Stili e approcci fotografici

In particolare, quando si fa fotografia ritrattistica si tende a catturare gli occhi del soggetto e il viso a fuoco, lasciando che il resto degli elementi meno importanti siano fuori fuoco. In altri casi la fotografia ritrattistica può concentrarsi su particolari differenti, quali le mani, gli occhi, parte del tronco del soggetto (il famoso “mezzo busto”) o la figura intera.

Detto questo, i fotografi ritrattisti hanno sempre scelto uno dei seguenti 4 approcci:

Il ritratto costruzionista

Il fotografo incorpora il soggetto in un tema o concetto generale: il potente magnate d’affari, il gruppo di lavoro, la comitiva di amici, la coppia di innamorati, la famiglia felice. Questo è il tipo di ritratto utilizzato nella maggior parte della fotografia in studio e sociale, così come nelle campagne pubblicitarie o nel marketing quando è necessario diffondere una particolare idea o messaggio.

Il ritratto ambientale

Il soggetto è mostrato in un ambiente specifico e tipico: al lavoro, nella sua cerchia sociale o familiare o impegnato in piacevoli passatempi nel proprio tempo libero. Spesso, il soggetto fotogragato è impegnato a fare qualcosa: un’insegnante in classe, un bambino in un parco giochi, un meccanico che lavora su un’auto, un artista in uno studio, un gruppo di amiche intente a fare shopping in una grande metropoli….

Rispetto all’approccio costruzionista, con quello ambientale si da molta importanza al contesto piuttosto che al soggetto. Per via di questa ambientazione in un contesto specifico e quotidiano, i ritratti ambientali possono assumere quindi un significato storico e sociale e fungono da fonte storica di primaria importanza.

Il ritratto schietto

I soggetti vengono fotografati a loro insaputa, oppure semplicemente continuano a comportarsi come se il fotografo non ci fosse. Anche se questo approccio è criticato e disapprovato per ovvie ragioni, in realtà è meno invasivo dei precedenti e ha portato a molte immagini importanti di persone nelle situazioni e nei luoghi più diversi, contribuendo allo stesso modo alla nostra conoscenza del clima sociale e culturale di un determinando tempo o periodo.

Il ritratto creativo

Attraverso la manipolazione digitale (che oggi avviene tramite i moderni programmi di photo editing quali Photoshop e altri), alcune caratteristiche del soggetto, l’ambientazione in cui è ritratto, o lo stile generale e l’appeal del ritratto sono migliorati, alterati o molto spesso esasperati, permettendo al fotografo di produrre splendide immagini dei soggetti fotografati, riuscendo in qualche caso ad arricchirle di nuovi significati. Piuttosto che trasmettere informazioni su un certo giorno ed età, questi ritratti rivelano infatti qualcosa sul soggetto e/o sul fotografo che va oltre l’occhio nudo.

I grandi maestri della fotografia di ritratto

Questa seconda parte diventa invece più intima e personale per cui vorrei dedicarla ai mestri della fotografia che hanno più influenzato il mio gusto e che quindi considero i miei riferimenti fotografici, per motivi diversi, ma tutto sommato simili.

Anche se quella che segue non è una classifica, arrivare a un podio non è stato affatto facile. Per questo alla fine, pur sapendo di fare un torto a molti, ho scelto di proporre solo 3 fotografi ritrattisti stranieri e 3 italiani.

Con le sue foto ha raccontato infatti la Guerra Civile Spagnola, quella cinese, l’occupazione nazista in Francia, l’erezione del muro di Berlino e i funerali di Gandhi. È stato inoltre l’unico fotografo occidentale a cui fu concesso realizzare foto in Unione Sovietica negli anni della Guerra Fredda.

Nel 1947 fonda con Robert Capa e altri amici fotografi, la Magnum Photos, che diventerà la più grande agenzia fotografica al mondo.

LA FOTO SIMBOLO DI H. CARTIER-BRESSON:

Una delle fotografie più famose realizzate da Henri Cartier-Bresson è senza dubbio quella conosciuta come “la foto del salto (incompiuto)”, scattata all’età di 24 anni a Parigi dietro alla Stazione St. Lazare nel 1932 e che  ha dato vita alla sua “teoria del momento decisivo”: l’eternità di un momento racchiuso in una fotografia.

Si tratta di un’immagine dal sapore vagamente surreale e dalle geometrie balistiche che molto ha fatto e continua a far discutere critici ed esperti di fotografia.

