne fanno in breve tempo il fotografo più famoso e strapagato al mondo. Del resto, le sue fotografie sono inimitabili. Il suo talento unico.

De Meyer è infatti famoso per il suo linguaggio fotografico espresso attraverso la tecnica del flou: usando uno speciale obiettivo Pinkerton-Smith che sfocava i bordi, rafforzando l’atmosfera eterea con una garza di seta e usando per le stampe viraggi e tonalità delicate, il barone riusciva ad ottenere una tenua sfocatura che creava una dimensione/sensazione metafisica e misteriosa. Con le sue immagini oniriche, il barone intendeva mostrare che per lui era di fondamentale importanza non tanto l’immagine quanto l’immaginario, nello stesso modo in cui alla moda non serviva mostrare semplicemente un abito, ma creare un sogno desiderabile e condivisibile.

Intanto, con la fine della prima guerra mondiale, Parigi ritorna ad essere il centro del mondo della moda in quel momento (lo stesso barone De Meyer, vi fa ritorno a partire dal 1922, diventando capo-fotografo di Bazar Francia di proprietà del famoso uomo d’affari William Randolph Hearst – la doppia A alla parola Bazaar fu aggiunta proprio in quest’anno – e anche i primi famosi fotografi interni delle riviste accorrevano lì.

Come Man Ray, Cecil Beaton o l’altro barone George Hoyningen-Huene che, prima come capo fotografo di Vogue Francia, e poi di Harper’s Bazaar (eh sì, il via vai di fotografi tra queste 2 riviste sarà continuo), ispira a sua volta una generazione. Il suo lavoro rifletteva un fascino pittorico per la luce, l’ombra e le forme classiche. Il suo protetto Horst P. Horst produsse immagini altrettanto inventive, fondendo motivi surreali e classici. Come vedremo nel prossimo capitolo di questo nostro viaggio nel tempo.

L’inizio della guerra tra le due riviste (e tra i due mondi)

Mentre il crollo di Wall Street del 1929 deflagrava nella grande depressione con una diminuzione della produzione e disoccupazione alle stelle, che inviavano onde d’urto economiche in tutto il mondo, le due riviste storiche del periodo, sceglievano comunque di continuare a enfatizzare il lusso e il glamour accessibili solo ai più ricchi. Per alcuni lettori, le loro pagine sarebbero servite come una fuga dalla dura realtà del tempo.

Anni ’30: i primi shooting ambientali e a colori

Il grande sviluppo delle immagini legate alla moda crea un vero e proprio mercato di modelle e fotografi specializzati. In questi anni essere vestiti bene è il must. Lo sviluppo della fotografia di moda (e del marketing ad esso legato) crebbe proprio grazie a questa immagine di lusso, l’idea di una vita ricca e agiata grazie a immagini patinate, perfette.

Dopo il crollo, l’industria della moda si allontanò dal look snello e fanciullesco che aveva dominato i ruggenti anni Venti, verso stili considerati più femminili. Con l’aiuto della fotografia, gli stilisti emergenti di quegli anni, come Chanel, Schiaparelli, Balenciaga e Lanvin, diventano noti per i loro stili distintivi. Le linee di prêt-à-porter e i grandi magazzini aumentano l’accessibilità della moda couture e le tendenze iniziano a diffondersi a livello internazionale.

Insieme alla romantica Parigi ora si guarda agli Stati Uniti con le nuove tendenze offerte dalla giovane Los Angeles. Le foto dell’epoca ritraggono sempre donne molto eleganti, impassibili.

Avviene però un piccolo cambiamento: con l’avvento di macchine fotografiche più “comode”, in questa decade la posa si sposta in ambienti esterni. La fotografia di una donna in costume da bagno, scattata da Edward Steichen, diventa anche la prima copertina a colori  pubblicata da Vogue nel luglio 1932. 

Gli anni Trenta segnano anche l’inasprirsi di quella che può essere definita la versione cartacea di una lunga guerra fredda tra le 2 più note riviste di moda che dura ancora oggi: da una parte l’aggressiva Vogue e dall’altra l’acerrima rivale Harper’s Bazaar, con tanto di spionaggi e incursioni devastanti nel territorio nemico e duelli titanici fra leader carismatici per strappare alla concorrenza il generale più glorioso…

La rinascita di Harper’s Bazaar

Anche se era nata un quarto di secolo prima, ormai da molti anni, Harper’s Bazaar non deteneva più il vantaggio necessario per competere con le pubblicazioni Condé Nast. Le fortune della rivista cambiarono però a partire dal 1932 quando l’allora editor di Vogue, Carmel Snow, si trasferìsce nella redazione di Harper’s Bazaar, circondandosi sin da subito di un nuovo team dinamico che in poco tempo riesce a trasformare la rivista in un influente e pionieristico riferimento per la moda degli anni ’30 e dei decenni a venire.

Insieme a Munkacsi arruola anche la fotografa americana (benché di origini norvegesi) Louise Dahl-Wolfe che poi, a partire dal 1936, diviene il capo del settore fotografico, realizzando per la rivista oltre 80 cover. Le sue immagini raffiguranti modelle (come una giovanissima Lauren Bacall) baciate dal sole in assolati set esterni riflettono con raffinatezza e originalità l’indipendenza della donna moderna e attiva che, con la sua vitalità, saltava fuori dalla pagina. 

Il Design Laboratory di Alexey Brodovitch

La vera rinascita della rivista avviene però soprattutto dietro le quinte, quando Snow assume anche Diana Vreeland come capo della moda e soprattutto Alexey Brodovitch come direttore artistico. Quest’ultimo, emigrato russo, aveva lavorato negli anni ’20 come grafico e scenografo teatrale per la rivista Balletti Russi di Sergei Diaghilev, e i suoi audaci disegni dinamici riflettevano un’estetica modernista, implementando sin da subito concetti di layout radicali, usando la tipografia in modi nuovi e audaci. 

Altri fotografi che iniziano ad affermarsi negli anni ’30 da ricordare: John Rawlings (americano, 1912-1970) che s’impone per il suo stile posato, minimalista e lussuoso, Erwin Blumenfeld (tedesco, 1897-1969) che amava spingere i confini della fotografia di moda sperimentale e soprattutto Horst P. Horst.

Horst Paul Albert Bohrmann, che scelse come nome d’arte Horst P. Horst, nasce il 14 agosto 1906 nel cuore della Germania. Dopo aver studiato architettura ad Amburgo, si trasferì a Parigi, dove cominciò a lavorare con il grande architetto Le Courbuisier. Durante questo periodo parigino, ebbe modo di conoscere il fotografo di Vogue George Hoyningen-Huene, di cui divenne assistente ed amante. Da quel, momento abbandonò l’interesse per l’architettura e si dedicò alla fotografia di moda e di ritratto.

Nel 1937 conobbe a New York Coco Chanel, con la quale iniziò’ un sodalizio artistico durato per più di trent’anni. Allo scoppio della seconda guerra mondiale riuscì ad ottenere la cittadinanza americana e, arruolatosi nell’esercito, prestò servizio come fotografo di guerra, arrivando persino a fotografare l’allora presidente Harry Truman.

Particolarmente florido è il periodo degli anni Trenta: luce teatrale, giochi di trompe-l’oeil e trucchi di doppia esposizione. Allo stesso tempo si allontana dalle opere del suo maestro, George Hoyningen-Heune. I volti che rimandano alla pittura di De Chirico, quei volti di statue e manichini. Quel passato ripreso anche, nella fotografia di copertina, dal cavalletto in primo piano. Come a sottolineare l’accademismo, il contatto con la pittura, il ricordo dell’arte antica. Tutto questo, piano piano si allontana, e arriva il vero modernismo di Horst, che per lui significa sperimentazione. Non solo nelle tecniche, ma nel mistero e nella sensualità delle emozioni da ricreare.

Horst P. Horst rappresenta senza dubbio uno dei fotografi che, nei sui 60 anni di brillante carriera, più ha influenzato la fotografia di moda. Le sue foto non ritraggono vestiti o modelle, ma raccontano un sogno di bellezza, eleganza e glamour. L’uso sapiente della luce sembra scolpire immagini in cui si rintracciano i riflessi del classicismo greco, del Bauhaus e del surrealismo.

Nel 1990 anche la cantante Madonna rese omaggio al fotografo. Nel video “Vogue”, girato dal regista David Fincher, riproduce una delle sue immagini più iconiche indossando un corsetto sulla cui ispirazione ci sono pochi dubbi…

Anni ’40: New York nuovo centro della moda

Anni ’40, gli anni della Seconda Guerra Mondiale: da questo terribile evento si inizia a capire quanto la moda sia profondamente legata alla società. Sono anni bui per il mercato del fashion; la guerra paralizza di nuovo l’industria tessile, le materie prime sono scarse e costose. Questa situazione impone una moda di circostanza dovuta alla privazione. L’occupazione di Parigi e il bombardamento di Londra da parte dei nazisti isolarono queste città e l’Europa tutta, con New York che diventava invece sempre più importante.

La risposta europea: il “New Look” di Christian Dior

In reazione al rigore e alle privazioni della guerra, i designers di moda europei avviarono una crociata per la riconquista della femminilità e del glamour, e soprattutto del titolo di capitale della moda sempre più minacciato dall’ascesa delle nuove tendenze d’oltre oceano.

Ad assumersi il compito di riportare Parigi al centro del mondo della moda fu Christian Dior che, nel 1947 rilancia o per meglio dire rivoluziona i codici della femminilità e della moda con la nuova collezione primavera-estate Corolle: linea ampia, vita sottile e fianchi marcati con l’obiettivo di “riportare tra noi la bellezza dell’abito femminile, con forme morbide e rotonde e gonne fluenti”. Lo stile Dior, subito ribattezzato New Look da Carmel Snow, divenne così iconico che ha continuato ad influenzare generazioni di stilisti, tra i quali Miuccia Prada, Vivienne Westwood e Alexander McQueen. Fu il fotografo tedesco Willy Maywald (1907-1985) ad immortalare la donna Dior lungo le strade di Parigi.

Altri fotografi che iniziano ad affermarsi negli anni ’40 da ricordare: la fotografa Lillian Bassman (americana, 1917-2012), la cui visione elegantemente sensuale della donna completava le nuove mode, Frances McLaughlin-Gill (la prima donna fotografa ad essere assunta a contratto da Vogue nel 1943) e soprattutto Irving Penn.

Irving Penn (1917-2009) nasce a Plainfield, in New Jersey, da una famiglia ebrea russa.

Fratello maggiore del famoso regista Arthur Penn (Gangster Story), dal 1934 al 1938, fu uno studente di pittura, grafica e disegno industriale presso il Philadelphia Museum School of Industrial Art, sotto il famoso designer Alexey Brodovitch diventandone in breve tempo l’assistente personale.

Si recò poi in Messico nel 1941 per dipingere, ma fu così deluso dal suo lavoro che distrusse tutte le sue opere d’arte prima di tornare a New York. Nonostante la sua mancanza di formazione formale, nel 1943 assunse un incarico fotografico per Alexander Liberman, all’epoca nuovo direttore artistico di Vogue che si accorge ben presto delle sue eccezionali (e innate) abilità fotografiche. 

Si costruisce da sé un piccolo set fotografico ad angolo, trasportabile, ribattezzato “Penn’s corner”. La parete neutra diventa lo sfondo di ogni suo ritratto. Le linee dell’angolo portano inevitabilmente l’attenzione verso il soggetto. Nessuna distrazione e il massimo contrasto possibile: questo è l’approccio di Irving Penn nella fotografia di moda.

Nel 1947 incontra la modella svedese Lisa Fonssagrives durante un servizio fotografico e in seguito la sposa nel 1950, facendone la sua amante e musa.

Penn continuò la sua collaborazione con Vogue fino alla sua morte, avvenuta nel 2009, realizzando in 66 anni ben 158 copertine, numero mai raggiunto da nessun altro.

I grandi spazi aperti

Anni ’50: la nuova donna di Richard Avedon e William Klein

Dopo la seconda guerra mondiale, la moda subisce importanti cambiamenti. Gli scatti in studio artificiosi e l’eleganza statica delle modelle dei primi decenni della fotografia di moda lasciano ora il posto a una nuova estetica più fluida, spontanea ed energica.

E a cambiare è anche l’immagine della donna che piano piano sguscia via dai canoni in cui fino ad allora era stata racchiusa, come testimoniano i nuovi approcci alla fotografia apportati da una nuova generazione di fashion photographer che iniziano a emergere in questo periodo.

Se i vari Irving Penn, Rawlings o Blumenfeld, che abbiamo già incontrato, raggiungono in questi anni l’apice del successo, in questa decade fioriscono insieme a loro, anche le carriere di fotografi che diventeranno i maggiori interpreti di questo cambiamento.

Il più famoso di questi è senza dubbio Richard Avedon (americano, 1923-2004) – di cui ho già parlato nell’articolo dedicato ai grandi maestri del ritratto, la cui estetica minimalista ebbe un profondo impatto soprattutto sul genere fashion.

Dopo essere stato uno dei primi studenti del Design Laboratory di Brodovitch, viene da costui inviato a Parigi nel 1946 per coprire le ultime collezioni delle principali case di moda. Giovani e piene di energia, le immagini che Avedon ha catturato per Harper’s Bazaar hanno rappresentato una nuova direzione per la fotografia di moda.

Nel 1957 fotografa la modella Carmen in Piazza Francesco I di Parigi per American Harper’s Bazaar. La donna appare a metà passo, il suo cappotto Cardin fluttua dietro di lei. Entrambi i piedi sono sollevati da terra, come se una folata di vento l’avesse sollevata in aria.

Avedon intitola la fotografia In omaggio a Munkácsi, un riferimento a uno dei primi fotografi di moda a lavorare principalmente al di fuori dello studio, che già nel 1934 riprendeva una donna vestita in abiti eleganti nell’atto di saltare una pozzanghera, per uno scatto intitolato non a caso Jumping a Puddle. 

Anche lo stile di Avedon era incentrato su una cosa: il movimento. Sostituisce le pose statiche e senza vita dell’era Steichen con fotografie piene di verve e vitalità. Evita lo studio, preferendo lavorare all’aperto o sul posto. Ama catturare vivaci scene di strada e feste affollate, le sue modelle sono fotografate sul momento, mostrando la loro naturale femminilità; i vestiti fluenti sembrano in qualche modo essere un’elegante estensione dei loro corpi.

Questo stabilisce un nuovo corso per la fotografia di moda e, per tutti gli anni ’50, lo stile di Avedon è stato molto imitato, ispirando fotografi come Henry Clarke a usare le strade della città come sfondo per le sue immagini. Nei grandi spazi aperti, un nuovo senso della vita poteva essere respirato nelle fotografie, con la bellezza dei modelli e degli abiti che indossavano direttamente rispecchiata nel dinamismo della composizione complessiva.

Altro artista, forse meno celebrato, ma la cui estetica contribuì non poco a ridefinire l’immagine della donna del periodo, è poi William Klein. Grazie alle sue immagini di rottura, quest’ultimo sbaraglierà ogni schema creando un vero e proprio spartiacque tra la fotografia del passato, dove la donna era spesso ritratta come figura fragile e debole e la donna libera ed indipendente che oggi conosciamo.

William Klein (1926-2022) è stato uno scultore, pittore, regista e fotografo nato a New York. Di origini ebree, cercò rifugio dall’antisemitismo americano degli anni ’30 nel MoMa, del quale fu un assiduo frequentatore.

A 18 anni, finisce nell’esercito, dove trascorre due anni in Francia e in Germania in qualità di operatore radio. Finita la guerra, comincia la sua carriera nel mondo dell’arte: La Sorbona di Parigi lo battezza nel 1948. La pittura sarà la sua prima passione. Ma già agli inizi degli anni ’50 fece ritorno a New York, dove iniziò a sperimentare anche il mezzo fotografico. I suoi scatti cominciano a ottenere visibilità, tanto da fargli guadagnare l’appellativo di “anti-fotografo”.

Dopo un’esposizione al Salon des Réalités Nouvelles di Parigi, William Klein viene notato dal direttore di Vogue America, Alexander Liberman. Ed è qui che comincia l’avventura di William Klein per la celebre rivista di moda. Lavorerà per Vogue fino al 1966, pur avendo un rapporto conflittuale con quell’ambiente. William non si sente un fotografo mondano ma un fotografo della realtà.

Ed è infatti nelle grandi città che dà il meglio di sé: i reportage di New York, , Mosca e Tokyo, danno vita ai suoi migliori lavori. C’è anche l’Italia, dove Fellini lo chiama per fargli da assistente sul set de Le notti di Cabiria. La sua rappresentazione di Roma è quella di un film neorealista, del quale possiamo quasi immaginare la trama: una Città Eterna che è rimasta tale solo nelle immagini di repertorio, trasudante un’umanità sudicia, appiccicosa e immortale.Le seducenti modelle, nel suo obiettivo, non posano in studio: attraversano le strisce pedonali di Roma, ora una scalinata, ora un set, ora davanti uno specchio.

Nel 1956, in Piazza di Spagna, un suo set viene preso d’assalto da uomini in cerca di divertimento, che scambiano le sue modelle per un gruppo di gentili passeggiatrici. Nello stesso anno, riesce anche a farsi censurare una foto, dopo aver ritratto una modella intenta a fumare una sigaretta. Decisamente troppo, per l’epoca.

Le sue fotografie non sono pulite ed ordinate. A predominare è il fuori fuoco, la “mal composizione”, il taglio particolare… Eppure sono dotate di una carica e di una vitalità che riuscì a sconvolgere un’intera generazione. Qualsiasi cosa fosse considerata “errore” dal mainstream fotografico del tempo, lui riuscì a trasformarlo in nuovo metodo espressivo.

Poliedrico, sfaccettato, innovatore: William Klein è molte cose e definirlo fotografo è quasi riduttivo. Si tratta anzitutto di un distruttore di schemi, capace di fondere stili e generi, cinema, fotografia e pittura. Si è spento a Parigi il 10 settembre 2022, all’età di 96 anni.

Altri fotografi che iniziano ad affermarsi dagli anni ’50 da ricordare: Norman Parkinson (britannico, 1913-1990).

Anni ’60: La Swinging London di David Bailey e l’arrivo del nudo

Gli anni ’60 sono universalmente riconosciuti come gli anni del boom economico e del rinnovamento generazionale. Arriva la rivoluzione sessuale, lWoodstock, i figli dei fiori, la minigonna resa popolare dalla stilista Mary Quant e il taglio geometrico a cinque punte sviluppato dall’hairstylist Vidal Sassoon,  così anche la moda diviene meno formale, poiché la cultura giovanile richiede ora un look più “trendy” e “alla moda”, che nel 1965 viene ribattezzato “youth-quake” dalla nuova direttrice di Vogue Diana Vreeland.

Ora s’impiegano nuovi materiali, tessuti esotici, colori audaci e motivi contrastanti che enfatizzano la liberazione del corpo. A Londra, tre fotografi di moda iconoclasti provenienti dalla classe operaia: David Bailey, Terence Donovan e Brian Duffy – soprannominati la “Trinità Nera” dal fotografo Norman Parkinson – aprono la strada al look “Swinging London”, presentato in nuove riviste giovanili come Queen (rilanciato nel 1957) e Nova (lanciato nel 1965).

Bailey in particolare, che oltre a realizzare le foto delle copertine dei Rolling Stones, nel 1962 veniva assunto da British Vogue per rinnovare la sezione “Young Idea”, usò ampiamente lo “stile Avedon”, adattandolo però ai tempi che richiedevano una moda più giovanile, con un approccio documentaristico più vivace e spensierato in grado di collegare modelle, ambientazione e stile di vita come mai prima d’ora.

L’atmosfera dei suoi set e di quegli anni è stata catturata nel film di Michelangelo Antonioni Blowup (1966), in cui David Hemmings interpreta un personaggio in parte basato su Bailey.

E con Bailey, arrivano anche le modelle, o meglio, le modelle assumono ora una nuova importanza, poiché Jean Shrimpton (all’epoca 17enne quando per lei David Bailey lasciò la prima delle sue 4 mogli), Twiggy (letteralmente “stecchino”) alias della modella londinese Lesley Hornby, Edie Sedgwick (attrice e modella di Andy Warhol nota anche come musa fragile, morta non a caso a soli 28 anni) ed altre come Veruschka (malgrado il nome, tedesca, a cui il compagno e fotografo-regista Franco Rubertelli dedicò anche un film) e Penelope Tree (americana, anche lei legata sentimentalmente a Bailey, i cui  look non convenzionali ne fecero la modella ideale per la moda hippy popolare nell’ultima parte del decennio) sono ora nomi familiari al pari dei loro fotografi, diventando di fatto le prime IT girl*.

it girl – bella ragazza alla moda che fa tendenza senza ostentare la sua femminilità. Le origini del termine  risalgono ad una affermazione di Rudyard Kipling: It isn’t beauty, so to speak, nor good talk necessarily. It’s just ‘IT nell’anno 1904 e appartiene allo slang dell’alta borghesia britannica.

Mentre per il significato attuale si deve risalire alla pubblicazione, nel 1994, sul New Yorker, dell’articolo di Jay McInerney su Chloë Sevigny, Oggi, con l’avvento dei social, queste ragazze in grado di fare tendenza, sono meglio conosciute come influencers, cioè ragazze, più o meno giovani, che sono così popolari da essere immortalate ovunque per il loro outfit, look, make up.

Anche il nudo si affaccia per la prima volta sulla scena delle riviste manistream grazie ad Helmut Newton, un fotografo che, con le sue immagini sovversive e apertamente sessuali, eleva ad arte la fotografia di moda, diventandone per alcuni un guru, mentre per altri un misogino oltre il limite del politically correct…

Helmut Neustätder, in arte Helmut Newton (1920-2004), è un fotografo tedesco nato a Berlino da una ricca famiglia di origine ebrea. L’ambiente della borghesia berlinese gli permette di seguire le proprie passioni e di avvicinarsi al mondo della fotografia fin dalla giovane età: a soli 12 anni acquista infatti la sua prima macchina fotografica, iniziando poi a lavorare a soli 16 anni con la fotografa tedesca Elsie Naulander Simon.

Con la diffusione delle leggi razziali naziste, lascia la Germania nel 1938 e si imbarca da Trieste verso Singapore, ma poco dopo si vede internato ed espulso in Australia dalle autorità britanniche.

A Sydney lavora come raccoglitore di frutta e si arruola con l’esercito australiano per cui guida i camion durante la II Guerra Mondiale. Grazie alla devozione nei confronti del paese che lo ospita, nel 1946 ottiene la cittadinanza australiana, e nel 1948 conosce e sposa la modella, attrice e fotografa australiana June Brunnell (in arte June Browne o Alice Springs), alla quale resterà legato per oltre 50 anni.

Finita la guerra, Parigi, Monte Carlo e Los Angeles sono i set di un lavoro a stretto contatto con un jet set scintillante e dissoluto. Uno stile unico, una passione ossessiva per le donne e il nudo femminile, per il lusso e la trasgressione. Helmut Newton è stato il fotografo di moda per eccellenza, ma anche un raffinato interprete della realtà e della cultura, e un uomo dal grande senso dell’umorismo.

Conteso dalle riviste di moda più prestigiose (ha lavorato per anni per le varie edizioni di Vogue), in cinque decenni di attività ha ritratto le donne e gli uomini più glamorous del pianeta. La fotografia di Newton trascende i generi e le classificazioni, esprime bellezza e seduzione e resta inimitabile nel tempo, raccontando storie surreali e dalle tinte forti, e intrecciandole a una narrazione parallela, combinando realtà e finzione in scenari anticonvenzionali.

Altri fotografi che iniziano ad affermarsi negli anni ’60 da ricordare: Victor Skrebneski (americano di origini russo-polacche, 1929-2020), Bob Richardson (americano, affetto da schizofrenia, 1928-2005, padre di Terry, che ritroveremo più avanti) e Bert Stern (americano, 1929-2013), famoso soprattutto per aver ritratto Marilyn Monroe (6 settimane prima della sua morte) per un servizio (di oltre 2000 scatti) del 1962 uscito postumo su Vogue America.

Il ritorno in studio e l’inizio delle polemiche sessuali 

Abbiamo appena visto come catturare il movimento al di fuori dei confini dello studio fosse ormai diventato il modus operandi di molti fotografi negli anni ’50- ’60. Ma in verità, fotografi come Irving Penn – che abbiamo già conosciuto – continuarono per tutti questi anni ad attenersi alle tradizioni dello studio. E anche se secondo alcuni il suo stile stesse iniziando a cadere in disgrazia, il fotografo più longevo nella storia di Vogue, continuò a influenzare il volto della fotografia di moda in modi sottili ma di vasta portata per molti anni a venire.

Sono questi gli anni della cosiddetta divisione tra le due diverse scuole di pensiero e di metodo – tra chi privilegiava la fotografia di moda realizzata in studio (geometrica, pulita, morbida, con illuminazione soffusa) e chi invece quella “in strada” (irregolare, “sporca” e soprattutto reale) – con ognuno intento a difendere il proprio lavoro o piuttosto a criticare quello degli altri colleghi…

Anni ’70: Guy Bourdin e la risposta femminista

All’inizio degli anni ’70, tuttavia, una rinascita del lavoro in studio era ormai ben avviata. Solo che a differenza dei loro precedessori dall’impostazione più classica o se vogliamo più glamour, una nuova generazione di fotografi iniziava a testare i limiti di ciò che nella fotografia di moda poteva essere ritenuto “accettabile”, sfidando temi potenzialmente controversi come la religione e la violenza, con nuove immagini di rottura caratterizzate dall’ampio uso di nudità femminile, sessualità palese e surrealismo.

Ancora una volta, Richard Avedon stava cavalcando la cresta di questa nuova ondata. Dopo aver firmato un accordo milionario per trasferirsi da Harper’s Bazaar a Vogue nel 1966, decise di tornare in studio per gran parte del suo lavoro fotografico di moda. Il suo caratteristico uso del movimento era ancora presente, così come la sua celebrazione della vitalità e della sessualità femminile complice. Mentre il lavoro di Helmut Newton, già iniziato qualche anno prima, continuava ad unire temi di ambiguità emotiva e sesso, catturando donne sicure di sé in ambienti glamour e artificiosi.

In contrasto con Avedon e Newton c’erano in qualche modo il parigino Guy Bourdin, il milanese Gian Paolo Barbieri e il tedesco Chris von Wangenheim, il cui immaginario sessuale veniva usato per raccontare in foto una storia diversa, fatta di immagini cupamente provocanti che si concentravano meno sugli abiti e più sul carattere della donna per lo più strapazzata o sottomessa.

Il primo in particolare – nato il 2 dicembre 1928 a Parigi, è un ex pittore, ammiratore di Magritte e Balthus, che si avvicina alla fotografia altamente sperimentale come amico e protetto di Man Ray.

La sua cifra stilistica ha rivoluzionato lo scatto di moda, dal suo obbiettivo la seduzione femminile cambia registro e assume punte trasgressive, stemperato spesso dai colori laccati degli scatti. 

Mentre i suoi critici dicono che Bourdin ha ridotto il corpo femminile alle sue parti più erotiche, spesso promuovendo visioni violente e misogine, i suoi sostenitori sostengono che ha creato il suo marchio unico di misticismo surreale.

Il suo lavoro pubblicitario alla fine degli anni ’70 (compresi i servizi per i marchi di calzature di lusso Charles Jourdan e Roland Pierre) spesso ritraeva la donna come debole e ammaestrata. Tuttavia il suo immaginario è innegabilmente accattivante, e l’uso di colori vivaci, surrealismo messo in scena e sesso ha influenzato il lavoro di fotografi di moda moderni.

Gli anni ’70 sono però anche anni di profondi cambiamenti, non solo di costume (con l’invenzione dei jeans dall’iconica forma a zampa di elefante che inaugurano un’era di stili più pratici e casual), ma soprattutto sociali, come il femminismo, che influenzano l’industria della moda e il modo in cui le donne vengono rappresentate.

E inutile dire che – anche in risposta all’eccessiva e a volte impropria oggettivazione del corpo femminile da parte delle loro controparti maschili, le maggiori interpreti di questa prima era del femminismo sono soprattutto fotografe donne, come Eve Arnold (americana, 1913-2012), o le ex modelle Deborah Turbeville (americana, 1937-2013)  e Sarah Moon (francese, 1941), capaci di portare, con le loro immagini altamente contempletative, nuove prospettive a pubblicazioni come Vogue e Harper’s Bazaar.

Sarah Moon, alias di Marielle Warin, nasce a Vernon (Francia) nel 1941. Quando i nazisti arrivano a Parigi, la famiglia di origine ebraica è costretta a scappare in Inghilterra. Qui Sarah trascorre i primi anni d’infanzia. Dopo aver studiato disegno, lavora come modella di moda a Londra e Parigi (1960-1966) con il nome d’arte di Marielle Hadengue.

Quando raggiunge l’età dei trenta anni abbandona la carriera di modella e a partire dal 1970 si pone dall’altra parte dell’obiettivo. Da questo momento nasce uno stile fotografico che solo lei ha saputo veicolare in modo così raffinato. con immagini profonde, leggermente anticate nella loro estetica e raffiguranti un mondo sognante ed etereo. 

Non a caso, ha lavorato moltissimo per Cacharel, Chanel e Dior, incarnando in modo impeccabile le loro creazioni e i profumi che in quegli anni erano considerati un must. È stata anche la prima donna a fotografare il Calendario Pirelli nel 1972. Nonostante la fama, ha abbandonato gradualmente il lavoro commerciale e la fotografia di moda, per dedicarsi alla ricerca personale attraverso i linguaggi della fotografia puramente artistica e del video. 

L’era del consumismo dilagante

Anni ’80: il ritorno del lusso e l’ascesa delle top model

Racchiusi nelle parole chiave colore, lusso, magneficienza, gli anni ’80 sono l’inizio di una nuova coraggiosa frontiera per la fotografia di moda, tornata definitivamente in sala posa. Il consumismo, una forza che era rimasta in qualche modo dormiente per gran parte dei precedenti 60 anni, improvvisamente alzò la testa. La moda stava iniziando ad avere un fascino più ampio mentre l’Europa e la fiorente classe media americana si interessavano maggiormente a ciò che indossavano. Tutti avevano più soldi da spendere (anche chi non ne aveva) e marchi di moda come Calvin Klein, Levi’s, Ralph Lauren e molti altri (che ora andavano orgogliosamente esibiti), erano fin troppo felici di afferrarli.

Una straordinaria campagna del 1980 con una 15enne Brooke Shields lo ha riassunto perfettamente. Scattata dall’onnipresente Richard Avedon, la pubblicità per i jeans Calvin Klein vedeva la Pretty Girl d’America dichiarare con orgoglio che nulla poteva frapporsi tra lei e i suoi Calvin.

Era una frase che usciva direttamente dal taccuino di un pubblicitario, ma ha attirato l’attenzione del pubblico. Quasi da un giorno all’altro ha reso i jeans Calvin Klein un prodotto molto desiderato.

Ma insieme a jeans e capi firmati, ad essere desideratissimi, sono anche gli accessori e gioelli, simbolo di opulenza. Il consumismo dilagante ha ormai trasformato la moda in un’industria internazionale in forte espansione, alimentata da campagne pubblicitarie e spot televisivi che utilizzano anche registi famosi per dare vita ai loro prodotti sul piccolo schermo. È in questi anni che Martin Scorsese gira due celebri spot per l’amico Armani, che poi omaggerà anche nel suo documentario “Made in Milan” (1990).

È sempre in questi anni che inizia ad affermarsi uno dei gruppi di modelle più influente ed idolatrato passato alla storia come il Big Five, la cui fama e potere sociale avrebbe superato quello di molte star del cinema e della musica del periodo.

Le Big Five originali erano composte dalle top model Naomi Campbell, Cindy Crawford, Christy Turlington, Linda Evangelista e Tatjana Patitz (con quest’ultima venuta a mancare l’11 gennaio 2023 alla giovane età di 56 anni a causa di un cancro).

Naomi Campbell, soprannominata “la Venere nera”, era la prima donna nera ad apparire sulle copertine di Time e Vogue Francia e America. Cindy Crawford era in quegli anni la modella più pagata del pianeta secondo Forbes, che la accredita di un patrimonio accumulato in carriera di 400 milioni di dollari. Christy Turlington era nota per essere una modella affidabile che ha raccolto oltre 500 copertine durante la sua carriera e, in particolare, ha firmato un contratto con Maybelline per un compenso annuale di  800.000 $ per dodici giorni di lavoro. Linda Evangelista era conosciuta come il “camaleonte” del settore per la sua capacità di adattarsi a una moltitudine di stili. Tristemente sua anche la frase: “Non ci svegliamo per meno di 10.000 $ al giorno”. Tatjana Patitz, l’ultima delle Big Five, era particolarmente richiesta da case di stilisti come Jean-Paul Gaultier e Chanel.

Sebbene i loro nomi offuscassero ormai quello dei loro fotografi e degli stilisti per cui sfilavano (come non sarebbe mai più successo), a meglio immortalare la loro bellezza inarrivabile furono in quegli anni soprattutto Herb Ritts (che le ritrate in un celebre scatto collettivo del 1990 in cui Stephanie Seymour sostituisce l’assente Evangelista), e in maniera più giocosa Peter Lindbergh e Steven Meisel, che le immortalò in alcuni degli scatti che seguono.

Se Helmut Newton era ancora al suo posto, come anche Irving Penn, ancora a suo agio nello studio (collaborò in questo periodo con il designer giapponese Issey Miyake per una serie avvincente e innovativa di campagne pubblicitarie), la Wintour si circonderà negli anni di fotografi di moda che aiuterà, con l’edizione francese e italiana della rivista, ad imporre come i migliori del genere: Patrick Demarchelier (francese, nato nel 1943), fedele fotografo di Dior e Herb Ritts (americano, 1952-2002) spesso associato a Madonna, così come Steven Meisel e Satoshi Saïkusa che lavoreranno anche per Franca Sozzani di Vogue Italia, e Mario Testino che collaborerà spesso anche con Vogue Paris e Spagna.

Anche la moda maschile cresce in una propria industria, con fotografi come Steven Klein  (americano, nato nel 1965) e Bruce Weber (americano, nato nel 1946), noti per il loro lavoro per marchi come Armani e Calvin Klein, accreditati di portare nuove prospettive al concetto di mascolinità.

E con loro, c’è spazio anche per i primi top model maschili in grado di riscuotere una certa fama, con Markus Schenkenberg (svedese) spesso citato come il primo, che viene presto raggiunto da Mark Wahlberg, Joel West, John Pearson e Renauld White.

Sebbene per loro sia stato coniato l’appellativo di “High Five”, inutile dire che il loro brand non raggiunse mai quello delle Big Five, diventando anzi spesso un simbolo della sottomissione dell’uomo trattato ora come oggetto, nelle tante campagne pubblicitarie a tema del periodo.

Altri fotografi che iniziano ad affermarsi negli anni ’80 da ricordare: Annie Lebowitz (nata nel 1949, ancora oggi la più nota fotografa americana in attività), Steve Johnson che preferendo utilizzare modelle non professioniste, divenne famoso per lo stile “straight up”, una fotografia che mostrava la modella per intero (dalla testa ai piedi) e Oliviero Toscani (italiano, nato nel 1942), che si ami o che si odi, è indiscutibilmente da sempre uno dei più grandi fotografi di moda e attualità del nostro tempo.

Anni ’90: l’età d’oro della pubblicità

Negli anni ’90, la moda cambia radicalmente Vi è infatti un ritorno alla moda minimalista, anche in aperto contrasto con le tendenze più elaborate e appariscenti degli anni ’80, che sfocerà nell’Antifashion (o antimoda), grande movimento nato all’inizio di questi anni come rifiuto del materialismo che aveva caratterizzato il decennio precedente. Altro cambiamento notevole è l’adozione mainstream dei tatuaggi, piercing o in misura molto minore, altre forme di modificazione del proprio corpo.

Questo approccio anticonformista alla moda porta alla divulgazione di un look grunge, semplice e trasandato (ispirato alla popolarità della musica rock alternativa di quel periodo), molto in voga tra i più giovani, che includeva T-shirt, jeans, felpe con cappuccio e scarpe da ginnastica.

Con l’arrivo di Internet e dei primi programmi di fotoritocco che fanno capolino in questi anni, nuove pubblicazioni di stile rivolte a entrambi i sessi, definite non a caso “New Style”, combinano la moda ad articoli sulla musica contemporanea, la cultura e le tendenze emergenti.

Già negli anni ’80 Terry Jones, ex art director di Vogue, aveva lanciato i-D, una rivista bimestrale progettata per assomigliare a una fanzine e il cui contenuto poneva l’accento sulla cultura giovanile e sullo street style. Mentre in questi anni le nuove riviste britanniche The Face e Dazed and Confused (in seguito solo Dazed) o l’americana Allure, emergono come contrappunto alla perfezione aerografata delle principali riviste patinate, con pagine popolate da figure che rappresentano tipi alternativi di bellezza, che spesso non sono modelle professioniste. Le quali però non sono certo sparite, anzi…

Per tutti gli anni ’90, le top model continuano a dominare l’industria della moda. Dopo il ritiro dalle passerelle di Tatjana Patitz (che inizia a recitare in alcuni film), questa viene sostituita nelle Big Five da un’altra top model tedesca.

Parliamo naturalmente di Claudia Schiffer, la top model con il record per il maggior numero di copertine di riviste (oltre mille) secondo il Guinness dei primati, che sale alla ribalta in questi anni grazie ad alcuni scatti in bianco e nero di Ellen von Unweth per una celebre campagna Guess del 1989 (un sodalizio che si ripeterà 23 anni dopo).

Più in là del decennio, le big five verranno affiancate dalle emergenti Lætitia Casta, Milla Jovovich, Eva Hergizova e Monica Bellucci, che utilizzerano la passerella come trampolino di lancio per il cinema o da vere professioniste del settore come Helena Christiansen, Elle Macpherson, Heidi Klum o l’italiana Carla Bruni.

Nato nel 1944 a Leszno, in Polonia, Peter Lindbergh era di nazionalità tedesca. La sua formazione è correlata alla sfera artistica: ha studiato pittura presso il College of Art di Krefeld, tenendo sempre tra i suoi riferimenti Joseph Kosuth e il movimento concettuale; prima di laurearsi, viene invitato alla Galerie Denise René – Hans Mayer nel 1969, dove ha debuttato.

L’iniziazione alla fotografia avviene a Düsseldorf dove si trasferisce, lavorando a fianco del fotografo tedesco Hans Lux; due anni dopo aprirà il suo studio (siamo nel 1973).

Il salto in avanti avvenne a Parigi alla fine degli anni ’70, dove entra in contatto con personalità del calibro di Helmut Newton, Guy Bourdin e Hans Feurer e elabora un nuovo concetto di ritratto fotografico. Diventa famoso per ritrarre le figure femminili nella loro bellezza naturale, ribaltando gli standard di bellezza artificiosi della moda e privilegiando i tratti caratteriali di ogni soggetto che affiorano attraverso espressione e gestualità.

E “super” erano decisamente anche le risorse che riviste e case di moda erano ben felici di mettergli a disposizione, con i suoi set che assomigliavamo sempre più alle grandi produzioni hollywoodiane con tanto di esplosioni o ricostruzioni scenagrofiche di periodi storici come il dopoguerra. Come ha peraltro ben documentato il documentario “Eye” a lui dedicato su Netflix.

Non è un caso che la fotografia di Peter Lindbergh vada ben oltre il suo lavoro di moda e ritratto. È stato anche un fotografo pubblicitario di successo per molti anni creando locandine cinematografiche e copertine musicali di dischi per star come Beyoncé (I am Sasha Fierce), Sheryl Crow (The Globe Sessions) e Tina Turner (Foreign Affair).

Si è inoltre cimentato nel cinema e ha diretto diversi cortometraggi e documentari: Models: The Film (1991), Inner Voices (1999), Pina Bausch (2002) e Everywhere at Once (2008). È venuto a mancare il 3 settembre 2019, all’età di 74 anni.

Ma se le top-model e relativi fotografi d’adozione, diventano in questi anni delle icone, il merito è anche e soprattutto delle case di moda e dei loro stilisti. Dai forti modelli femminili ritratti da Donna Karan, al sogno americano rappresentato da Ralph Lauren, gli anni ’90 sono in effetti visti da molti come l’età d’oro della campagna pubblicitaria.

Non di meno, le case italiane (con in testa Armani e Versace, che in questi anni compaiono sulle copertine di Time) continuano a dare energia alla moda introducendo stili sofisticati e colorati, che non riguardano più solo i vestiti. Anche le borse, gli occhiali ed i profumi, fonte di reddito aggiuntivo, diventano un elemento essenziale per questi marchi, insieme alle linee complementari di ready-to-wear e accessori. Il loro successo durerà per tutto questo periodo.

L’ingresso sulla scena di Kate Moss ha inoltre trasformato le Big Five nelle Big Six. Pur non rientrando nei canoni di bellezza del periodo, la modella inglese è diventata uno dei più grandi fenomeni degli anni Novanta quando, a 14 anni, fu scoperta all’aeroporto JFK da Sarah Doukas, fondatrice dell’agenzia di moda Storm. La sua figura simile a un gilet ha stabilito un nuovo standard di moda che è diventato noto come “heroin chic”: lo stile degli anni ’90 che esaltava modelle dallo sguardo pallido e spettrale (come se sotto effetto da sostanza), una statura sottile e un corpo androgino di taglia zero, in reazione al salutismo patinato del decennio precedente. A causa della sua corporatura estremamente magra, la Moss è stata spesso criticata per aver presumibilmente promosso disturbi alimentari, e insieme a lei tutta l’industria della moda in generale ritenuta  responsabile di aver celebrato scelte di vita pericolosamente malsane.