Di fatto però tutti gli sforzi degli esegeti risultano essere stati vanificati dalla spiegazione che lo stesso Cartier-Bresson diede quando era ancora in vita, che relativamente alla genesi di questo scatto, spiegò che fu semplice “fortuna”…

Nel 1944 entra nella storica rivista di moda Harper’s Bazaar (di cui poi sarà direttore), all’interno della quale contribuirà a cambiare il concetto di fotografia di moda: i suoi soggetti non sono più semplici strumenti per mettere in mostra un abbigliamento, ma prendono vita e si esprimono senza costrizioni,  rinunciando all’artificiosità delle fotografie in studio e abbandonando le pose rigide e finte. Scatta nei vicoli e nei bar, proponendo uno stile sotto molti punti di vista minimale che diventerà d’esempio per tutta una generazione di fotografi.

La sua importanza nel mondo della moda è testimoniata anche dalle sue collaborazioni; oltre ad Harper’s Bazaar, Vogue, Life, Versace e molti altri, fino ad arrivare a firmare due edizioni del Calendario Pirelli sul finire degli anni ’90.

Viscerale è il rapporto di Avedon con la città natale, New York, metropoli da lui amatissima, che lo accoglie nella vita e nelle braccia della morte: Avedon infatti muore per ictus cerebrale nel 2004, proprio mentre stava realizzando per conto del New Yorker un servizio fotografico in vista delle elezioni presidenziali.

LA FOTO SIMBOLO DI RICHARD AVEDON:

Tra i personaggi famosi fotografati da Richard Avedon c’è anche la Diva per eccellenza: Marylin Monroe, che il fotografo ritrasse in molti scatti nel 1957. Tra questi ce n’è uno in particolare realizzato in uno di questi momenti intermedi.

La storia dietro quella foto è che quando la Monroe ha chiesto “Ci siamo?” Avedon ha risposto “No”. Ed è allora che ha scattato la foto. In quel momento Marilyn aveva abbassato la guardia: non ha il viso felice, non è un’attrice, non è una Diva, è solo una persona che si è persa all’interno della propria anima.

Mentre al primo genere appartenevano alcuni celebri scatti in cui immortalò alcuni dei volti più famosi della scena americana, nella seconda tipologia rientrano una serie di collezioni in cui i modelli si disponevano in pose sostanzialmente plastiche, quasi ad emulare – in certi casi – gli atleti greci.

Omosessuale dichiarato ed interessato a ritrarre anche la vita della sottocultura gay americana, Mapplethorpe prediligeva modelli molto atletici, spesso proprio dei culturisti, che disponeva in ambienti scarni, in modo che tutta l’attenzione fosse rivolta ai corpi e ai muscoli.

Tanto classiche nelle pose quanto irriverenti nelle scelte, le sue fotografie sembravano quasi delle sculture. Se la fotografia è stata spesso accostata alla pittura, Robert Mapplethorpe insomma ne sottolineava invece la parentela con la scultura.

Nel 1988 fonda la Robert Mapplethorpe Foundation per trovare fondi per la ricerca sull’AIDS e per le arti visive, poco prima di venire a mancare il 9 marzo del 1989 a causa di complicazioni insorte dopo aver contratto l’HIV.

LA FOTO SIMBOLO DI R. MAPPLETHORPE:

Più che la foto simbolo, quella forse meglio in grado di spiegare l’idea di fotografia di Richard Mapplethorpe, che amava ritrarre i suoi modelli in una posa plastica che ricordava le sculture.

Tra questi, Lisa Lyon è stata senza dubbio la sua modella preferita. Californiana, pioniera del body building, fu immortalata decine di volte dall’artista, che la paragonava a una scultura di Michelangelo. Il suo corpo fasciato di muscoli, ripreso in ogni dettaglio, la faceva assomigliare a uno di quei tulipani carnosi che Robert scolpiva con il suo bianco e nero. Il risultato del loro lavoro divenne il libro Lady Lisa Lyon, pubblicato nel 1983.

Il lungo percorso artistico di Ferdinando Scianna si snoda attraverso tematiche quali la guerra, i frammenti di viaggio, le esperienze mistiche, la religiosità popolare, legate da un unico filo conduttore: la costante ricerca di una forma nel caos della vita.

Svolge anche, da anni, un’attività critica e giornalistica che gli ha fatto pubblicare numerosissimi articoli in Italia e Francia su temi relativi alla fotografia e alla comunicazione con immagini in generale.

LA FOTO SIMBOLO DI F. SCIANNA:

A cavallo tra il 1987 e il 1988, due giovani stilisti emergenti, Dolce & Gabbana, commissionano a Ferdinando Scianna un servizio di moda con la bellissima modella olandese Marpessa Hennink, figlia di madre olandese e di padre del Suriname. Scianna la fotografa insieme alla gente, per strada, creando un lavoro di incredibile originalità e intelligenza, divenuto anche un libro (“Marpessa. Un racconto”, 1993).