In seguito a queste polemiche, diversi fotografi inizieranno ad adottare un approccio più documentaristico alla loro fotografia di moda, mentre altri preferiranno spingere sull’acceleratore…

Altri fotografi che iniziano ad affermarsi negli anni ’90 da ricordare: Corinne Day (inglese, che ha contribuito a diffondere un nuovo tipo di immagine di moda, che presentava modelle trasandate in ambienti squallidi) David Sims e Jason Evans.

Tempi moderni

Anni 2000: l’ipersessualità

Come l’umanità ha completamente stabilito nel corso dei decenni, il sesso vende. Ma, mentre persone come Helmut Newton e Guy Bourdin avevano usato ampiamente le immagini per il loro sex appeal negli anni ’70, gli anni 2000 hanno inaugurato una nuova era di ipersessualità che è stata progettata tanto per scioccare quanto per vendere vestiti.

Un uomo che non aveva paura di usare la carne per spingere i suoi prodotti era sicuramente Tom Ford. L’iconica campagna del 2007 per la sua prima fragranza For Men, realizzata dall’ex amico delle star Terry Richardson, ha mescolato l’inclinazione di Ford per le immagini sessuali con l’estetica rigida e immediatamente identificabile di Richardson (in seguito coinvolto negli scandali sessuali in periodo di Me Too che ne causeranno l’allontamento da Vogue).

Bourdin ebbe chiaramente un’enorme influenza su questo lavoro (e su altri successivi basati sullo stesso mood). Le inquadrature in studio altamente manipolate, l’uso del colore e la rappresentazione leggermente sinistra della sessualità femminile sono tutti presenti.

Il posizionamento strategico della bottiglia di profumo lascia poco all’immaginazione, e la campagna ha causato molte polemiche, così come molta pubblicità per Ford.

Un’altra chiacchieratissima campagna della scuderia Tom Ford era già stata lanciata nel 2003 mentre lo stilista lavorava per Gucci. Stilizzata e semplicistica, questa pubblicità, scattata da Mario Testino, ha attirato molta attenzione in quanto presentava una modella femminile con la “G” di Gucci rasata nei peli pubici. Meno improntata sull’abbigliamento e più sulla promozione, è stata comunque una mossa audace per Ford, che ancora una volta ha dimostrato il vecchio adagio che non esiste una cattiva pubblicità, se fa vendere.

Nato a New York nel 1965, ma cresciuto in California, Terry Richarson è un figlio d’arte. Suo padre Bob Richardson era a sua volta un famoso fotografo di moda negli anni Sessanta.

Costui lasciò la moglie per una 17enne quando il figlio aveva pochi anni, e i due non ebbero quasi alcun rapporto per i successivi 20 anni, fino a quando Terry, dopo un’esperienza musicale durata 5 anni nel gruppo punk-rock The Invisible Government, non iniziò a lavorare come fotografo: il padre gli passò i suoi contatti e finì per lavorare con lui; durò sei mesi, poi il figlio lo scaricò, si mise in proprio e da quel momento la sua carriera iniziò a ingranare, mentre il padre si ritrovò successivamente a vivere da senzatetto nelle strade di Los Angeles a causa di problemi con le droghe e di attacchi di schizofrenia.

La sua carriera inizia negli anni ’90, con scatti che sapevano essere anche divertenti, giocosi, allusivi, ispirati al pulp, sebbene ai limiti del soft-porn, diventando anche famoso per scattare foto di modelle nude mentre è nudo a sua volta: per mettere tutti più a loro agio, sostiene lui… Nel tempo l’elemento sessuale diviene sempre più presente, come anche quello volutamente trasgressivo in campagne assai controverse e spesso anche censurate. Insieme a quelle per Tom Ford che abbiamo già visto, anche quelle nate della collaborazione fra Terry e Sisley con varie ragazze alle prese con lo schizzo di latte proveniente dalla mammella di una mucca per la campagna “Farming” del 2001, o quella altrettanto controversa e famosa intitolata “Fashion Junkie”: l’incarnazione stessa del concetto di heroin chic (anche se la fotografia è del 2007). Due ragazze, trucco pesante e aspetto emaciato, nell’atto di “sniffare” un abito bianco posizionato in modo da ricordare la sostanza (comunque presente all’interno di una bustina trasparente).

Insieme alle campagne scandalose e ai calendari per Pirelli che con lui ritorna al nudo esplicito nel 2010, non mancano poi gli scatti con personaggi più che famosi. Ha ritratto il presidente Barack Obama (nel 2007) e Oprah Winfrey, pubblicato numerosi libri di fotografia, tra cui uno su Lady Gaga, e diretto video pop come Wrecking Ball, con Miley Cyrus nuda, a parte un paio di Dr Martens, su una palla gigante, e XO di Beyoncé. Negli ultimi vent’anni Richardson ha in effetti dominato il mondo della fotografia di moda diventando uno degli artisti più richiesti e pagati. Nel 2013, per dare un’idea, guadagnò 44 milioni di sterline (49 milioni di euro).

E questo nonostante le accuse e denunce per molestie che nel frattempo iniziarono a venir fuori in tempo di Me Too, anche se risalenti a molti anni prima. La prima nel 2005, quando la modella romena Gabriela Johansson lo denunciò per un fatto avvenuto durante un servizio fotografico, quando Richardson la obbligò a togliersi tutti i vestiti anziché solo il top come da contratto, e poi pubblicò le foto che la ritraevano completamente nuda. In seguito Rie Rasmussen, una modella danese, lo accusò di aver utilizzato il proprio potere per costringerla ad avere rapporti con lui. E qui la lista si allunga. Nel 2013 una ragazza britannica pubblicò una petizione su Change.org per chiedere alle aziende e alle rivista di moda di non lavorare più con quel «molestatore sessuale e fissato di pornografia» di Terry Richardson.

Il sito femminista Jezebel lo definì «il fotografo più perverso al mondo», riportando altri episodi raccapriccianti a suo carico. Il Guardian disse che era «il vergognoso segreto della moda» e un «maniaco sessuale con la macchina fotografica». Wonkette scrisse che era «il prossimo più grande pezzo di merda americano». Ciononostante è solo in seguito ad un articolo del giornale britannico Sunday Times, che si domandava perché il mondo della moda continuasse a lavorare con Richardson, che nel 2017 che Condé Nast International (il gruppo di Vogue) ha annunciato che non avrebbe più lavorato con lui, unendosi così alle tante pubblicazioni e casedi moda che iniziarono a bannarlo dal settore.

L’impressione è che, come già avvenuto per il caso Weinstein, anche il mondo della moda – modelle, celebrità, direttori di riviste, fotografi, critici – fosse a conoscenza del comportamento di Uncle Terry (come il fotografo amava farsi chiamare dalle sue modelle amiche) e lo tollerasse, sminuisse e coprisse, con molte donne che finivano per lasciar correre temendo di avere la carriera rovinata e altre che lo assecondavano per finire su una copertina.

Che ci piaccia o no, è anche questa (triste) storia della fashion photography.

Marc Jacobs e il dress code da tribunale

Sebbene non contrario all’uso di immagini sessuali nella sua pubblicità, rispetto a Tom Ford, lo stlista Marc Jacobs ha intrapreso un percorso diverso negli anni 2000 insieme al collaboratore di lunga data Juergen Teller. Lo stile fotografico distintivo di Teller ha giocato un ruolo enorme nelle campagne promozionali di Jacobs e differiva enormemente dagli scatti glamour e altamente stilizzati dei suoi contemporanei.

Moda fast vs. moda slow

Parlando più di moda e meno di pubblicità, i primi anni del nuovo millennio sono spesso descritti come un gran miscuglio di stili precedenti. La globalizzazione  ora permette di incorporare nelle nuove tendenze stili di diversi continenti, come abiti mediorientali e asiatici nella moda europea, americana e australiana, che vedono anche un revival su larga scala di modelli di abbigliamento principalmente dagli anni sessanta, settanta e ottanta.

E anche se nata negli anni ’80 (con negozi come Wet Seal e American Apparel) che furono precursori americani dell’impero della moda veloce, è in questo periodo che, con la proliferazione dello shopping on line e la possibilità dei resi, fiorisce o meglio esplode il consumo di fast fashion: abbigliamento economico basato sugli ultimi modelli di alta moda.

Si calcola che nel 1999, le grandi catene come Macy’s, JC Penney, Kohl – ai quali presto si aggiunsero i nuovi marchi low-cost del nuovo millennio come Forever 21, Zara e ovviamente H&M – registravano vendite per un totale di 230 miliardi di dollari.

Altri stilisti come Armani iniziavano invece a vedere con preoccupazione questo fenomeno: se da una parte la moda veloce, con il suo fascino a basso costo e i modelli basati direttamente dalla passerella, è stata un fattore significativo nella crescita del settore della moda, dall’altra innescava un circolo vizioso, visto che il basso costo di un capo di abbigliamento nasconde sempre un alto costo ambientale e sociale.

Come avrebbe purtroppo dimostrato la tragedia di Rana Plaza, in cui il 24 aprile del 2013, a Dacca, capitale del Bangladesh, morirono 1.129 persone nel crollo di una palazzina di otto piani dove erano collocate 5 diverse fabbriche tessili di abbigliamento per marchi internazionali. 

Anche l’industria dell’alta moda iniziava quindi a dover rispondere a preoccupazioni etiche maggiormente sentite in questi anni. L’uso di manodopera sfruttata o gli effetti ambientali del processo di produzione, ad esempio, hanno avviato uno spostamento dell’enfasi verso una rappresentazione più diversificata del prodotto – anche tramite l’utilizzo di pubblicità e testimonial più inclusivi – per promuovere una maggiore consapevolezza sociale.

Almeno è con questo obiettivo che, sul finire del decennio, alcuni stilisti come Stella Mccartney, figlia d’arte, o l’italiana Quagga, pongono ad emblema dei loro brand l’eco fashion, in seguito ribattezzata anche slow fashion: la moda sostenibile, etica e circolare, nata come un fenomeno da contrapporre a quella più consumistica della fast fashion. Che comunque, va detto, continuerà a far tendenza…

Anni 2010-2020: la rivoluzione social

Ed eccoci finalmente arrivati ai giorni nostri, con gli anni 2010/2020 rappresentati da una nuova generazione di brand/stilisti (Louisa Ballou, Ottolinger, George Trochopolous, Mozh Mozh e gli italiani Andrea Adamo e Federico Cina)  resi famosi dalle nuove top-model.

Se a dominare il decennio precedente erano state le brasiliane Giselle Bündchen (dal 2002 al 2017 l’indossatrice più pagata) e Adriana Lima, la russa Irina Shayk (testimonial ufficiale di Intimissimi) o le italiane Bianca Balti, Eva Riccobono e Mariacarla Boscono, ad affiancarle o a prenderne il posto c’è una nuova generazione di fashion icon rappresentate da Kendal Jenner, le sorelle Bella e Gigi Haddid, Cara Delevingne, Kaya Gerber, Sara Sampaio e l’italiana Vittoria Ceretti, la cui popolarità e “vendibilità” si misura adesso non più in numero di copertine, ma in followers.

Sono infatti questi gli anni inevitabilmente caratterizzati dalla nuova rivoluzione social che è tutt’oggi ancora in atto. Il cambiamento più profondo per le riviste di moda è arrivato nel modo in cui la fotografia di moda e le relative campagne pubblicitarie vengono ora consumate.

Se i fashion blogger come Scott Schuman di The Sartorialist o, per rimanere in casa nostra, Chiara Ferragni avevano aperto la strada nel decennio precedente, a sfidare l’egemonia di lunga data dei media di moda basati sulla stampa, sono ora soprattutto i social media come Instagram (2010) e TikTok (nato in Cina nel 2014, ma che avrà il suo exploit nel 2020), che con il loro flusso pressochè infinito di immagini e video, forniscono ora nuove strade non solo agli aspiranti fotografi di moda ma anche a quelli più che affermati.

Visti da molti come una nuova democrazia in quella che è stata considerata un’industria elitaria, altri vedono questi sviluppi tecnologici come la fine della lunga e orgogliosa eredità avanguardista dell’industria della moda (negli ultimi anni la quantità di pagine dedicate all’anno alla pubblicità su Vogue e le altre riviste è diminuita del 15-20%).

Per non perdere ulteriore terreno, i “vecchi media” hanno dovuto dunque adottare nuove strategie, che includono anche una tacita accettazione del fatto che le immagini potrebbero non arrivare mai vicino a una pagina patinata di una rivista A4 e potrebbero essere consumate solo su un feed di social media a scorrimento, con  i contenuti che oggi vengono creati per essere condivisi, apprezzati e ritwittati.

Per molti marchi, i lookbook sono le nuove campagne pubblicitarie: più economiche da produrre, più facili da consumare e più adatte alla distribuzione su mezzi digitali.

E con la fotografia post-moderna si apre, o meglio si chiude, almeno per il momento, anche un nuovo capitolo di questa storia, visto che se avete voglia di sapere come prosegue, devo necessariamente rimandarvi alla seconda parte di questo nostro ritratto alla moda.

Eccoci dunque arrivati al capolinea di questo lungo e – per quei pochi temerari che sono riusciti ad arrivare alla fine – spero anche interessante viaggio nel tempo, in cui per ovvie ragioni di spazio non mi è stato possibile approfondire l’opera di altri grandi artisti della fotografia di moda ai quali ho potuto solo accenare.

Appuntamento dunque, se ne avrete voglia, alla seconda parte di questo racconto che, dopo la storia del genere, andrà a concentrarsi proprio sui diversi generi (e stili) che si possono incontrare nella fotografia di moda. 

Grazie intanto per avermi letto fin qui e buona fashion-fotografia!

Come già fatto per l’altro blog in cui mi occupo di libri, ho quindi pensato di riassumere anche qui i punti salienti del mio recente percorso, non tanto nell’intento di auto-celebrarmi, quanto per ricordarmi e per ricordare che qualsiasi ambito, in primis quello legato alla fotografia, ma anche quello web, richiede costanza, pazienza e professionalità per permettere una crescita sana e autentica.

Ma innanzitutto che anno è stato questo 2022 a livello collettivo? Beh, se non ci sono dubbi che questo sia stato l’anno della sospirata ripartenza, dopo 2 anni e mezzo di pandemia che ha tenuto in stand-by non solo le nostre vite, ma anche molte delle attività, come quelle legate alla fotografia, è anche vero che in più occasioni il mondo si è fermato.

È il caso del conflitto russo-ucraino scoppiato il 24 febbraio di quest’anno e che non ha visto una tregua nemmeno sotto Natale, nè s’intravede purtroppo all’orizzonte una risoluzione pacifica o di altro tipo. Il mio pensiero e la mia vicinanza in questo momento vanno senza dubbio alla popolazione ucraina che, pur senza acqua nè luce per i bisogni più basilari, continua a non arrendersi, affrontando questa difficile situazione con assoluta dignità.

Ma è anche il caso delle tante morti celebri e inattese di cui siamo stati testimoni quest’anno. Penso per es. a Piero Angela (93) o a Monica Vitti (90), per rimanere in casa nostra, o a Pelè (82) e Papa Benedetto XVI (95), per rimanere agli ultimissimi giorni, anche se il riferimento più immediato è naturalmente alla Regina Elisabetta II, scomparsa l’8 settembre di quest’anno all’età di 96 anni, di cui 70 passati a regnare, e che qui mi piace ricordare in quest’immagine di repertorio.

E questo concetto posso adoperarlo anche e soprattutto quando si parla di fotografia, che quest’anno mi ha fatto spaziare in tanti generi diversi e in certi casi per me del tutto nuovi, come la food photography e lo still life, le cui gallerie continuo ad aggiornare con nuovi scatti, come gli ultimi a tema natalizio.

Uno spettacolo che non perde il suo fascino e che mi ha permesso di respirare dal vivo l’importanza che un evento del genere porta con sé da anni e che sa far sognare, piangere, incantare e rende orgogliosi dell’enorme talento di artisti italiani che tengono alto il valore dell’arte relativa alla danza, al canto e alla recitazione.

Per la Bertè, mi basta scrivere il suo nome per essere rimandata alle emozioni uniche, viscerali di un concerto svoltosi nella mia città in condizioni climatiche avverse, riuscendo a mantenere tra il pubblico, l’intenzione di non rinunciare ad un evento atteso da troppo tempo, al cospetto di una cantante che è manifesto di riscatto, ma cosa più importante, colei che canta la vita come nessun’altra.

E come dimenticare l’eleganza mista all’estro euforico, personale, originalissimo della Ayane e la grinta capace di mangiarsi l’intero palco che ha ammantato tutte le performance della Grandi? Tre donne diversissime, ma artisticamente eccezionali.

In primis grazie alla finestra di questo blog, per cui quest’anno sono riuscita a postare 10 articoli, che possono sembrare pochi, ma posso assicurarvi che dietro ad ognuno di essi c’è tanto tantissimo impegno, in qualche caso anche premiato, come avvenuto per l’apprezzato articolo-guida sui migliori concorsi internazionali, con cui sono riuscita a conquistare lo snippet in primo piano su Google, cosa che di solito avviene solo per quegli articoli che gli utenti trovano particolarmente utili.

Ma son soddisfazioni anche quelle legate ai tanti album e fotografie caricati nel mio portfolio, in qualche caso apprezzate e commentate anche dagli stessi artisti, qui o sui social, e che meritano ancora un bilancio a parte.

Le visite nel 2022

So che siete in tanti e che mi seguite da più parti, soprattutto dalla Calabria, ovviamente, ma anche da altre città d’Italia (soprattutto Roma 14,26%, Milano 12,47% e Catania 6,46%) e inaspettatamente anche dall’estero (soprattutto Stati Uniti 0,81%, Olanda 0,64% e Regno Unito 0,4%). So che vi collegate soprattutto da smarthphone (60,8%), ma anche da PC desktop (38,2%) o tablet (1%). So che molti di voi ormai mi conoscono, approdando qui tramite un link diretto (52,66%), che altri sono capitati qui, magari per caso o per sbaglio, tramite un motore di ricerca (5,56%), o perchè mi seguite sui social (40,5%), con questi ultimi provenienti soprattutto da Facebook (57,19%) ma anche Instagram (24%) e Twitter (18%),

2120 utenti unici che, in questi 11 mesi del 2022 hanno visitato questo sito almeno una volta e che hanno voluto premiarmi con 12.392 visualizzazioni e punte mensili di 1864, realizzate nel mese di Febbraio, quando il sito ha anche registrato 424 visite in un solo giorno (10 febbraio, giorno successivo al lancio del sito).

Numeri naturalmente risibili rispetto ad altre realtà, ma comunque per me importanti e che mi spingono a fare sempre meglio, che però non sarebbero niente, senza i vostri preziosi commenti – ne ho approvati finora 488 (anche se va detto che metà di questi sono i miei).

Ringraziamenti

Ringrazio tutti, da chi mi segue e commenta più assiduamente, qui o sui social, a chi ha visitato questo sito anche solo una volta. Ringrazio in particolar modo la Shownet di Ruggero Pegna, così come tutti gli altri organizzatori di spettacoli e gli artisti che mi hanno permesso di caricare le loro foto sul sito.

Ringrazio le persone che mi hanno permesso di ritrarle, come anche quelle che mi hanno contattato dopo aver visitato il sito, volendone sapere di più sui miei lavori o chiedendo la mia collaborazione per le più svariate esigenze in fatto di fotografia.

Ringrazio chi mi ha dimostrato fiducia, nuova o confermata e anche a chi mi ha stimolato a migliorare offrendomi consigli o permettendomi un confronto su esperienze comuni o diverse. Ecco a tutti voi, vorrei solo dire GRAZIE!

Appuntamento al 2023!

Ovviamente, per un anno che salutiamo definitivamente, ad un altro diamo il benvenuto e sono felice di sapere che per quanto mi riguarda, si concluderà facendo la stessa cosa con cui inizierà: scattando delle foto. E spero questo sia di buon auspicio affinchè io possa collezionare tanti nuovi progetti ed esperienze fotografiche, da condividere anche sul sito o anche solo che mi aiutino a sperimentare cose nuove.

Qualcosa bolle già in pentola e riguarderà in più di un caso lavori legati alla moda, agli shooting e alle sfilate, che proprio nel primo mese dell’anno riguarderanno i miei prossimi impegni e di cui presto vi parlerò!

Colgo l’occasione, oltre che per invitarvi a seguirmi con ancora più entusiasmo di prima, anche per augurarvi un 2023 carico di cose belle, quelle attese e quelle che non ci si aspetta ma che in fondo al cuore, ci auguriamo siano sempre in serbo per noi!

Buon anno e Cin Clik a tutti!

Seconda ed ultima parte del nostro viaggio tra i concorsi di fotografia. Dopo avere già visto, nel precedente articolo, quali sono i concorsi internazionali più famosi, vediamo ora come alcuni di questi siano proprio quelli di casa nostra. Scopriamo quali in questa guida ai migliori concorsi fotografici italiani.

Prosegue il nostro viaggio tra i migliori concorsi fotografici che potete trovare in rete. Abbiamo già visto, nel precedente articolo, in cosa si differenziano i vari concorsi fotografici e quali sono le loro tipologie. Ma prima di passare al nuovo elenco, che sarà questa volta incentrato sui concorsi fotografici italiani, alcuni trucchi e consigli per non sfigurare quando inviamo le nostre foto ad un concorso…

Vincere o imparare?

Intanto, la prima cosa da definire prima di iscriversi ad un concorso è il nostro obiettivo. Vogliamo che le nostre fotografie siano analizzate e criticate? Vogliamo misurare la nostra abilità rispetto ad altri fotografi? Oppure vogliamo “semplicemente” vincere e guadagnare un po’ di fama (locale, nazionale, internazionale)?

In quest’ultimo caso, niente di male, anzi… inutile nascondersi: vincere il concorso fotografico “giusto” è il sogno di molti fotografi dilettanti e professionisti, anche perché può cambiare ogni cosa! Beh, se non altro, aiuta a costruire un CV interessante. Ma vincere è davvero l’unica cosa che conta? Oppure è meglio capire dove ci troviamo nel nostro processo di apprendimento? 

Quale che sia la risposta che riusciamo a darci, ricordiamoci sempre che parliamo di arte, non di sport, e per una giuria, decidere un vincitore, in arte, dove tutto è soggettivo, non è sempre cosa chiara e giusta… Definire l’obiettivo ci aiuterà però in ogni caso a decidere come approcciare il processo di critica delle nostre immagini ed anche cosa vogliamo ottenere da questo processo.

La tecnica non è tutto…

Chiunque pratichi la fotografia a livello professionale, sa sicuramente quali sono le regole di composizione fondamentali per la riuscita di una buona foto. Partecipando ad un concorso sarebbe però meglio, per un attimo, dimenticarsene e privilegiare piuttosto quei lavori caratterizzati da una buona spontaneità fotografica.

Sfogliando le foto vincitrici delle passate edizioni di un concorso, potremmo per esempio accorgerci che, quasi mai, a vincere, è la foto “tecnicamente perfetta”, e a niente servono le lamentele dei tanti partecipanti che non hanno vinto e che non di rado rimproverano alla giuria o all’organizzazione del concorso dei difetti tecnici nelle foto vincitrici.

Può allora tornare utile ricordare quella che è forse la regola base della fotografia: una foto deve trasmettere un messaggio, ancora meglio, raccontare una storia, a prescindere dalla bontà tecnica.

L’effetto WOW

Potrà sembrare scontato, ma partecipando ad un concorso, inviare quelle che riteniamo essere le nostre foto migliori o tecnicamente ineccepibili (vedi punto precedente) a volte non basta. Ricordiamoci che i giurati hanno centinaia se non migliaia di foto da valutare e un solo secondo per decidere, ma quello che sicuramente non li lascerà indifferenti sarà il famoso effetto “wow”.

Di cosa si tratta? Beh… semplicemente sono quelle foto che, non si sa bene per quale motivo, quando le guardi ti viene solo da dire “wow è uno spettacolo”. Questo potrà fare la differenza con una foto per la quale un giurato direbbe solo “bella! Mi piace”.

Per questo punto non ci sono consigli che  potrei dare, solo voi potete sentire scaturire dentro di voi questo “wow” quando guardate la foto che avete realizzato.

Individuate perciò tra le vostre foto non necessariamente la migliore o la più “pulita”, ma quella che meglio rappresenta qualcosa di originale e inaspettato. L’immagine perfetta per il concorso dovrebbe risultare intrigante per  composizione e/o giochi di luce. Ma soprattuto dovrà far dire a chi la guarda… “WOW”!

Sfogliare le gallerie dei concorsi precedenti

Questo è un altro punto indispensabile! Prima di partecipare ad un concorso date un’occhiata alle gallerie dei concorsi fotografici degli anni precedenti. Studiate attentamente il lavoro dei fotografi premiati e le loro tecniche. Questo vi permetterà di comprendere il livello della competizione e di acquisire consapevolezza sul tipo di foto che i giudici stanno cercando.

A queso proposito, non sarebbe male informarsi su chi c’è in giuria. Se tra i giurati c’è ad esempio un fotografo specializzato in live event, allora è probabile che rimanga affascinato da delle splendide foto di spettacolo, rispetto a quelle di ritratto e via dicendo. Dobbiamo ricordare che la giuria è comunque composta da persone e per questo motivo è assolutamente normale che abbiano dei gusti soggettivi che influenzano il risultato finale.

Essere pazienti e perseveranti

Avete partecipato ad un concorso e non avete vinto. Beh, nessuno vi vieta di riprovarci! Persino i fotografi di successo presentano lo stesso progetto a svariati concorsi prima di vincere. Si tratta di una strategia efficace per far vedere il proprio lavoro a tanti giurati diversi e costruirsi una carriera. La perseveranza è la chiave per far vedere il proprio lavoro a esperti influenti in tutto il mondo, basta una persona per per generare un impatto positivo sul proprio percorso creativo!

Bene, adesso siete pronti, non vi resta che scegliere il concorso che fa più al caso vostro, magari scegliendolo tra i tanti proposti nella guida che segue.

Come già visto nella guida dedicata ai concorsi internazionali, anche per quanto riguarda i concorsi fotografici italiani ce n’è per tutti i gusti. Per facilitare la consultazione di quelli accuratamente selezionati per questa guida, oltre a potervi orientare con il sommario che trovate all’inizio dell’articolo (con cui accedere rapidamente alle singole voci), ho suddiviso i vari concorsi in base alla loro categoria, per cui dopo una prima parte dedicata ad alcuni siti che rappresentano delle utili risorse, troverete un elenco di concorsi italiani con respiro internazionale o che aspirano a diventarlo e concorsi minori organizzati da community, forum e sui social.

Non ho però concepito questo articolo come una guida annuale, cioè valida solo per l’anno di pubblicazione di questo post, essendo piuttosto mia intenzione quella di tornare ad aggiornarlo periodicamente, in modo che possa tornare utile in qualsiasi momento.

Ho dunque preferito non indicare date specifiche per l’anno in corso, che potete comunque facilmente ricavare tramite il link al sito web del concorso, presente in ogni scheda, insieme a tutte le altre info utili, inclusi naturalmente anche i dettagli di ciò che potreste vincere.

Tutte informazioni che ho naturalmente verificato, ma che vi consiglio in ogni caso di controllare con un certo anticipo, assicurandovi di aver letto i termini e le condizioni sul sito web, ponendo particolarmente attenzione a quali diritti sull’immagine cediamo eventualmente all’organizzatore del concorso.

In questo senso, può essere di aiuto questo articolo sull’interessante sito dell’Associazione Nazionale dei Fotografi Professionisti sulle “caratteristiche di un concorso fotografico rispettoso della professione“.

Infine, anche qualora un concorso di vostro interesse fosse arrivato a scadenza, non preoccupatevi, perché trattandosi di contest annuali, potrete comunque prendere nota e riprovare l’anno dopo o nelle edizioni successive. Fermo restando che, in futuro, i concorsi potrebbero anche avere una cosidetta deadline (data di scadenza) diversa o anche non essere rinnovati affatto.

Fine della doverosa premessa e iniziamo a fare sul serio, andando finalmente a scoprire quali sono i migliori concorsi italiani di fotografia e cosa offrono.

Sito gestito dalla FIAF (Federazione Italiana Associazioni Fotografiche), fondata a Torino nel 1948, che tra i tanti servizi, si occupa anche di fornire un elenco (mediamente aggiornato) dei concorsi in scadenza.

Va detto che, per l’utente che si trova a visitarlo per la prima volta, il menù di navigazione della nuova versione del portale non è proprio immediatissimo… ma consiglio comunque di controllare periodicamente la sezione dedicata ai concorsi (presente in Dipartimenti > Area Associati > Concorsi) – di cui più sotto viene comunque fornito il link – perchè qui è possibile trovare una lista sempre aggiornata dei concorsi nazionali in corso, organizzati dai vari circoli di fotografia italiani, con i vari riferimenti degli organizzatori come quota di partecipazione, regolamento, tema, link al sito, ecc.

Anche l’Unione Italiana Fotoamatori propone una lista di concorsi fotografici organizzati sotto il patrocinio UIF. La trovate qui, accecedendo alla sezione “Mostre-Concorsi”:

• Sito web: uif-net.com
• Pagina dedicata ai concorsi nazionali: uif-net.com/concorsi-fotografici.html

Concorso fotografico nato nel 2010 e organizzato ogni anno da dotART, associazione culturale di Trieste che opera nel campo della fotografia e delle arti visive.

Urban Photo Awards vede ogni anno migliaia di foto in gara e centinaia di partecipanti da tutto il mondo. È un contest di respiro internazionale in continua crescita, uno dei pochi a “varcare i confini” del web offrendo ai fotografi una reale visibilità attraverso decine di mostre fotografiche itineranti in giro per il mondo.

Le mostre di Urban culminano ogni autunno durante Trieste Photo Days, festival di fotografia giunto nel 2022 alla settima edizione che ospita la cerimonia di premiazione, la mostra dei vincitori e diverse esposizioni delle migliori foto classificate.

Il concorso è aperto a tutti, sia fotografi amatoriali che professionisti, e comprende tre sezioni, ulteriormente suddivise in varie categorie ed aree tematiche, pur rimanendo incentrato principalmente sulla Street Photography, il tratto distintivo del concorso, presente sin dalla prima edizione.

• Periodo/Scadenza: marzo/giugno
• Annuncio vincitori: metà settembre
• Sito web: urbanphotoawards.com
• Sezioni/Categorie:
  • Foto Singole (Streets, People, Spaces, Creative – ognuna con diverse sottocategorie)
  • Progetti e Portfolio (progetti fotografici, portfolio tematici, fotoreportage, storyboard – sequenze di immagini che raccontano una storia)
  • URBAN Book Award (possibilità di candidare una bozza di libro fotografico)
• Idoneità: aperto a tutti
• Iscrizione:
  • gratuita (per un periodo limitato) solo per la prima foto inviata
  • a pagamento per le successive
• Quote: € 15 foto singole, € 40 portfolio,  € 20 book award
• Premi: per un totale complessivo di 23.000 euro
  • in denaro (Amazon Gift Card)
    • Vincitore Foto Singole: 2.000 €
    • Vincitore Portfolio: 2.000 €
    • VincitoreBook Award: 500 €
  • borse di studio, attrezzatura fotografica (1 FujiFilm X-E4 kit camera, treppiede e zaino Manfrotto, ecc.),  allestimento mostra ai Trieste Photo Days e altro ancora.

Nato nel 2015, il Siena International Photo Awards è oggi uno dei contest di fotografia con la più alta partecipazione internazionale. All’edizione 2020 hanno concorso circa 48.000 immagini, inviate da fotografi professionisti, dilettanti e amatori provenienti da 156 Paesi del mondo.

Insieme al concorso principale (SIPA Contest), l’associazione Art Photo Travel che organizza, ha poi indetto altri 2 concorsi:

• Drone Photo Awards (uno dei più importanti concorsi mondiali di video e fotografia aerea)
  • periodo/scadenza: febbraio/aprile
• Creative Photo Awards (che si propone di valorizzare e premiare le immagini di artisti visionari che utilizzano processi fotografici creativi)
  • periodo/scadenza: maggio/giugno

Tutte le fotografie vincitrici dei 3 concorsi vengono premiate a Siena al Teatro dei Rinnovati durante il Siena Awards Festival.

• Periodo/Scadenza: ottobre/gennaio
• Annuncio vincitori: marzo
• Sito web: sipacontest.com
• Sezioni/Categorie:
  • Scatti singoli (Travel, People, Nature, Wildlife, Urban, Sport, Documentary, Street, Underwater)
  • Story-telling (sequenze da 5 a 9 immagini)
  • Short documentary film (cortometraggi)
• Idoneità: aperto a tutti (fotografi professionisti e amatoriali di qualsiasi età)
• Iscrizione:
  • gratuita per la prima foto inviata
  • a pagamento per le successive
• Quote:
  • Scatti singoli:
    • 3 immagini (inclusa l’immagine gratuita) € 20
    • immagine aggiuntiva € 10
  • Serie € 35
  • Video € 35
• Premi:
  • Photographer of the Year: € 1.500 in equipaggiamento fotografico.
  • Vincitore della categoria Storyboard e Best Author: € 500 in equipaggiamento fotografico.
  • i vincitori e i 3 finalisti per ogni categoria riceveranno inoltre un soggiorno di 2 notti a Siena in occasione della Cerimonia di premiazione che si tiene a Siena nel mese di ottobre, in cui riceveranno il prestigioso premio in cristallo “Pangea Prize”. Le immagini vincitrici vengono esposte per oltre un mese a Siena alla mostra “Imagine all the People Sharing all the World”.

Un concorso fotografico nostrano, nato nel 2011 e organizzato ogni anno dal Festival della Fotografia Etica a Lodi.

Il World.Report Award si rivolge a tutti i fotografi italiani e stranieri, professionisti e non.
Il soggetto è l’uomo con le sue vicende pubbliche e private, le sue piccole e grandi storie; i fenomeni sociali, i costumi, le civiltà, le grandi tragedie e le piccole gioie quotidiane, i cambiamenti e l’immutabilità.

Il filo conduttore nella valutazione dei reportage dei lavori è la storia che il progetto racconta attraverso la fotografia.

• Periodo/Scadenza: aprile/maggio
• Annuncio vincitori: agosto
• Sito web: world-report-award-ita
• Sezioni/Categorie:
  • Reportage (suddiviso in Master Award e Spot Light Award, da 20 a 30 immagini)
  • Short Story (da 5 a 10 immagini)
  • Student (da 20 a 30 immagini)
  • Single Shot
• Idoneità: aperto a tutti i fotografi sia professionisti che non, ad eccezione della categoria Student riservata a studenti iscritti presso scuole di fotografia.
• Iscrizione: a pagamento
• Quote:
  • Reportage: € 30 per il primo progetto
  • Short Story: € 20 per il primo progetto
  • Student: € 10 per il primo progetto
  • Single Shot: € 5 per ogni scatto
• Premi:
  • Premi in denaro per un valore complessivo di € 10.000 per i vincitori della categoria Reportage:
    • € 7.000 per il vincitore del Master Award
    • € 3.000 per il vincitore dello Spot Light Award
  • Attrezzatura fotografica professionale Fujifilm per un valore di oltre 6.500 euro per i vincitori delle altre categorie.
  • Stampa della mostra
  • Esposizione della mostra nello spazio espositivo “World Report Award” durante il Festival della Fotografia Etica
  • Spese di viaggio e alloggio coperte dall’organizzazione del Festival per venire a Lodi e soggiornarvi nel mese di ottobre per presentare il progetto

Nata in Liguria nel 2001 da un’idea di Luciana Damiano, il Premio Chatwin – Camminando per il mondo è una manifestazione che deve il suo nome allo scrittore e fotografo britannico Bruce Chatwin e, prendendo ispirazione dai suoi lavori, intende promuovere la narrativa e la fotografia di viaggio, rappresentate attraverso le 2 distinte sezioni dell’omonimo concorso.

L’organizzazione si avvale della consulenza di Elizabeth Chatwin (vedova dello scrittore e presidente onorario dell’Associazione Culturale Chatwin), e dal 2010 di un comitato tecnico scientifico formato da 11 personalità di spicco del mondo della letteratura, della fotografia, del cinema, del giornalismo e presieduto, nelle varie edizioni, da: Mario Monicelli, Carlo Lizzani, Giuliano Montaldo, Ferzan Ozpetek, Paolo Virzì, Domenico Procacci, Ermanno Rea e Mario Dondero.

Presidenti dell’edizione 2021 e 2022 sono stati invece la scrittrice Dacia Maraini e il fotografo Gianni Berengo Gardin, il cui nome è stato spesso accostato a Henri Cartier-Bresson per il lirismo della sua fotografia.

Negli ultimi anni, la serata finale della manifestazone si è svolta in Ottobre al Teatro Astoria di Lerici (Spezia), in cui oltre a presentare e premiare i migliori reportage, vengono anche consegnati dei premi speciali fuori concorso a personaggi che hanno legato la propria vita al viaggio.

• Periodo iscrizioni: settembre/ottobre
• Annuncio dei vincitori: ottobre
• Sito web: www.premiochatwin.it
• Pagina concorso: www.premiochatwin.it/concorso/
• Categorie: 
  • Sezione Narrativa
  • Sezione Fotografia: Immagini dal mondo, un viaggio in 5 scatti
• Idoneità: aperto a tutti
• Iscrizione: a pagamento
• Quote: 10 euro per un progetto
• Premi: premio in denaro di 500 euro, trofeo rappresentato dal mappamondo simbolo di tutte le edizioni del Premio Chatwin, pubblicazione sui siti del Premio Chatwin e del Touring Club per i vincitori delle 2 sezioni.

L’Italian Sustainability Photo Award è un premio fotografico no-profit ideato da Parallelozero di Milano, nato nel 2020, che si ispira ai valori espressi attraverso l’acronimo ESG (Environmental, Social and Governance) per raccontare storie positive, soluzioni coraggiose e scelte consapevoli ispirate al mondo della sostenibilità in Italia, nei settori ambientale, sociale e di governance.

Il materiale fotografico inviato (singole foto, storie fotografiche o progetti per la categoria di sovvenzione) deve dunque tassativamente ispirarsi a principi quali la positività, la crescita, l’innovazione e la ricerca di soluzioni.

• Periodo/Scadenza:
  • Categoria Grant: gennaio/marzo
  • Categoria Story e Foto Singola: gennaio/settembre
• Annuncio vincitori: ottobre/novembre
• Sito web: www.ispaward.com
• Sezioni/Categorie:
  • Foto singola
  • Storia fotografica (min. 8 – max 12 immagini)
  • Grant (progetto, min- 10 – max 30 immagini)
• Idoneità: aperta o tutti i fotografi di ogni nazionalità che abbiano compiuto 18 anni all’atto del caricamento delle immagini, purchè il materiale sia aderente ai temi del concorso.
• Iscrizione: gratuita
• Premi:
  • Premi in denaro per un valore complessivo di € 15.000 per i vincitori delle singole categorie:
    • vincitore Categoria Foto Singola: euro 1.500;
    • vincitore Categoria Storia Fotografica: euro 3.500;
    • vincitore Categoria Grant: euro 10.000.
  • Premio speciale “Nikon – Capture Tomorrow” in attrezzatura (Nikon Z6 II e un obbiettivo 24-70mm f/4 S) a una foto singola (o storia fotografica) che meglio di altre ha saputo “catturare il domani”
  • Ruolo di “Ambassador Lowepro” a uno tra i fotografi vincitori o finalisti
  • Premio in attrezzatura professionale Lowepro (zaino, treppiedi) a tutti i vincitori e i finalisti delle categorie Foto Singola e Storia Fotografica.

Nato nel 2015 per dare la reale possibilità di confrontarsi con un Festival di respiro internazionale, il concorso di Fotografia Europea, organizzato dal Comune di Reggio Emilia, è una concreta opportunità di visibilità nel panorama fotografico non solo italiano, sono infatti tanti gli artisti che in questi anni, dopo aver esposto al Festival di Fotografia Europea hanno ricevuto importanti riconoscimenti anche all’estero.

Il Festival sostiene da sempre la partecipazione al concorso e si impegna a valorizzare i progetti vincitori con allestimenti site specific di ricerca, sperimentando insieme all’artista.

Il concorso è da sempre caratterizzato da un tema che i candidati dovranno esporre in modo creativo ed originale. Per l’edizione 2022 il tema scelto è stato: Un’invincibile estate.

• Periodo/Scadenza: novembre/dicembre
• Annuncio vincitori: aprile/giugno
• Sito web: www.fotografiaeuropea.it/
• Pagina concorso: www.fotografiaeuropea.it/open-call 
• Sezioni/Categorie: Portfolio (progetti in serie, 5 min – max 10 foto)
• Idoneità: Tutti i fotografi, i curatori e i collettivi europei (o residenti in Europa), di qualsiasi età, con un progetto che esplora il tema del concorso.
  Iscrizione: a pagamento
• Quote: 25 € per progetto
• Premi: 3.000 € per la concezione e produzione della mostra che entrerà a far parte del programma del festival

Altri concorsi italiani

Anche i concorsi della lista che segue sono concorsi internazionali, in quanto rivolti più o meno a tutti, ma trattandosi di concorsi più giovani o nati da poco, nessuno me ne voglia se ho preferito collocarli nel genere “altro”.

Giovane Fotografia Italiana è un progetto nato nel 2012 e promosso dal Comune di Reggio Emilia che prevede, dal 2018, l’assegnazione di un premio.

A partire dall’edizione 2022 assume la denominazione Premio Luigi Ghirri, fotografo reggiano e figura di spicco per il rinnovamento della fotografia italiana nel secondo Novecento.

Strettamente collegato al collettivo di Fotografia Europea, la cui direzione artistica presiede la giuria del Premio, anche questo concorso prevede per i partecipanti che il materiale inviato sia aderente al tema dell’edizione che, per il 2022, ha riguardato lo scenario possibile.

• Periodo/Scadenza: ottobre/dicembre
• Annuncio dei vincitori: gennaio
• Sito web: gfi.comune.re.it
• Pagina del Premio: premio-giovane-fotografia-italiana
• Sezioni/Categorie: Portfolio (progetto in serie di min. 5 – max 15 immagini aderenti al tema dell’edizione).
• Idoneità: rivolto ad artiste e artisti under 35 – cittadine/i italiane/i oppure straniere/i attualmente residenti in Italia.
• Iscrizione: gratuita
• Premi: 4.000 euro per il vincitore scelto tra i 7 finalisti, cui spettano 1.500 euro a copertura delle spese di produzione e trasporto delle opere e per le trasferte personali.

Il premio Musa è un premio organizzato da Musa Fotografia, centro fotografico di Monza. È dedicato alla produzione di portfolio fotografici e rivolto alla fotografia italiana femminile.

Anche la giuria è composta da sole professioniste (donne) nel settore della fotografia e possono partecipare fotografe che si esprimono in ogni settore fotografico, ogni genere, senza limitazioni relative al progetto scelto per essere presentato.

• Periodo iscrizioni: settembre/ottobre
• Annuncio dei vincitori: novembre
• Sito web: www.musafotografia.it/premio
• Categorie:  tema libero ma deve essere considerata la categoria di appartenenza del progetto (min. 8 – max 25 immagini):
  • 1. Reportage, Street photography, Natura, Viaggio, Eventi.
  • 2. Progetto personale, Fotografia concettuale, Ricerca, Still life.
  • 3. Ritratto, Moda, Fotografia di spettacolo.
• Idoneità: aperto a e fotografe (donne), senza nessuna distinzione tra amatrici e professioniste.
• Iscrizione: a pagamento
• Quote: 25 euro per un progetto, 45 euro per due progetti, 60 euro per tre progetti
• Premi: a seconda della categoria di concorso, premi in attrezzatura (macchina fotografica FUJIFILM X-E4 KIT con XF 27mm, zaino e treppiede Manfrotto); esposizioni presso Musa Fotografia e in importanti festival della fotografia (Biennale della Fotografia Femminile di Mantova, Festival della Fotografia Etica di Lodi e Colorno Photo Life), oltre alla possibilità di avere contatti con curatori, editori e photo editor e di essere pubblicate su Fotocult, storica rivista di settore.

Che decidiate o meno di partecipare al concorso, consiglio comunque di dare un’occhiata anche al blog di Sara Munari, creatrice del Premio Musa e apprezzata scrittrice-fotografa che, tra i tanti articoli interessanti, si occupa anche di segnalare, nell’ultima settimana di ogni mese, tutti i premi e le tante bellissime mostre fotografiche presenti nel nostro territorio, relativi al mese successivo.

Passepartout Photo Prize è un concorso fotografico internazionale organizzato da Il Varco di Roma, nato nel 2020 per promuovere e dare visibilità a fotografi emergenti.

La missione del concorso è quella illustrata già dal titolo: poter essere un “passe-partout”, una chiave in grado di aprire ogni porta ma anche un metodo di montaggio capace di dare risalto all’opera al suo interno, volendo abbracciare tutti quegli approcci innovativi e originali legati alla fotografia contemporanea.

Si accolgono vari linguaggi artistici applicati all’immagine fotografica, tra cui, ma non solo, la sperimentazione e la fusione di diversi generi.

• Periodo/Scadenza: marzo/luglio
• Annuncio dei vincitori: settembre
• Sito web: www.passepartoutprize.com
• Sezioni/Categorie: Tema libero – Sono ammesse opere fotografiche di qualsiasi genere e tecnica (digitale, analogico, fotomontaggi e altre tecniche sperimentali).
• Idoneità: aperto a fotografi provenienti da ogni parte del mondo senza alcun limite di età.
• Iscrizione: a pagamento
• Quote: 22 euro (3 fotografie) – si possono iscrivere fino a un massimo di altre 7 fotografie al costo di 4 euro ciascuna
• Premi:
  • Premio Passepartout Photo Prize: 500 euro in denaro
  • Premio Mostra: Partecipazione alla mostra collettiva dell’anno successivo
  • Premio Catalogo: Pubblicazione sul loro catalogo annuale
    Premi Sponsor:
  • Premio CSF Adams Prize – Portfolio review e workshop
  • Premio Yogurt Magazine – Pubblicazione del lavoro vincitore sul loro magazine online.
  • Premio The Docks – Pubblicazione del lavoro vincitore sul loro magazine online
    

Il Cortona On The Move Award è un concorso gratuito che nasce con la volontà di supportare i fotografi nello sviluppo e nella produzione dei loro progetti.

Il premio si inserisce nella costante ricerca di narrazioni originali e innovative che da sempre connota il Cortona on the Move, festival internazionale di fotografia organizzato dall’associazione culturale ONTHEMOVE che si svolge dal 2011 nel comume toscano di Cortona in provincia di Arezzo.

Quella del 2022 è stata la prima edizione, con ben 1529 progetti ricevuti. Il premio è organizzato in partnership con LensCulture e con la collaborazione del Consorzio Vini Cortona.

• Periodo iscrizioni: marzo/maggio
• Annuncio dei vincitori: luglio
• Sito web: www.cortonaonthemove.com
• Pagina concorso:  www.cortonaonthemove.com/award
• Categorie: tema libero per progetti portfolio (min. 10 – max 20 immagini)
• Idoneità: aperto a tutti, sia fotografi che collettivi
• Iscrizione: gratuita
• Premi:
  • 5.000 euro in denaro ed esposizione al Cortona on the Move festival per il vincitore
  • pubblicazione sul sito web di LensCulture per altri 2 progetti

Brand Community Contest

I community contest sono quei concorsi, solitamente organizzati da un brand famoso, che incoraggiano le persone a condividere contenuti generati dagli utenti che fanno parte di una stessa comunità.

Di solito questo avviene tramite una massiccia comunicazione sui social ed è qui che i concorsi fotografici la fanno da padrone. Lo abbiamo visto nell’articolo dedicato ai concorsi internazionali organizzati dai vari brand a livello globale, ma ve ne sono naturalmente anche altri dedicati alle varie community nazionali.

Concorso arrivato nel 2022 alla sua dodicesima edizione, il Nikon Forum Photo Contest è un appuntamento che mette a confronto i migliori scatti realizzati dagli iscritti al Nikon Club, la community Nikon ufficiale Italia.

Il tema è libero, ma le fotografie devono essere coerenti con il nome dell’iniziativa. Per l’edizione 2022 questo è stato The Power of Light; con cui si chiedeva ai partecipanti di privilegiare creatività e fantasia.

• Periodo iscrizioni: aprile/settembre
• Annuncio dei vincitori: novembre
• Sito web: www.nikonclub.it
• Categorie: Colore e Bianco e Nero
• Idoneità: solo per gli iscritti al sito nikonclub.it, le fotografie caricate devono essere necessariamente realizzate con un corpo macchina Nikon.
• Iscrizione: gratuita
• Premi:
  • Buono acquisto da 1.000 euro valido per prodotti disponibili su Nikonstore.it per i 1° classificati di ogni sezione
  • Buono acquisto da 750 euro valido per prodotti disponibili su Nikonstore.it per i 2° classificati di ogni sezione
  • Buono acquisto da 500 euro valido per prodotti disponibili su Nikonstore.it per i i 3° classificati di ogni sezione
  • Inoltre, tra tutti i partecipanti di entrambe le categorie, verrà selezionato il vincitore di un Premio speciale riservato ai fotografi under 30: il vincitore selezionato si aggiudicherà un Buono acquisto da 1.000 euro valido per prodotti disponibili su Nikonstore.it 

Concorsi online

Abbiamo finora visto come tutti i concorsi permettano ai partecipanti d’inviare le loro foto online, ma abbiamo anche dei concorsi che nascono solo per il web, spesso anche grazie alla presenza di forum di discussione in cui a giudicare i lavori inviati sono proprio gli utenti.

Spesso i premi sono solo simbolici, ma permettono in ogni caso ai partecipanti di creare preziosi contatti e interazioni con addetti del settore.

Sito italiano dedicato ai concorsi fotografici online, fotocontest organizza periodicamente vari contest di fotografia gratuiti, che si svolgono direttamente on line. È anche possibile consultare le gallerie con i vincitori e i partecipanti a tutti i concorsi indetti.

• Periodo iscrizioni: gennaio/dicembre
• Sito web: www.fotocontest.it
• Categorie: Immagini singole; serie

Il forum Juza Photo organizza periodicamente dei contest fotografici a tema. Può partecipare gratuitamente chiunque sia iscritto al sito. Ognuno può partecipare con una sola foto, tra quelle presenti nella sua galleria.

Il vincitore del contest decide il tema per il concorso successivo e sarà il giudice che decreterà il vincitore. A sua volta il nuovo vincitore diventerà il nuovo giudice, e così via.

• Periodo iscrizioni: gennaio/dicembre
• Sito web: www.juzaphoto.com

Concorsi social

Questo elenco non sarebbe completo senza una piccola menzione per i concorsi organizzati sui social media (soprattutto Facebook e Instagram). In questo caso preferisco non pubblicizzarne alcuno, nè fornire link specifici perché si tratta di concorsi in genere organizzati da centri o studi fotografici (per cui un concorso di fotografia è soprattutto un utile strumento di marketing) e poi perchè ve ne sono tantissimi.

Sono anche questi un buon modo per farsi conoscere o per instaurare i primi contatti (ho già raccontato nella pagina chi sono di questo sito, come io stessa abbia cominciato proprio così), oltre che per vincere dei premi, per cui non c’è ragione per snobbarli. Unica cosa da considerare e che per alcuni può rappresentare un deterrente: per partecipare ai concorsi fotografici organizzati sui social, bisogna essere presenti sui social.

Si conclude qui questa carrellata ai migliori concorsi fotografici italiani che potete trovare in rete. Periodicamente aggiornerò questo elenco per rendere questa pagina una risorsa veramente utile.

Per cui se avete qualche concorso fotografico italiano da segnalare potete usare l’area commenti e inserirò questa risorsa nel prossimo aggiornamento.

Non esitate inoltre, se vi va, a raccontare la vostra esperienza con i concorsi fotografici italiani o su quale eventualmente vi è venuta voglia di “buttarvi” dopo aver letto questa lunga lista.

In bocca al lupo e buona fotografia!

Ogni anno si svolgono tantissimi concorsi fotografici, un buon modo per unire l’utile al dilettevole: mettendosi letteralmente in mostra  e – perchè no? – provando a vincere qualche premio. Ma quali sono i migliori contest di fotografia? E quale scegliere? Scopriamolo insieme, partendo dai più famosi: i concorsi fotografici internazionali.

Ciao a tutti e bentornati su Punto Luce. Dopo avere già visto, nel precende articolo, alcuni dei migliori libri di fotografia, nuovo post della categoria liste e consigli, questa volta dedicato ai concorsi fotografici.

Ho già raccontato, nella pagina chi sono di questo sito, come per la sottoscritta, il passaggio dallo scattare foto per diletto a poterlo fare per lavoro, sia avvenuto proprio grazie alle prime partecipazioni ad alcuni photo contest che avrebbero poi innescato i primi contatti.

Si trattava in quel caso di semplici contest organizzati sui social da vari gruppi dedicati alla fotografia il cui premio consisteva in una (virtuale) stretta di mano. Ma li ricordo sempre con affetto perchè, oltre a vincerne qualcuno in maniera del tutto inaspettata, rappresentarono per me un inizio, il mio inizio.

Ed è in quest’ottica che andrebbero secondo me inquadrati i concorsi fotografici, non necessariamente come un modo per vincere subito dei premi e/o mettersi in mostra (anche se certo, quella può essere una buona spinta…), ma più come un pretesto per mettersi in gioco, soprattutto se si è all’inizio. 

Partecipare a un concorso fotografico rimane infatti uno dei modi migliori per testare le proprie capacità e accumulare esperienza utile per migliorare il proprio stile. Spesso questi concorsi sono inseriti in veri e propri festival di fotografia ricchi di interessanti iniziative come mostre o laboratori tematici tenuti da esperti del settore, dai quali poter ricevere, in qualche caso, dei preziosi feedback sui nostri lavori inviati.

Il più delle volte però, per pigrizia o per scarsa convinzione nei propri mezzi, si tende ad evitare o rimandare questi produttivi confronti fra colleghi e la scusa che troviamo più spesso è quella di non sapere dell’esistenza di un determinato concorso o di essere arrivati tardi alla famosa data di scadenza.

Proprio per questo motivo ho pensato di scrivere questo articolo, dove raccogliere tutti i migliori concorsi fotografici a premi per avere una risorsa sempre aggiornata su un tema, come vedremo, assai vasto e variegato…

Che siano pubblicizzati come generici concorsi di fotografia, contest fotografici o altre diciture anglofone quali (open) call, photo challenge, photography competition, ecc.. esiste una varietà infinita di opportunità per testare il modo in cui può essere percepito il nostro lavoro. Basta solo individuare quello che più si addice al proprio genere o linguaggio fotografico, perché una cosa è certa: di concorsi fotografici, ce n’è davvero per tutti i gusti!

Concorsi fotografici gratuiti e/o a pagamento

Dopo aver trovato il concorso che fa per voi, il primo passo necessario per partecipare è naturalmente quello di iscriversi al concorso stesso. In alcuni casi, questo passaggio, può anche essere preceduto dalla registrazione di un account, da compiersi direttamente sul sito che gestisce il concorso o in altri casi, tramite una piattaforma esterna (es. Picter) che gestisce le iscrizioni per conto dell’organizzatore.

Il più delle volte, questa sottoscrizione è gratuita, in altre è a pagamento, venendo richiesta una quota di partecipazione (in inglese fee=tassa), il cui importo può variare a seconda del numero di foto inviate o persino dal momento in cui ci si iscrive, con sconti per chi aderisce subito (early deadline), che si traducono in un sovrapprezzo per chi si iscrive invece solo alla fine (final deadline).

Altri concorsi ancora prevedono un ibrido delle due modalità (iscrizione gratuita per la prima foto inviata e a pagamento per le successive), a meno di offerte promozionali previste eccezionalmente dal concorso che può diventare gratuito solo per determinati periodi o per un numero limitato di utenti.

Concorsi fotografici a premi e/o di riconoscimento

Inutile prendersi in giro: il motivo principale per cui così tanti fotografi, a volte anche affermati, partecipano ad una competizione fotografica (che per determinati concorsi può anche contare centinaia di migliaia di adesioni), rimane la ricompensa. I premi messi in palio nei concorsi fotografici variano a seconda dell’evento, ma generalmente possono essere:

• Premi economici (in denaro, attrezzatura fotografica o buoni spesa)
• Premi formativi (workshop, corsi o viaggi fotografici)
• Premi di riconoscimento (esposizione in mostre fotografiche, pubblicazioni nei libri annuali o celebrativi)

Nel caso di concorsi più piccoli, come quelli che si svolgono e vengono pubblicizzati solo sui social (soprattutto Instagram o Facebook), o organizzati sul web dai forum tematici a livello locale, il riconoscimento per i vincitori e/o finalisti può anche consistere in una semplice menzione. Non snobbiamoli perchè, oltre ad essere motivo utile di confronto, è tutta pubblicità gratuita, o se vogliamo una buona palestra prima di passare a contest più importanti.

Concorsi fotografici aperti a tutti o riservati

La maggior parte dei concorsi fotografici sono aperti a tutti (nella cosiddetta modalità open call), anche se in genere viene richiesta la maggiore età (18+). Per uniformare le possibilità tra i concorrenti, molti concorsi potrebbero inoltre suddividere la competizione tra fotografi professionisti e principianti/amatori.

Altri concorsi sono invece più esclusivi e potrebbero essere riservati solo agli addetti ai lavori, ad una determinata fascia geografica (concorsi nazionali) o d’età (es. under 35), genere sessuale (es. solo donne) o ancora con scatti realizzati solo da uno specifico corpo macchina o dispositivo (es. Canon o iPhone).

Concorsi fotografici a tema libero o specifico, per foto singole e/o in serie

Come in tutte le arti e professioni, anche nella fotografia la parola d’ordine è specializzazione. Questo vale naturalmente anche per i concorsi fotografici. Sono infatti pochi quelli a tema libero o che prevedono una sola categoria principale. La maggior parte dei concorsi sono invece dedicati ad un particolare ambito o specifici per un tema/argomento da rispettare, che spesso costituisce il tratto identitario del concorso stesso.

Vedremo più avanti quali sono poi le (tante) categorie tematiche previste da ogni concorso. Ma oltre che per tema, categorie e/o sezioni, questi concorsi possono anche essere suddivisi in base al formato, che generalmente può prevedere:

• scatti singoli (con possibilità di inviare più foto singole e per più categorie)
• serie di foto (più foto dedicate allo stesso tema).
• progetti (cioè portfolio di foto che raccontino una storia o un determinato tema).
• video (piccoli cortometraggi, da realizzarsi con le nuove funzionalità presenti nelle più moderne fotocamere o in altri dispositivi).

A questo proposito è sempre bene fare attenzione a quelli che sono i requisiti formali: se in tempo di web 2.0 poi ormai tutti i concorsi permettono di inviare direttamente foto/video online, occhio a rispettare titolazione, formato, risoluzione e dimensioni richiesti e, nel caso di foto in serie o progetti, anche la quantità minima e massima di foto che è possibile inviare.

Concorsi fotografici internazionali e nazionali

I concorsi di fotografia possono infine essere suddivisi per “popolarità”, a seconda che siano concorsi fotografici internazionali o nazionali. Ovviamente esistono anche concorsi nazionali dal respiro internazionale, così come concorsi famosi a livello globale destinati però solo ad un pubblico locale.

A fare la differenza in questi casi è la lingua. A questo proposito è sempre utile ricordare che per partecipare ai concorsi fotografici internazionali è necessario conoscere un minimo di lingua inglese o ricorrere ad un traduttore online, visto che può sempre essere richiesto un titolo e una piccola descrizione che racconti alla giuria come è nato uno scatto/progetto o ancora, una breve presentazione (sotto forma di bio) dell’artista.

Come abbiamo visto, la categoria dei concorsi fotografici è pressochè infinita. Stilare un calendario completo con l’elenco di tutti i concorsi di fotografia in un solo articolo sarebbe impossibile. Ragion per cui ho pensato di suddivere l’argomento in 2 parti:

1. 1. migliori concorsi fotografici internazionali 
   2. migliori concorsi fotografici italiani (che vedremo nel prossimo articolo)

Per facilitare la lettura, oltre a potervi orientare con il sommario che trovate all’inizio dell’articolo (con cui accedere rapidamente alle singole voci), ho poi suddiviso i vari concorsi internazionali presenti in questa guida in base alla loro appartenenza ad un settore/categoria, per cui troverete concorsi internazionali o organizzati da brand globali, concorsi di fotogiornalismo, di ritratto, di stili di fotografia, organizzati da siti/riviste, di fauna selvatica, paesaggi/ambiente, food photography e per mobile.

Non ho però concepito questo articolo come una guida annuale, cioè valida solo per l’anno di pubblicazione di questo post, essendo piuttosto mia intenzione quella di tornare ad aggiornare l’articolo periodicamente, in modo che possa tornare utile in qualsiasi momento.

Anche per questo, ho preferito non indicare date specifiche per l’anno in corso, che potete comunque facilmente ricavare tramite il link al sito web del concorso, presente in ogni scheda, insieme a tutte le altre info utili, inclusi naturalmente anche i dettagli di ciò che potreste vincere.

Prima di partecipare a qualsiasi concorso, assicuratevi in ogni caso di aver letto i termini e le condizioni che dovranno essere obbligatoriamente presenti sul bando/regolamento del sito web dedicato al concorso, ponendo particolare attenzione alla sezione relativa ai diritti sull’immagine (che, in un concorso serio, dovrebbero sempre rimanere al fotografo).

Infine, anche qualora un concorso di vostro interesse fosse arrivato a scadenza, non preoccupatevi, perché trattandosi di contest annuali, potrete comunque prendere nota e riprovare l’anno dopo o nelle edizioni successive. Fermo restando che, in futuro, i concorsi potrebbero anche avere una cosidetta deadline (data di scadenza) diversa o anche non essere rinnovati affatto.

A questo proposito, una risorsa molto utile può essere anche quella rappresentata da concorsi di fotografia online, sito web che propone un calendario sempre aggiornato dei principali concorsi fotografici prossimi alla scadenza organizzati mese per mese. Le opportunità insomma non mancano, basta solo trovare il concorso che fa più al caso nostro e non avere paura di buttarsi!

Fine della doverosa premessa e iniziamo a fare sul serio, andando finalmente a scoprire quali sono i migliori concorsi internazionali di fotografia che potete trovare online e cosa offrono.

Conosciuti anche come IPA, i Premi Internazionali per la Fotografia (International Photography Awards), organizzati dal 2003, sono probabilmente la competizione più conosciuta del settore. Se l’importante premio in denaro gioca certamente un ruolo nella loro popolarità, è in realtà la loro partecipazione al galà dei Lucie Awards che ha fatto guadagnare loro il soprannome di “Oscar della fotografia“.

I vincitori dell’IPA vedono anche le loro opere esposte alla selezione Best of Show curata in luoghi di tutto il mondo, nonché pubblicate nella pubblicazione annuale del concorso, uno dei libri fotografici più apprezzati.

Fondati nel 2007 all’interno del progetto World Photography Organisation, filone fotografico di Creo Arts, i Sony World Photography Awards sono uno dei concorsi fotografici più grandi e prestigiosi al mondo, tanto che la 15a edizione (2022) ha visto un record di 340.000 immagini inviate da parte di fotografi provenienti da 211 diversi paesi.

Mentre la maggior parte dei concorsi fotografici offre premi in denaro, i vincitori dei Sony World Photography Awards ricevono una selezione di apparecchiature fotografiche Sony del valore di migliaia di dollari. Inoltre, una selezione di immagini è esposta alla Sony World Photography Awards Exhibition, che parte da Londra e successivamente gira attraverso l’Europa, l’Asia e le Americhe.

Insieme ai 4 concorsi principali negli ultimi anni sono istituiti anche i seguenti premi :

• National & Regional Awards
• Latin America Professional Award
• Alpha Female Award
• Sustainabilty Prize

• Periodo/Scadenza: giugno/gennaio
• Annuncio vincitori: marzo
• Sito web: worldphoto.org/sony-world-photography-awards
• Sezioni/Categorie: Sono suddivise in quattro diversi percorsi, in base al livello e all’età dei fotografi. Dal 2022 è prevista anche una sezione per i video.
  • Professional (per un progetto, da 5 a 10 immagini, con 10 diversi temi)
  • Open (per una singola immagine scattata nell’anno in corso, con 10 diversi temi),
  • Studente (per un progetto, da 5 a 10 immagini, ruota attorno a un brief prestabilito, per il 2022-23 il tema è: In a Changing World)
  • Gioventù (immagine singola, fino a 3, opera su un tema prestabilito, per il 2022-23: Your Everyday ).
  • Picture This (video da 30 a 60 secondi)
• Idoneità
  • Professional: professionisti, 18 anni in sù
  • Open: aperto a tutti
  • Studente: per università e istituzioni accademiche, da 18 a 30 anni
  • Gioventù: meno di 19 anni, per i minori di 16 con consenso dei genitori
  • Picture This: aperto a tutti
• Iscrizione: gratuita
• Premi:
  • $ 25.000 di attrezzature Sony Professional per il Photographer of the Year
  • $ 5.000 di attrezzature Sony per l’Open Photographer of the Year Prize.
  • $ 30.000 di attrezzature Sony per l’università del vincitore della sezione Student
  • attrezzatura Sony per un importo non specificato al vincitore della sezione Gioventù
  • $ 1.000 per il vincitore del Premio Principale della sezione Picture This

Il Nikon Photo Contest International è uno dei concorsi più longevi e prestigiosi. Organizzato da Nikon Corporation dal 1969, ad oggi, sono più di 440.000 i fotografi che hanno presentato oltre 1.710.000 opere fotografiche, rendendo il concorso un vero e proprio evento internazionale.

Nell’edizione 2020-2021 del concorso (che si svolge ogni 2 anni), circa 33.000 fotografi totali provenienti da 170 paesi hanno inviato 97.369 opere per la selezione. Il numero di iscritti è stato il più alto mai raggiunto.

Negli ultimi anni, con l’introduzione delle funzionalità video presenti nelle fotocamere digitali che sono diventate sempre più popolari, il concorso è stato ripensato, cambiando il suo nome e la sua struttura, aprendo anche ai cortometraggi e continua ad evolversi per creare nuovi standard e fornire nuove opportunità di scoperta.

• Periodo/Scadenza: ottobre/febbraio
• Annuncio vincitori: luglio
• Sito web: nikon-photocontest.com
• Sezioni/Categorie: Photo Competition (Single Photo e Photo Story) e Short Film Competition (cortometraggi), intorno a un tema prestabilito.
• Idoneità: aperto a tutti i fotografi, professionisti e non, che abbiano compiuto la maggiore età.
• Iscrizione: gratuita
• Premi:
  • premio in attrezzatura di 500.000 yen (circa 3670 euro) per il vincitore del premio principale (“Grand Prize”)
  • premi in attrezzatura (Nikon Z 9 con obiettivo Nikkor Z 24-70 mm e Nikon 7II con obiettivo Nikkor Z 24-50 mm) rispettivamente per i vincitori di “Excellence Award”, “Special Encouragement Award” e “Nikon’s Selection Award”.

Rispetto agli altri brand di fotografia, Canon non ha un proprio contest globale. Almeno non più: il precedente The New Cosmos of Photography creato nel 1991 ha infatti chiuso i battenti nel 2021, culminando la propria esperienza nel 2022 con una mostra retrospettiva, tenutasi presso il Tokyo Photographic Art Museum (Ebisu) e la Canon Gallery S (Shinagawa), intitolata Tracing the 30 Years of the New Cosmos of Photography: What Photography Has Done; dedicata ai  migliori lavori scelti tra i 1.126 vincitori di premi.

Al suo posto, abbiamo dunque al momento solo vari mini-concorsi organizzati da Canon a livello nazionale e/o europeo. Uno di questi, nato nel 2021, è il Canon Redline Challenge, promosso da Canon Europa che ogni anno ruota intorno ad un singolo tema.

Dopo il “Light in the Dark” scelto dal fotografo d’azione Lorenz Holder per il primo anno, nell’edizione 2022, il concorso ha invitato gli aspiranti fotografi a confrontarsi sul tema “A Split Second Story”, scelto dalla fotografa egiziana Laura El-Tantawy, richiedendo ai partecipanti “precisione, una prospettiva unica e un buon senso del tempismo”.

• Periodo/Scadenza: agosto/settembre
• Annuncio vincitori: ottobre
• Sito web: canon-europe.com/get-involved/redline-challenge
• Sezioni/Categorie: una sola categoria principale su tema specifico
• Idoneità: aperto ai soli fotografi dilettanti residenti in uno dei paesi (tra cui l’Italia) elencati nel bando del concorso.
• Iscrizione: gratuita
• Premi:
  • oltre 5.000 € di kit Canon, tra cui una Canon EOS R5 e un obiettivo Canon 24-70MM F2.8L.
  • la possibilità di partecipare a un incarico fotografico online con un Canon Ambassador

Promosso da CEWE, azienda tedesca leader nei servizi di stampa, il CEWE Photo Award è un concorso che vuole celebrare le bellezze del mondo (la sesta edizione, anno 2024-2025, è infatti dedicata al tema “Il nostro mondo è bellissimo”).

Si tratta di uno dei concorsi fotografici più popolari e partecipati al mondo. Durante l’edizione 2020-2021 sono state infatti oltre 600.000 le foto inviate, questo soprattutto grazie alla sua finalità solidale: per ogni foto inviata, infatti, CEWE dona 10 centesimi a un progetto educativo sostenuto dalla onlus SOS Villaggi dei Bambini, organizzazione di soccorso ai bambini.

Altro tratto distintivo rispetto agli altri contest è che ogni edizione del concorso dura 12 mesi, dando ad ogni partecipante la possibilità di inviare in maniera gratuita (rigorosamente online) fino a 100 foto scattate durante il periodo in cui il concorso è attivo. Dal 2024 al concorso principale si affianca quello riservato ai giovanissimi, con l’introduzione dello Young Talent Award.

Oltre agli importanti premi in viaggi e attrezzatura per un valore complessivo di 250.000 euro, premi in buoni omaggio (per prodotti fotografici CEWE del valore di 100 euro) per i primi 1.000 classificati e per altri tre vincitori ogni mese.

• Periodo/Scadenza: da maggio a maggio successivo (durata: 12 mesi)
• Annuncio vincitori: giugno
• Sito web: https://contest.cewe.it/cewephotoaward-2025/it_it/ 
• Sezioni/Categorie: Natura & Wildlife, Animali, Paesaggi, Persone,  Viaggi e Cultura, Architettura, Sport e azione, Cibo e Cucina, Street Photography, Close-up e Macro.
• Idoneità: aperto a tutti in candidati in possesso della maggiore età (18+), da 16 a 25 anni per il concorso giovanile (Young Talent Award), fino a 100 foto
• Iscrizione: gratuita
• Premi: oltre 1.000 premi per un valore complessivo di 250.000 euro
  • Vincitore CEWE Photo Award: un viaggio a scelta del valore di 10.000 euro, attrezzatura fotografica per un valore di 5.000 euro e prodotti fotografici CEWE per un valore di 2.500 euro.
  • Vincitore Young Talent Award: un viaggio a scelta del valore di 5.000 euro, attrezzatura fotografica per un valore di 2.500 euro e prodotti fotografici CEWE per un valore di 1.000 euro.
  • vincitori di categoria (dal 2° al 10° posto): attrezzatura fotografica per un valore di 5.000 euro e prodotti fotografici CEWE per un valore di 2.500 euro.
  • classificati dall’11° al 30° posto:  attrezzatura fotografica per un valore di 2.500 euro e prodotti fotografici CEWE per un valore di 1.000 euro.
  • classificati dal 31° al 1000° posto e (3) vincitori mensili: un buono regalo per prodotti fotografici CEWE del valore di 100 euro.

Nato in occasione del 100° compleanno di Oskar Barnack, l’inventore della Leica, il premio a lui intitolato, dedicato alla fotografia di reportage di alta qualità, è stato lanciato per la prima volta nel 1979, quando veniva presentato dalla World Press Photo, e riservato solo a fotografi professionisti, fino al 1992.

Dopo una breve pausa (1993-1994), il Grippo Leica ha ripreso in mano il Premio nel 1995, aprendo gradualmente al pubblico, dapprima con l’introduzione nel 2009 di un “Riconoscimento al Principiante” (Leica Oskar Barnack Award Newcomer) e poi dal 2014 con un premio pubblico, divenuto nel frattempo il Leica Oskar Barnack Public Award.

Per partecipare alla competizione finale del concorso principale (riservata comunque ai fotografi professionisti) bisogna essere candidati da uno dei 60 rinomati esperti di fotografia provenienti da 34 paesi, tra cui curatori, galleristi, art director, photo editor e numerosi fotografi, che presentato le loro proposte come nominatori.

Mentre per quanto riguarda la sezione delle “nuove proposte”,  a partire dal 2022, il Premio viene determinato in collaborazione e attraverso le proposte di istituzioni e università internazionali di 15 paesi. Per l’Italia la proposta avviene tramite le Lotterie Milano.

L’impressionante montepremi, che è stato significativamente aumentato (passando da 25.000 a 40.000 euro) nel 2020 – quando a vincere nell’anno del 40° anniversario fu l’italiano Luca Locatelli – continua a contribuire al prestigio e alla reputazione del LOBA. 

• Periodo/Scadenza: marzo/aprile
• Annuncio finalisti e vincitori: settembre/ottobre, durante una cerimonia celebrativa presso la sede centrale di Leica a Wetzlar (Germania).
• Sito web: leica-oskar-barnack-award.com
• Sezioni/Categorie: Premio principale e Nuovi arrivati, le cui fotografie (in serie) siano di natura documentaria o concettuale-artistica e si occupino del rapporto dell’umanità con l’ambiente.
• Idoneità:
  • Professionisti: aperto a tutti i professionisti
  • Nuove proposte: aperto fotografi professionisti (potenziali) di età pari o inferiore ai 28 anni
• Iscrizione: su invito/nomination
• Premi:
  • Professionista: 40.000 euro e l’equipaggiamento fotografico Leica del valore di 10.000 euro.
  • Nuovo arrivato: 10.000 euro e una Leica Q2 del valore di 5.000 euro.
  • Mostra itinerante in tutto il mondo presso le Leica Galleries e festival fotografici selezionati.
  • Pubblicazione in un catalogo che include tutti i vincitori e i candidati selezionati.

Lanciato nel 1955 da un gruppo di fotografi olandesi, il”World Press Photo” ha via via acquistato slancio fino a diventare il concorso di fotogiornalismo e fotografia documentaria più prestigioso al mondo e la sua mostra anche la più visitata.

Una giuria indipendente seleziona le fotografie e le produzioni premiate, che vengono successivamente riunite in una mostra annuale e nell’annuario. Oltre a premiare la foto dell’anno in ambito giornalistico e di reportage (World Press Photo of the Year), il Photo Contest prevede altri premi in varie categorie.

Edizione 2022

Per offrire un equilibrio geografico più globale e migliore di prospettive, a partire dal 2022 il concorso ha lanciato una nuova strategia regionale, cambiando l’impostazione del concorso annuale e la valutazione.

I lavori premiati sono stati scelti da una giuria indipendente tra i 64.823 candidati, tra fotografie e open format, realizzati da 4.066 fotografi provenienti da 130 paesi del mondo. Tra questi, sono stati scelti 24 vincitori regionali (6 per  ciascuna delle quattro categorie del nuovo modello di concorso), da cui sono poi stati estratti i 4 vincitori globali.

• Periodo/Scadenza: dicembre/gennaio
• Annuncio dei vincitori: marzo/aprile
• Sito web: worldpressphoto.org
• Pagina concorso: www.worldpressphoto.org/contest
• Sezioni/Categorie:
  • Photo of the Year (foto singole)
  • Story of the Year (serie di foto, da 3 a 10)
  • Photo Long-Term Project Award (progetti su singolo tema, da 24 a 30)
  • Photo Open Format Award (vari formati, tra cui video fino a 15 minuti)
• Idoneità: aperto ai fotografi professionisti o fotogiornalisti in possesso di una “press card”
• Iscrizione: gratuita
• Premi:
  • vincitori globali (4):  € 5,000
  • vincitori regionali (24):  € 1,000
  • menzione d’onore: pubblicazione sul sito e su tutte le piattaforme di WPP
  • esibizione durante la mostra e pubblicazione sul libro annuale per tutti i vincitori

Presentato dalla Fondazione Henri Cartier-Bresson, l’HCB Creation Award (precedentemente noto come HCB Award), sostiene la creazione di un progetto fotografico che non potrebbe essere realizzato senza questo aiuto. Viene assegnato una volta ogni due anni e concede l’importo indivisibile di 35.000 euro.

Dal 2025 il premio ha ampliato il suo raggio d’azione con due nuove iniziative:

– La borsa di ricerca curatoriale Martine Franck , pensata per supportare ricercatori e curatori nello sviluppo di progetti espositivi o di ricerca basati sugli archivi della Fondazione. Questo programma mira a promuovere nuovi approcci curatoriali all’opera di Martine Franck e/o Henri Cartier-Bresson.

– Il premio Henri Cartier-Bresson Self-Published PhotoBook Award , che premia un libro concepito e distribuito al di fuori dei circuiti editoriali tradizionali.

È destinato a un fotografo che abbia già completato un corpus significativo di lavori, vicino all’approccio documentaristico. Come per il Leica Award il candidato non può proporsi autonomamente ma deve essere supportato da un’istituzione: museo, società di fotografia, scuola d’arte, università, galleria, curatore indipendente, editore, ecc.

• Periodo/Scadenza: maggio/agosto
• Annuncio dei vincitori: novembre
• Sito web: henricartierbresson.org
• Pagina concorso: 
  https://www.henricartierbresson.org/en/awards-and-grant/henri-cartier-bresson-creation-award/
  
• Sezioni/Categorie: principale
• Idoneità: candidati supportati da un’istituzione
• Iscrizione: su invito/nomination
• Premi: 35.000 euro, una mostra personale presso la fondazione HCB e la pubblicazione di un libro

Il Taylor Wessing Photographic Portrait Prize, è uno dei concorsi fotografici internazionali di ritratto più famosi, attivo già dal 2005 e con migliaia di fotografi partecipanti ogni anno.

Negli utimi anni i vincitori sono stati premiati in ottobre durante una mostra svolta presso l’Arts hub di Cromwell Place a Londra, visto che la National Portrait Gallery è chiusa fino al 2023 per importanti lavori di riqualificazione.

• Periodo/Scadenza: febbraio
• Annuncio dei vincitori: ottobre
• Sito web: npg.org.uk
• Pagina del concorso: taylor-wessing-photographic-portrait-prize
• Sezioni/Categorie: Categoria principale (ritratto) in foto singola o serie (fino a 6 immagini)
• Idoneità: aperto a tutti i candidati in possesso della maggiore età (18+); i vincitori delle precedenti edizioni sono esclusi.
• Iscrizione: gratuita
• Premi: il vincitore riceve £ 15,000, £ 3,000 per il secondo e £ 2,000 per il terzo classificato

I concorsi di fotografia di ritratto come singolo tema sono pochi e lontani tra loro. Ma è possibile trovare categorie di ritratti e fotografia di persone anche nella maggior parte dei concorsi che prevedano più sezioni (es. quelli organizzati da brand globali o da siti/riviste).

Lens Culture è un magazine online e un network di fotografia con sede ad Amsterdam, che propone nel corso di ogni anno ben 6 diversi concorsi fotografici internazionali dedicati a varie tematiche:

• Portrait Awards (ritratti)
• Art Photography Awards (fotografia artistica)
• Street Photography Awards (fotografia di strada)
• Emerging Talent Awards (fotografi emergenti)
• Black & White Photography Awards (foto in bianco e nero)
• Exposure Awards (il concorso più importante, che celebra il linguaggio visivo della fotografia)

La cosa interessante è che i 6 concorsi si alternano avendo ognuno una scadenza bimensile, in modo da coprire tutti i mesi dell’anno. Oltre ai premi in denaro, questi concorsi con giuria internazionale servono principalmente per ottenere visibilità e far conoscere a un pubblico internazionale i propri scatti e i propri lavori fotografici. I lavori dei vincitori e dei finalisti vengono infatti mostrati a festival ed eventi di fotografia di tutto il mondo. Inoltre restano sempre visibili online nelle gallerie di Lensculture.com e alcuni vengono pubblicati anche nei libri “The best of Lensculture”.

Progetto nato nel 2016, The Independent Photographer è oggi una rete internazionale di fotografi e appassionati di fotografia, raggiunta ogni anno da oltre un milione di visitatori.

Le tante iniziative per celebrare la fotografia includono riviste online, collezioni d’arte digitale e gli acclamati TIP Awards, attraverso i quali l’organizzazione si impegna ad aiutare gli artisti emergenti a dare il via alla loro carriera professionale.

Come per i premi LensCulture, anche il format dei premi TIP prevede più concorsi, che in questo caso si svolgono mensilmente, invitando i fotografi a presentare le loro immagini su un tema specifico del concorso supervisionato da un artista acclamato o top editor proveniente da prestigiose agenzie come Magnum Photos, VII Agency, National Geographic, Agence Vu’, Vogue & GEO.

Sebbene l’iscrizione sia a pagamento, per supportare i fotografi, sono previste ogni mese 10 iscrizioni gratuite al concorso, a meno di offerte promozionali (come per il concorso Open Call previsto ad ottobre), quando tutti i fotografi possono inviare il loro lavoro gratuitamente.

Presentati da ND Magazine (nota rivista di fotografia), gli acclamati ND Awards offrono ai fotografi professionisti e dilettanti di tutto il mondo la possibilità di vincere premi in denaro (per un  totale di 7500 $ in contanti) e pubblicare il loro lavoro sulla rivista.

Al fine di uniformare le possibilità dei concorrenti, i fotografi professionisti e dilettanti competono separatamente. Entrambe le sezioni includono categorie incentrate su architettura, natura, belle arti e fotografia di ritratto, oltre a un premio speciale che coinvolge una vasta gamma di temi. Inoltre, i fotografi professionisti possono anche presentare lavori editoriali in una sesta categoria non disponibile per i dilettanti.

Il Monochrome Photography Award è uno dei più grandi concorsi fotografici che ruotano attorno a immagini in bianco e nero. Con 13 categorie tematiche e due sezioni principali dedicate a fotografi professionisti e amatoriali, le opportunità offerte ai creativi monocromatici non hanno eguali. Il concorso consente iscrizioni di fotografia sia digitale che cinematografica, comprese immagini toniche come selenio o seppia.

Includendo categorie non tradizionali come la fotomanipolazione, il concorso mira a rompere con le idee sbagliate sulla purezza della fotografia in bianco e nero e incoraggiare l’esplorazione delle capacità del software di fotoritocco.

Del tutto simile al Monochrome Awards anche il MonoVisions celebra le migliori opere monocromatiche dell’anno con due importanti premi: la migliore serie in bianco e nero dell’anno (fino a 8 immagini) e la foto in bianco e nero dell’anno. Ognuna di queste sezioni ha 12 diverse categorie tematiche, per le quali viene scelto un vincitore assoluto.

Con oltre 20 categorie diverse, i Fine Art Photography Awards celebrano l’intero spettro della libertà artistica in uno dei tipi di fotografia più incompresi. Con temi che vanno dall’astratto alla fotografia naturalistica, questo concorso fotografico consente ai creatori visivi di reinventare il significato della fotografia d’arte e il modo in cui i suoi valori vengono applicati ai diversi generi.

Nato nel 1965 come concorso sulla rivista Animals, da quando nel 1984 è stato coinvolto il Natural History Museum (Museo di Storia Naturale di Londra), è cresciuto in popolarità fino a diventare uno dei premi fotografici più prestigiosi, con oltre 45.000 iscrizioni ogni anno e una mostra itinerante vista da milioni di persone in tutto il mondo.

Sia che scattiate nella remota natura selvaggia, in un ambiente urbano o a portata di mano, Wildlife Photographer of the Year è aperto a tutti, maggiorenni e non grazie anche all’altro contest Young Wildlife Photographer of the Year riservato ai minorenni (da 10 a 17 anni).

I Comedy Wildlife Photography Awards sono ampiamente considerati il concorso fotografico più divertente che ci sia. In un mondo in cui ogni notizia dell’ultima ora annunciata sembra essere più straziante di quella precedente, il tipo di immagini celebrate da questo concorso che dal 2015 porta un po’ di sano umorismo nel mondo delle competizioni fotografiche, è più importante che mai.

Dai canguri danzanti e le foche sorprese ai gufi che ridono e le rane sorridenti, i Comedy Wildlife Photography Awards sono un’ode ai momenti esilaranti e magici che la fotografia naturalistica offre a coloro che aspettano ore e ore alla ricerca dello scatto perfetto.

Ma per quanto sia importante farsi una bella risata, l’obiettivo di questa competizione è molto più cruciale. I Comedy Wildlife Photography Awards usano la fotografia anche per aumentare la consapevolezza sulla conservazione attraverso il suo sostegno alla Born Free Foundation, un ente di beneficenza con sede nel Regno Unito che difende la fauna selvatica.

Se poi la micro-fotografia è la vostra passione, allora il concorso Nikon Small World è proprio quello che fa per voi. Si tratta di immagini catturate con microscopi ottici.

Il Nikon Small World Competition è iniziato nel 1975 come mezzo per riconoscere e applaudire gli sforzi di coloro che sono coinvolti nella fotografia attraverso il microscopio ottico, quindi i soggetti sono incredibilmente piccoli ma belli allo stesso tempo. Da allora, Small World è diventata una vetrina leader per i fotomicrografi della più ampia gamma di discipline scientifiche.

Dal 2011, alla competizione principale si è aggiunta una nuova categoria distinta intitolata Nikon Small World in Motion, dedicata ai video e alla fotografia digitale time-lapse.

Lanciato nel 2011, il World Food Photography Awards (precedentemente come cononsciuto come Pink Lady Food Photographer of the Year) è il concorso di fotografia di food photography più famoso al mondo. Oltre ai premi previste per le tantissime categorie sono infatti previsti anche premi regionali (Regional Awards) per i territori Africa, Cile, Cina, Europa, Nuova Zelanda, USA, Golfo e Sud-est dell’Asia.

I Mobile Photography Awards sono stati istituiti nel 2011 per riconoscere e celebrare il talento e le immagini delle comunità di foto e arte mobile. Sono disponibili varie categorie per l’iscrizione, ma c’è una tassa d’iscrizione di 15 $ per la prima foto inserita.

Se invece siete dei felici possessori di iPhone (o iPad), l’ iPhone Photography Awards (IPPAWARDS)™ è il concorso che fa per voi. Ed è anche una competizione che negli ultimi anni ha preso un bel po’ di slancio, soprattutto a livello mediatico.

Dall’inizio dei premi nel 2007 (lo stesso anno in cui è stato presentato e commercializzato il primo iPhone), i fotografi vincitori, provenienti da oltre 140 paesi, hanno guadagnato visibilità in tutto il mondo e sono stati celebrati e riconosciuti dai media più famosi.

Oltre ad essere scattate utilizzando un iPhone o iPad, le opere inviate possono essere modificate solo utilizzando app fotografiche. Le quote di iscrizione variano a seconda del numero di immagini inviate.

Si chiude qui questa guida ai migliori concorsi fotografici internazionali che potete trovare in rete. Periodicamente aggiornerò questo elenco per rendere questa pagina una risorsa veramente utile.

Per cui se avete qualche concorso fotografico da segnalare potete usare l’area commenti e inserirò questa risorsa nel prossimo aggiornamento.

Non esitate inoltre, se vi va, a raccontare la vostra esperienza con i concorsi fotografici o su quale eventualmente vi è venuta voglia di “buttarvi” dopo aver letto questa lunga lista.

Intanto appuntamento al prossimo articolo e alla prossima guida, che sarà questa volta incentrata sui concorsi di fotografia italiani.

In bocca al lupo e buona fotografia!

Cari lettori di Punto Luce, bentornati sul mio blog di fotografia che ritorna ad allietarvi (almeno spero!) dopo un lungo break estivo.

Spero intanto che le vostre siano state vacanze all’insegna del meritato relax! Le mie beh… quanto basta per ricaricarsi,  ma per fortuna anche fitte dei tanti impegni lavorativi che caratterizzano la stagione estiva di ogni fotografo/a.

Vedi i tanti album aggiunti di recente nel mio portfolio, come quelli dedicati ai vecchi/nuovi shooting di ritratto maschile, ma anche ai nuovi reportage di street photography (come il Reggio Calabria Pride 2022 di fine luglio) e di spettacolo cui ho preso parte ad Agosto (con i concerti, tra gli altri, de Le Vibrazioni, Irene Grandi e Loredana Bertè).

Mi perdonerete quindi se in questi utimi tempi sono stata meno presente sul blog, anche se in compenso ho scattato e letto molto! E a questo proposito, dopo essermi dedicata, nei precedenti articoli, ai temi fotografici a me più vicini, per questo nuovo “incontro” con voi, avrei pensato ad una breve lista di consigli editoriali, naturalmente legati al mondo della fotografia.

Chi tra voi mi segue (anche) su Librangolo (il mio blog dedicato al mondo dei libri), sa infatti che, da qualche tempo, mi diverto a stilare una classifica di liste e consigli dei libri in uscita, la cui scelta, anche se coinvolgente e appassionante, non manca d’essere spesso anche un po’ difficile, vista la quantità di testi che oggi vanno in stampa.

E il compito non diventa certo più facile quando parliamo di libri di fotografia, nemmeno quando si tratta di ridurre la selezione, fino ad arrivare ad una cinquina dei libri fotografici più belli e completi in circolazione (sempre in maniera del tutto soggettiva), tra i tanti letti in questi anni e che potreste voler consultare anche voi o regalare agli appassionati di questa splendida arte.

L’importanza di un libro di fotografia, come per tutti i tipi di libri, dipende dal lettore e da quello che sta cercando. La passione per la fotografia si evolve nel tempo ed attraversa vari stadi: una persona che si sta avvicinando per la prima volta al mondo della fotografia leggerá sicuramente libri diversi rispetto ad un fotografo professionista.

Prima di tutto bisogna fare una prima grande distinzione fra i libri di fotografia: manuali e non. Credo che chi cerca informazioni su internet su quali siano i migliori libri di fotografia da acquistare, tendenzialmente sia qualcuno che si sta avvicinando a questo mondo per la prima volta. Non ho concepito questa, come una guida ai manuali da usare per approcciare questo mondo, nel caso se ne avesse l’intenzione, ma semplicemente come un elenco di (alcuni) tra i testi imperdibili, a mio avviso, per coloro che ne sono anche solo fortemente affascinati.

Tutti i volumi presenti nell’elenco che segue, sono pubblicati da case editrici specializzate nella fotografia, sono realizzati splendidamente e permettono di apprezzare a pieno le opere di alcuni dei più famosi fotografi mondiali.

Tra queste, ho però volutamente tenuto fuori alcuni “testi sacri”, come “Il momento decisivo” di Bresson o “The People I Like” di Gastel, di cui avevo soltanto accennato nella seconda parte dell’articolo dedicato alla fotografia di ritratto. E questo perchè:

• 1. non mi piace ripetermi
  2. ho preferito dedicarmi a libri di autori meno conosciuti o che non avevo ancora affrontato.

Vi assicuro che anche così non è stato facile, ma quando c’è da scegliere e consigliare, non mi tiro mai indietro, per cui vi lascio alla cinquina che rende queste nutrite raccolte di foto, uniche non solo per il peso fisico che contraddistingue questo genere di libri, ma per il loro contenuto artistico, estetico, tecnico, professionale e umano, perché non c’è fotografia dove non c’è cuore, occhio e mente, le cui tre cose non sono imprescindibili solo per chi scatta, ma per qualunque artista che voglia creare e trasmettere qualcosa.

Buona lettura!

SINOSSI: Rita Levi-Montalcini, Patti Smith, David Bowie, Umberto Eco, Vasco Rossi… L’elenco potrebbe andare avanti a lungo, perché queste sono solo alcune delle persone che Guido Harari ha ritratto in ben cinquant’anni di carriera, mezzo secolo che viene ora celebrato con questo prezioso volume di oltre quattrocento pagine. Una incredibile galleria di storie e immagini raccolte in un libro che è un vero e proprio condensato del talento, della visionarietà e dell’inguaribile curiosità che permeano tutti i lavori di Harari. Dopo il grande successo di Una goccia di splendore, dedicato alla memoria fotografica di De André, un altro imperdibile appuntamento con uno dei più grandi maestri internazionali del ritratto.

RECENSIONE:

Fresco di stampa (uscito per Rizzzoli a maggio 2022), Remain light – 50 anni di fotografie e incontri, si apre con ciò che alcuni nomi illustri della musica mondiale, come Lou Reed e David Crosby, pensano di uno dei fotografi più interessanti ed apprezzati del nostro secolo: Guido Harari, egiziano di origini, ma cittadino del mondo e di centinaia di set fotografici, molti in compagnia delle più forti realtà musicali del passato e del presente.

Autodefinendosi “un clown che colleziona attimi”, in questo volume, Harari tratteggia la scia fotografica densa della luce più bella e autentica con cui è riuscito ad entrare nel mondo di coloro che hanno accompagnato i suoi lavori per più di mezzo secolo, in cui ammette placidamente di poter finalmente contare i suoi arcobaleni e salutare i suoi temporali.

Sono certa che oltre che a noi, il regalo lo ha fatto anche a se stesso, perchè un libro del genere può realizzarlo solo chi tanto ha studiato, immaginato, coltivato, educato, perfezionato, la propria indole artistica non perdendo mai di vista che quando si vuol restituire l’anima a chi si ritrae, tutto va preso sul serio, ma rendendo l’intento leggero e il più naturale possibile.

Remain in light, titolo sfilato al celebre disco dei Talking Heads, è più di una dichiarazione di intenti, un imperativo o un augurio scaramantico: “Restare in luce” è più dell’esortazione che il fotografo indirizza ai suoi soggetti prima di scattare: è soprattutto una preghiera, perchè la memoria di quanto si è voluto fissare non evapori, inghiottita dall’inesorabile macinare del tempo e soprattutto dall’oscurità di un futuro incerto.

Guido Harari

Guido Harari è nato a Il Cairo (Egitto) nel 1952. Nei primi anni settanta ha avviato la duplice professione di fotografo e di giornalista musicale, contribuendo a porre le basi di un lavoro specialistico sino ad allora senza precedenti in Italia e collaborando con riviste come Ciao 2001, Giovani, Gong e Rockstar. Dagli anni novanta il suo raggio d’azione contempla anche l’immagine pubblicitaria, il ritratto istituzionale, il reportage a sfondo sociale e la grafica dei volumi da lui curati. Dal 1994 è membro dell’Agenzia Contrasto.

Collabora da sempre con i maggiori artisti musicali italiani e internazionali per i quali ha firmato un’infinità di copertine di dischi: tra i tanti, Mia Martini, Claudio Baglioni, Andrea Bocelli, Kate Bush, Paolo Conte, Pino Daniele, Bob Dylan, Paul McCartney, Gianna Nannini, Luciano Pavarotti, Lou Reed.

Di Fabrizio De André Harari è stato uno dei fotografi personali, con una collaborazione ventennale che include la copertina del disco In concerto, tratto dalla leggendaria tournée dell’artista genovese con la PFM nel 1979. È inoltre uno dei curatori della grande mostra dedicata a De André da Palazzo Ducale, a Genova. Nel 2011 ha fondato ad Alba, dove risiede, la Wall Of Sound Gallery, la prima galleria fotografica in Italia interamente dedicata alla musica.

SINOSSI: Nuova edizione di un libro che trasuda l’entusiasmo di un grande autore per la fotografia. Ma un libro adatto anche a chi ama l’arte e la storia che, attraverso le immagini selezionate dall’autore, emergono e si raccontano. Un volume che Tom Ang non affronta come storico dell’arte, ma come fotografo, concentrandosi su quello che pensa di tutti i 50 autori coinvolti. Persone. Società. Tecnologia. E, soprattutto, meravigliose, grandi fotografie: come sono state realizzate, ciò che le rende uniche. Un libro con più di mille immagini, che descrive lo sviluppo di tecnologie chiave come la prima fotocamera di produzione (il dagherrotipo), la storica Nikon F, il Kodachrome, l’iPhone; con dovizia di dettagli ed esempi, come nessun’altra opera dedicata alla storia della fotografia ha mai tentato di fare. Inoltre, il libro presenta numerose analisi di immagini ormai divenute iconiche, da “Il bacio” ad “Alzando la bandiera su Iwo Jima”, da “Il feto (che si succhia il pollice)” a “9/11”.

RECENSIONE:

Questo del fotografo asiatico Tom Ang, è il libro più sorprendente tra tutti questi 5 da me scelti: lo definirei un’enciclopedia vera e propria, che in oltre 400 pagine fa compiere un autentico tuffo in tutto ciò che rimanda alla nascita della fotografia e ai primi esperimenti fatti dai grandi uomini dell’epoca che ad essa si approcciavano, fino al fenomeno globale della fotografia digitale nel ventunesimo secolo.

Già solo sfogliandolo, grazie alle immagini scelte per illustrarne i concetti, si assorbono una quantità di informazioni uniche, per coloro che si sono sempre chiesti da dove viene uno dei mezzi di comunicazione che ha oggi a disposizione l’uomo e che come dice l’autore/fotografo stesso Ang, chiudiamo gli occhi e ricordiamo poco, mentre ad un apparecchio fotografico, basta un rapido sguardo per conservare tutti i particolari, dando consistenza alla nostra visione, rendendola permanente.

E spiega bene come la fotografia sappia diventare lo specchio di tutte le attività del nostro pianeta, e oltre. Ma per capirla oggi, è importante sapere cosa è avvenuto nel passato e ciò stimola l’energia creativa di chi lo fa oggi, proiettandolo in avanti, perchè è guardando indietro che vediamo gli orizzonti futuri.

Tom Ang è un fotografo, autore, viaggiatore e accademico. Nel 1979 è stato uno dei membri fondatori di Wandsworth Photo Co-op, che è diventata Photofusion, la più grande risorsa fotografica indipendente di Londra. Specialista in viaggi e fotografia digitale, ha fotografato ampiamente in Asia centrale. Ha vinto il Thomas Cook Travel Book Award come miglior libro di viaggio illustrato. Ha vinto l’HIPA Content Producer Award 2019 Hamdan International Photography Award 2019. È un ambasciatore dell’imaging digitale Sony in Nuova Zelanda. È autore di 35 libri sulla fotografia.

SINOSSI: Dalla mia Terra alla Terra è il primo libro che raccoglie le riflessioni scritte in prima persona da Sebastião Salgado: un lungo racconto orientato alla sensibilità ecologica del fotografo brasiliano in cui descrive la realizzazione dell’Instituto Terra in Brasile e il suo percorso di uomo e testimone del nostro tempo. Dopo Ferdinando Scianna e Mario Calabresi, la collana “In parole” si arrichisce di un’altra voce autorevole, protagonista della fotografia a livello internazionale, rivelando così al pubblico lo scrittore Salgado, capace di trascinare il lettore con una prosa coinvolgente, in paesi lontani che sono territori di immensa bellezza ma anche di profonde ingiustizie. Le fotografie di Sebastião Salgado hanno fatto il giro del mondo. Qui il fotografo ce le racconta: il bianco e nero di ritratti di uomini e donne sconosciuti, di lavoratori o rifugiati, e più di recente il suo progetto Genesi volto alla conservazione dei luoghi più belli del nostro pianeta. Con una gentilezza e una semplicità disarmanti, Salgado ricostruisce il suo percorso, espone le sue convinzioni, ci rende partecipi delle sue emozioni. Viene fuori così il suo talento di narratore e l’autenticità di un uomo che sa coniugare militanza e professionismo, talento e generosità. All’interno del volume ci sono i racconti appassionanti dell’Africa, del Brasile, delle Americhe, del Mozambico e del Ruanda e poi ancora la nascita dell’Instituto Terra, del reportage Genesi, dall’agenzia Magnum Photos fino ad Amazonas Images.

RECENSIONE:

Un titolo azzeccato “Dalla terra alla mia terra”, per questo libro in cui il fotografo brasiliano Sebastião Salgado, ripercorre i passaggi che lo hanno portato a saperla guardare come pochi altri, restituendoci immagini di poetica bellezza nei suoi luoghi più incontaminati, ma anche di testimonianze visive molto crude, come nel caso delle sue esperienze di fotoreporter nelle miniere nel Nord del Brasile.

Un’opera imperdibile, frutto di un’intervista concessa alla giornalista francese Isabelle Francq, nella quale ripercorre la sua storia personale e della sua carriera, entrambe orientate e determinate da scelte basate su profonde convinzioni morali, etiche e politiche.

Sebastião Ribeiro Salgado Júnior (Aimorés, 8 febbraio 1944) è un fotografo brasiliano che, attualmente, vive a Parigi. Fotoreporter umanista, è considerato uno tra i più grandi fotografi dei nostri tempi e per il World Press Photo è stato «più volte candidato al premio di fotografo dell’anno»

SINOSSI: Ogni fotografo sa bene che senza luce non c’è fotografia e del resto la parola stessa in greco significa disegnare con la luce. Quello che spesso sfugge è il valore chiave delle ombre nella creazione di immagini efficaci e ricche di espressività, specialmente nel ritratto. Solo padroneggiando luce e ombra il momento dello scatto entra nella sfera della creatività dando forma a ritratti che raccontano la realtà del soggetto o una sua narrazione personale e originale. In questo libro Chris Knight accompagna il lettore in un percorso di apprendimento che, partendo dalla storia del ritratto e dall’uso della luce in artisti come Caravaggio, Rembrandt e Vermeer, entra nella dimensione tecnologica della ripresa fotografica per poi passare alla fase della post-produzione ottimizzando lo scatto in formato Raw, prima del suo sviluppo finale. L’obiettivo è quello di insegnare a modellare luci e ombre per dare vita a ritratti unici, con uno stile riconoscibile e di grande impatto. Argomenti trattati: la storia del ritratto nell’arte e nella fotografia; le qualità della luce; la relazione tra luce, soggetto e stato d’animo; i modelli di utilizzo della luce; l’equipaggiamento per lavorare con la luce; le configurazioni di scatto con più luci; il controllo del colore per enfatizzare le emozioni; la definizione dello stile del ritratto attraverso il guardaroba e lo sfondo; il flusso di lavoro.

RECENSIONE:

Dalla descrizione di questo libro, si potrebbe pensare ad una sequenza massiccia di spiegazioni e consigli tecnici, che per quanto utilissimi in questo campo, possono risultare un pò pesanti.

L’originalità del fotografo tedesco, sta invece nel proporre si, una gamma di (preziosi) suggerimenti per chiunque vuole saperne di più sul ritratto e i suoi fili conduttori, ma lo fa diversificando quasi ad ogni pagina, il modo di rivolgersi ai lettori, innovandolo di un linguaggio chiaro, semplice e professionale al contempo e documentando il tutto con immagini create al fine di renderle una cosa sola col messaggio che si vuol comunicare, svelando trucchi non da poco.

Attraverso gli 8 capitoli, che Chris Knight introduce con una breve storia sul ritratto, (insistendo sull’evoluzione dello stile per arrivare ai giorni nostri), spazia con maestria su tutti gli aspetti utili a farci individuare la destinazione che dovrebbe prendere la nostra ricerca e il nostro desiderio di far arrivare agli altri, se e cosa abbiamo da dire.

Nato in Europa da una famiglia di militari, Chris Knight è cresciuto con una prospettiva mondana, apprezzando le sfumature e l’unicità di persone e culture diverse. È la sua straordinaria attenzione ai dettagli che gli consente di catturare la bellezza e la profondità dei suoi soggetti. Residente a New York City, Chris è un fotografo pubblicato a livello internazionale il cui lavoro è apparso su Vogue, People, Glamour, MSNBC, ABC, Ocean Drive, GQ e altri.

SINOSSI: I fotografi creativi riflettono se stessi nel mondo, e del mondo si fanno specchio: così, riescono a rendere visibile l’invisibile e a lasciare indelebile traccia del loro sguardo. Anche tu, con questo corso, puoi diventare un fotografo creativo. Ti indurrò a correre rischi e a fare a pezzi le regole.”

Impara a catturare i colori con l’esercizio del rosso, lasciati sorprendere da ciò che conosci con l’esercizio del viaggio, esplora il lato oscuro della tua creatività con l’esercizio del rifiuto, immergiti in profondità dentro di te con l’esercizio dell’essere e dell’apparire…

RECENSIONE

Quando qualcuno mi chiede che macchina fotografica uso, mi picchietto la testa con un dito, sorrido e rispondo: “Questa”.

Per chi da sempre, è convinta che non è l’attrezzatura a fare il fotografo, leggere questa frase all’inizio del libro di Franco Fontana, mi ha entusiasmato parecchio. Entusiasmo che non conosce interruzioni per tutta la lettura di quello che è un volume scritto da uno dei fotografi italiani più apprezzati nel mondo, che qui ci fa dono di tutta la sua onestà umana, prima ancora che professionale.

Un testo unico nel suo genere perché non parla di fotografia, ma anche di fotografia. Prendendola come pretesto, ci fa porre delle domande utili a metterci prima di tutto in contatto con noi stessi e le reali motivazioni che ci spingono a fare qualcosa, sia scattare, cucinare, scrivere, insegnare, elaborare numeri, ecc. e instaurando così col lettore, un “contatto” realistico di quello che immagina bene si nasconda dentro chiunque non abbia ancora capito come incanalare nel modo giusto creatività e modi per esprimerla al meglio.

Non manca la narrazione biografica unita a riflessioni profonde sull’estetica, sull’immagine, sul significato delle stesse e il motivo che ci catturano. Sulla filosofia, il design, la tecnica, la composizione, il colore, il bianco e nero, le linee, i paesaggi, i ritratti, i nudi, gli edifici, l’architettura, e poi ancora immagini commerciali, creatività, vivere di fotografia: ogni cosa si fonde, si unisce, diventa un fiume che sbocca nel mare delle scoperte realizzate in oltre 40 anni di carriera.

Un corso con più profondità d’animo che profondità di campo.

Franco Fontana

Franco Fontana (Modena, 9 dicembre 1933) è un fotografo, fotoreporter e scrittore italiano. Comincia a fotografare nel 1961. Frequentatore dei “Fotoclub”, la sua attività è prevalentemente amatoriale, anche se svolge ricerche estetiche su diversi temi. Molto rilevanti saranno quelle dedicate all’espressione astratta del colore, svolte in un periodo in cui l’astrattismo in fotografia era da ricercarsi esclusivamente nel bianco e nero. La sua complessa attività e il rilievo internazionale della sua produzione possono essere compendiati in alcune cifre. Gli sono stati dedicati oltre 70 libri, pubblicati da editori italiani, francesi, tedeschi, svizzeri, spagnoli, americani e giapponesi. Ha esposto in musei pubblici e gallerie private di tutto il mondo; oltre 400 sono le mostre personali e di gruppo che ha finora tenuto. Le sue opere sono conservate in oltre cinquanta musei in tutto il mondo. Ha ottenuto importanti riconoscimenti e premi, in Italia e all’estero. Ha collaborato e collabora con riviste e quotidiani. Tra le tante campagne pubblicitarie da lui firmate, vanno almeno ricordate quelle per: Fiat, Volkswagen, Ferrovie dello Stato, Sony,Versace, Canon. Ha tenuto workshop e conferenze all’estero e in numerose città italiane. È stato direttore artistico del Toscana Foto Festival.

Conclusioni

Se siete arrivati fino in fondo a questo articolo, spero che questi testi vi abbiano incuriosito o confermato, qual ora li conosceste già, il valore di ognuno, anzi, come di consueto se vi va, fatemi sapere cosa ne pensate nello spazio dedicato ai commenti, che sono sempre un prezioso modo di capire se e quali contenuti apprezzate di più su questo blog!

Un “nuovo” genere fotografico

Ciò che mi piace di alcuni ambiti artistici è la loro versatilità, l’essere tante cose in uno o una cosa sola declinabile in mille altri modi. Penso alla musica, con i suoi vari registri e canali sonori, o alla moda, che crea stili grazie ai colori, i tessuti e l’alternarsi di stagioni; o alla cucina, con le infinite combinazioni degli ingredienti e i popoli che “ad ognuno la sua”. Poteva essere da meno, un campo come la fotografia?

Attraverso questo sito (e questo blog), ho cercato di offrire, nel mio piccolo, un ventaglio di generi fotografici piuttosto vario, da quello che occupa la porzione più grande, la fotografia di spettacolo in generale, ai paesaggi e ritratti, che sono stati oggetto dei precedenti articoli, anche attraverso le gallery a loro dedicate.

A questi si è da poco aggiunto un nuovo genere che mi fa uscire dalla mia “comfort zone” riguardante palchi di teatri o concerti, per darmi la possibilità di liberare in un modo nuovo – e spero riuscito! – la creatività. E niente fa rima con creatività e fantasia oggi come la fotografia commerciale, genere in cui si inserisce, a pieno titolo, la fotografia di still life, di cui mi occuperò più diffusamente in questo articolo e che, come vedremo, comprende a sua volta anche una parte a cui è spesso legata, la fotografia di cibi e bevande o food photography.

Un genere molto stimolante, soprattutto se, come me, si è agli inizi, ma anche tra i più difficili che ci siano, perché non basta tenere conto della pulizia della luce e della cura compositiva, ma è importante anche non trascurare un buon legame tra professionalità ed un pizzico di estro, laddove la situazione lo richieda.

Realizzando alcuni scatti d’esempio di questo genere – che da oggi potete trovare nella gallery dedicata alla still life (cliccando sull’immagine più in basso o andando alla categoria “commerciale” del mio portfolio) – ho cercato di unire tutti questi aspetti, maturando un’esperienza che ha allenato ancor di più la pazienza richiesta sempre quando si scatta, ma anche solleticato il divertimento e la voglia di migliorare ancora, soprattutto quando si sa di aver ancora molto da imparare, partendo proprio dalle basi…

Still Life: origini del genere

Lo still life ha origini nella cultura della Roma antica e la sua diffusione deriva dalla pittura. È conosciuto anche con il nome di “natura morta”, per via della predilezione di molti artisti nel raffigurare elementi naturali come cesti di frutta, fiori o verdure. La nascita di questo genere pittorico potrebbe risalire intorno al 1596, quando Caravaggio dipinse un cesto di frutta, manifestando per primo l’interesse verso gli oggetti inanimati, considerati via via sempre più centrali all’interno delle opere d’arte.

Circa cinquanta anni dopo, parallelamente alle esperienze dello stesso tipo condotte dai pittori fiamminghi, nasce il termine stilleven, che conoscerà una simile traduzione con il tedesco stilleben e l’inglese still life (letteralmente “vita ferma”), per indicare il carattere statico, fermo degli oggetti rappresentati, contrapponendolo alla dinamicità della figura umana.

La traduzione francese nature inaniméè e quella italiana derivano da un giudizio negativo circa la marginalità del tema rispetto alla pittura religiosa e storica, oltre alla maggiore facilità da parte dell’artista nel riprodurre oggetti inanimati. A causa di queste valutazioni riduttive, lo still life diventa un genere praticato principalmente da pittori minori, i quali però trovarono fortuna presso la borghesia del XIX secolo, una classe scarsamente colta e più sensibile all’ aspetto ornamentale dell’arte che non alla sua essenza espressiva.

In quegli anni nasceva la fotografia, che per via dei limiti iniziali, si trovò a dover privilegiare i soggetti inanimati offerti dal gusto estetico del momento e che erano lì immobili prestandosi ad essere studiati, manipolati e interpretati: la natura morta diventa la materia principale di esercizio accademico, dando vita ad un’iconografia ricchissima.

Cos’è lo still Life

Lo still life ritrae oggetti disposti sulla scena da noi o da qualcun altro. La gamma di possibili oggetti che possono rientrare in questa categoria è enorme e comprende: cibo, oggetti di uso quotidiano, giocattoli ed elementi naturali ritratti nell’ambiente esterno o portati in studio.

Come vada composto uno still life dipende soprattutto dal numero di elementi presenti. Quando l’elemento è uno solo è facile: dobbiamo semplicemente decidere quanto grande vogliamo che appaia nell’inquadratura e in che modo si relazioni con lo sfondo. Quando gli elementi sono diversi la situazione è un po’ più complicata: dobbiamo decidere in che modo ogni oggetto si relaziona con gli altri, che dimensioni deve avere ciascun elemento nell’inquadratura, se sia necessario lasciare uno spazio tra l’uno e l’altro o sovrapporli e infine, se l’illuminazione debba far emergere uno o più elementi sugli altri.

Chiaroscuro: Procedimento pittorico, che tende, indipendentemente dal colore, attraverso variazioni di chiari e di scuri, a riprodurre l’effetto risultante nella realtà dalla diversa posizione delle varie parti di un corpo rispetto alla sorgente luminosa che lo investe, descrivendo le particolarità della sua forma e accentuandone il rilievo. L’artista olandese Rembrandt era famoso per la sua abilità in questa tecnica.

Accessori vari e attrezzatura utile per la fotografia di still life

Ci sono diversi strumenti che possono rendere la macrofotografia o lo still life, più semplice e divertente. Alcuni si trovano facilmente o possono essere realizzati a partire da comuni oggetti domestici; altri sono professionali e di conseguenza potrebbero essere piuttosto costosi.

Tra gli espedienti comuni troviamo la torcia elettrica, utile in condizione di luce scarsa, lo specchietto per il trucco: ottimi riflettori, utili per far rimbalzare la luce sotto oggetti particolarmente piccoli (un esempio, in questa mia foto in cui ho posizionato l’oggetto in vetro al centro della superficie riflettente, scegliendo uno sfondo di cui ho accentuato i contorni scuri in post produzione).

Pennelli: utili per togliere gli strati sottili di polvere dai soggetti prima di fotografarli, e usati di solito per pulire i sensori. Morsetti e spilli, utili per tenere fermi i soggetti o fissare l’attrezzatura (riflettori o sfondi mobili)

Obiettivi: Circa l’attrezzatura utile a creare buone immagini di still life, potrei aprire un’ampia pagina, ma ciò che è indispensabile sapere è che tra le focali fisse e zoom, per questa tipologia di scatti, sarebbe sempre meglio usare un obiettivo macro a focale fissa. Ciò significa che dovremmo faticare di più per ottenere un’inquadratura piacevole, ma il vantaggio è che in genere questi obiettivi, hanno un’apertura massima di diaframma estremamente ampia (detta in parole più semplici, abbiamo più possibilità di staccare il soggetto dallo sfondo rendendolo più nitido rispetto a tutto ciò che c’è intorno).

Uno degli effetti più ricercati, quando si fa macro o still life è quello del “bokeh”, parola giapponese che indica la qualità estetica delle aree sfocate dell’immagine. Un obiettivo può avere un bokeh “buono” o “cattivo”. Nel primo caso le aree fuori fuoco risultano omogenee e cremose e i bagliori appaiono rotondi e dai contorni morbidi. Nel secondo, si hanno zone sfocate irregolari e i bagliori sono asimmetrici con contorni duri.

Qui di seguito, un mio scatto ad uno dei soggetti più “corteggiati” per evidenziare al massimo questo tipo di tecnica: i fiori.

Tecniche di base e illuminazione

Nello still life, così come nella macrofotografia in generale, ci si può spesso trovare a dover risolvere alcuni problemi prima di riuscire a creare una bella immagine. Molti di questi problemi sono puramente pratici e frequenti: una volta affrontati con regolarità, fotograferemo i nostri soggetti/oggetti in maniera più efficiente e gratificante e avremo meno scatti sprecati.

Questo è più facilmente attuabile, se abbiamo già una conoscenza delle varianti tecniche forniteci dalla nostra fotocamera, che ci fa intuire immediatamente o solo dopo poche prove e a seconda della scena in questione, qual è la modalità di esposizione corretta e il giusto incastro tra i due controlli concreti che ci permettono di variare la quantità di luce che arriva al sensore: il tempo di esposizione e l’apertura del diaframma. Un terzo controllo, l’ISO, definisce la quantità di luce richiesta inizialmente per creare l’immagine.

Anche la direzione che diamo all’illuminazione gioca un ruolo importantissimo per far risaltare al meglio uno scatto di still life e gli stili di base più comuni sono essenzialmente tre: quella frontale, che illumina i soggetti in maniera uniforme e rendendo la misurazione esposimetrica estremamente semplice, anche se forse un tantino piatta, va detto. Quella laterale, visivamente più interessante, perché soprattutto se la luce è dura e il contrasto è alto, le ombre mettono in risalto forme e texture del soggetto, conferendogli tridimensionalità. E il controluce, quando la sorgente luminosa è davanti alla fotocamera. Questo tipo di illuminazione aumenta il contrasto e può far sì che il soggetto si stagli in modo tale da creare le famose le famose “silhouette”.

Una menzione la merita anche l’utilizzo del flash, che può essere all’occorrenza, un fedele alleato, sia per quanto riguarda still life creata a casa o in studio, sia per le foto in esterna, per dare maggiore risalto o sperimentare giochi di luce, quando la situazione climatica in cui ci troviamo, non ci soddisfa a sufficienza.

Foto still life: soggetti e sfondo

Un altro elemento da controllare alla perfezione per questo genere di fotografia è lo sfondo che utilizziamo per le nostre composizioni. Anche in questo caso la tipologia ideale varierà in base al messaggio che vorremo trasmettere attraverso i nostri scatti.

Generalmente quando si vuole dare importanza al solo soggetto viene usato uno sfondo omogeneo che non catturi l’attenzione dello spettatore.

Un caso emblematico di questa tecnica sono le fotografie con sfondo bianco che si vedono spesso sulle riviste o alla tv, dove il soggetto sembra galleggiare nel nulla. Per riprodurre questo effetto vengono spesso usati degli strumenti accessori chiamati softbox.

Un esempio di fotografia commerciale, è raffigurato in questo mio scatto in cui l’occhio è catturato immediatamente dall’oggetto che domina la scena ed è illuminato in modo tale da renderne visibili le principali caratteristiche.

Quando invece esiste una relazione tra lo sfondo e il soggetto, si può usare un fondale fotografico non omogeneo che rinforzi il messaggio delle nostre immagini dando un contesto alla scena. Questa tecnica viene spesso usata nella food photography, dove i piatti vengono fotografati in diverse ambientazioni come per esempio una cucina o una tavola imbandita.

Food Photography

In una vecchia barzelletta, un cuoco si rivolge ad un fotografo: “Le tue foto sono bellissime, la tua fotocamera deve essere di altissima qualità!” E il fotografo gli risponde “Anche tu cucini benissimo, di sicuro avrai una batteria di pentole impressionante”. Proprio come un cuoco è in grado di creare piatti eccezionali indipendentemente dal tipo di pentole, padelle e coltelli che utilizza, un fotografo può realizzare immagini bellissime utilizzando un cellulare, una fotocamera reflex o qualsiasi altro dispositivo.

Ma allora: cosa rende una foto di cibo veramente eccezionale? Se osserviamo le immagini dei fotografi più famosi, noteremo che nella maggior parte dei casi, il loro lavoro sfrutta al meglio alcuni degli elementi di cui ho parlato nei paragrafi precedenti: utilizzo intenzionale di nitidezza e sfocato, effetti di luce (direzione, contrasti tra luci e ombre, tipo e colore della luce), le tipologie di superficie fotografate (la texture), elementi scenici come piatti, posate, sfondi. La scelta della posizione del nostro/i soggetto all’interno dell’inquadratura ecc.

Ecco perchè, la food photography, è parente stretta dello still life, metodi e trucchi, sono molto simili. Anche per questo genere, ho deciso di realizzare alcuni scatti che, vi confesso, non vedo l’ora di mostrarvi, non solo perchè ogni lavoro che richiede tempo e dedizione, lo riteniamo particolarmente prezioso, ma perchè è innegabile la voglia di voler condividere e raccogliere pareri, su cosa piace e su cosa potrebbe essere fatto meglio e se a qualcuno di voi, osservandole verrà voglia di mangiare o ancor meglio, di cucinare, avrò raggiunto il mio scopo!

Come per le foto di still life, anche qui potete trovare alcuni esempi dei piatti che ho fotografato (e naturalmente mangiato!) nella gallery dedicata alla food photography.

Conclusioni

Arrivati a questo punto, sembra chiaro che mai come in questo ambito, la parola chiave è dettaglio. Avere cura di ogni aspetto, per poi (forse!) arrivare ad un buon risultato finale, per il quale bisognerebbe sperimentare il più possibile, perché il limite a volte, è solo nella fantasia del fotografo.

Esercitarsi un po’ nella fotografia di still life, dove c’è maggiore possibilità di esplorazione e sperimentazione rispetto ad altre, può aiutare chi fotografa ad acquisire abilità che, se ben assimilate possono utilmente essere applicate in modo istintivo o automatico in quelle fugaci opportunità che il lavoro abituale ci riserva.

Oggi, nell’era tecnologica, e in social quali Pinterest e Instagram, siamo circondati quasi di continuo da immagini fotografiche, per cui se vogliamo che le nostre si distinguano fra le tante, siamo costretti a cercare di essere in qualche modo originali, pressione questa che è risentita moltissimo dai fotografi, col risultato di correre il rischio di volersi distinguere a tutti i costi, quando non sempre l’inconsueto di per sé, è il motivo di successo di un’immagine.

Del resto finiamo comunque per lasciare la nostra impronta sulle immagini man mano che sviluppiamo la nostra visione e il nostro stile che le rendono uniche, facendo leva sulla nostra capacità di sviluppare la concentrazione su ciò che stiamo facendo, prendendoci il tempo necessario per “perderci” nel nostro lavoro, come suggerisce una bella frase del fotografo statunitense David Alan Harvey quando dice:

Che si unisce ad un altro concetto che faccio molto mio. Quello di non cadere nel tranello di pensare che si ha sempre bisogno dell’ultimo modello per scattare grandi foto, perché non si può comprare il modo di migliorare le nostre immagini.

Ciò che è più importante è comprendere le basi dell’esposizione, della messa a fuoco, dell’illuminazione e della composizione e queste sono tutte cose che si possono imparare con gli strumenti più semplici e che ho cercato di affrontare in grandi linee in questo articolo, che spero abbiate trovato interessante e di cui sarei curiosa di leggere i vostri commenti, sia che abbiate esperienza diretta con questo tipo di scatti, sia da semplici amatori di tutto ciò che spinge non solo il dito su una fotocamera, ma che muove la mente, costruendo laddove possibile, qualcosa in più!

Intanto grazie a quanti hanno avuto la pazienza di seguirmi fin qui e buona fotografia!

Stili e approcci fotografici

In particolare, quando si fa fotografia ritrattistica si tende a catturare gli occhi del soggetto e il viso a fuoco, lasciando che il resto degli elementi meno importanti siano fuori fuoco. In altri casi la fotografia ritrattistica può concentrarsi su particolari differenti, quali le mani, gli occhi, parte del tronco del soggetto (il famoso “mezzo busto”) o la figura intera.

Detto questo, i fotografi ritrattisti hanno sempre scelto uno dei seguenti 4 approcci:

Il ritratto costruzionista

Il fotografo incorpora il soggetto in un tema o concetto generale: il potente magnate d’affari, il gruppo di lavoro, la comitiva di amici, la coppia di innamorati, la famiglia felice. Questo è il tipo di ritratto utilizzato nella maggior parte della fotografia in studio e sociale, così come nelle campagne pubblicitarie o nel marketing quando è necessario diffondere una particolare idea o messaggio.

Il ritratto ambientale

Il soggetto è mostrato in un ambiente specifico e tipico: al lavoro, nella sua cerchia sociale o familiare o impegnato in piacevoli passatempi nel proprio tempo libero. Spesso, il soggetto fotogragato è impegnato a fare qualcosa: un’insegnante in classe, un bambino in un parco giochi, un meccanico che lavora su un’auto, un artista in uno studio, un gruppo di amiche intente a fare shopping in una grande metropoli….

Rispetto all’approccio costruzionista, con quello ambientale si da molta importanza al contesto piuttosto che al soggetto. Per via di questa ambientazione in un contesto specifico e quotidiano, i ritratti ambientali possono assumere quindi un significato storico e sociale e fungono da fonte storica di primaria importanza.

Il ritratto schietto

I soggetti vengono fotografati a loro insaputa, oppure semplicemente continuano a comportarsi come se il fotografo non ci fosse. Anche se questo approccio è criticato e disapprovato per ovvie ragioni, in realtà è meno invasivo dei precedenti e ha portato a molte immagini importanti di persone nelle situazioni e nei luoghi più diversi, contribuendo allo stesso modo alla nostra conoscenza del clima sociale e culturale di un determinando tempo o periodo.

Il ritratto creativo

Attraverso la manipolazione digitale (che oggi avviene tramite i moderni programmi di photo editing quali Photoshop e altri), alcune caratteristiche del soggetto, l’ambientazione in cui è ritratto, o lo stile generale e l’appeal del ritratto sono migliorati, alterati o molto spesso esasperati, permettendo al fotografo di produrre splendide immagini dei soggetti fotografati, riuscendo in qualche caso ad arricchirle di nuovi significati. Piuttosto che trasmettere informazioni su un certo giorno ed età, questi ritratti rivelano infatti qualcosa sul soggetto e/o sul fotografo che va oltre l’occhio nudo.

I grandi maestri della fotografia di ritratto