In uno di questi scatti diventati celebri, la modella viene ripresa, mentre viene a sua volta “ripresa” all’uscita da scuola da un bambino che, raccogliendo una scatola da terra, la usa per simulare una macchina fotografica.

Dopo una lunga gavetta, nel 1981, incontra Carla Ghiglieri: diventa il suo agente e lo avvicina al mondo della moda. Da questo momento inizia a lavorare con le riviste internazionali più prestigiose: “Vogue“, “Mondo Uomo“, “Donna“, “Elle“, “Vanity Fair“,” Amica“, “Glamour” ecc. Sue sono molte delle campagne pubblicitarie dei più famosi brand internazionali: Dior, Trussardi, Krizia, Tod’s, Nina Ricci, Versace, Acqua di Parma ecc. Il suo impegno attivo al mondo della fotografia lo avvicina all’Associazione Fotografi Italiani Professionisti di cui è presidente dal 2013.

Il suo nome appare nelle riviste specializzate insieme a quello di fotografi italiani quali Oliviero Toscani, Giampaolo Barbieri, Ferdinando Scianna, Helmut Newton, Richard Avedon, Mario Testino, Anne Lebowitz e Jurgen Teller. Il suo stile è caratterizzato da una poetica ironica e un gusto per la composizione equilibrata e un gusto ideale di eleganza. Nel 1997 la Triennale di Milano gli dedica la prima personale curata da Germano Celant e nel 2002, nell’ambito della manifestazione La Kore Oscar della Moda, riceve l’Oscar per la fotografia.

LA FOTO SIMBOLO DI G. GASTEL:

Sebbene Giovanni Gastel sia famoso soprattutto per alcuni ritratti irealizzati n studio a personaggi del mondo dello spettacolo soprattutto di casa nostra, il suo scatto più celebre è forse quello realizzato all’ex Presidente degli stati Uniti Barack Obama in occasione della sua conferenza milanese sul Clima.

Prima della conferenza, Obama si era intrattenuto per un cocktail insieme ad alcuni ospiti nella Club House della Fiera di Milano, quando uno di queste gli chiese: “come mai gli Stati Uniti hanno eletto questo presidente (Trump) dopo di lei?”. E lui è scoppiato nella fragorosa risata che vediamo in foto, prontamente immortalata da Gastel e poi inclusa nel suo libro “The people I like, The book”.

Dal 1972 inizia la carriera di fotografo dapprima come reporter, osservatore del costume politico e dei problemi sociali. Ben presto, però, rivolge l’obbiettivo verso il mondo del fashion divenendo, in pochi anni, uno dei fotografi di moda più ricercati e collaborando con le più importanti riviste nazionali e internazionali.

Nel 1983 fonda (e dirige) a Milano Industria Superstudio, centro polifunzionale con sale di posa e strutture di servizio che dal 1991 trova casa anche a NY (col nome di Industria Superstudio Overseas) e che dal 1999 si arricchisce di Industria Digital, divisione dedicata all’acquisizione e post-produzione digitale.

LA FOTO SIMBOLO DI F. FERRI:

Monica Bellucci è forse l’attrice italiana ad essere stata più immortalata da fotografi famosi. Tra questi c’è anche Fabrizio Ferri che, nel febbraio del 2001, scelse di immortalarla per la coperina di Esquire, letteralmente ricoperta di caviale.

Qualche anno fa, intervistato dal Corriere della Sera, lo stesso Ferri raccontò un retroscena piccante avvenuto dopo il servizio in questione, quando  fotografo, parrucchieri e assistenti, si trovarono a mangiare caviale sul corpo nudo dell’attrice di origine umbra, anche lei abbastanza divertita. Beh, almeno secondo la versione del fotografo…

Esperienze personali con la fotografia di ritratto

E vediamo infine, nel mio piccolo, anzi, visto i nomi di chi mi ha preceduto, nel mio piccolissimo, qual è il mio rapporto con la fotografia di ritratto, già ampiamente documentato nelle gallery sul ritratto, da cui si può forse capire qual è il mio approccio con questo tipo di fotografia.

Potendo scegliere, prediligo infatti il ritratto ambientale a quello in studio o ricostruito al computer, perché mi piace la fusione che c’è tra il soggetto quando è a contatto con la natura o prestare alcuni contesti al tipo di personalità che si va ad immortalare. E sempre potendo scegliere, cioè se il soggetto me lo permette, preferisco il bianco e nero ai colori, con poca o nessuna correzione grafica al computer, lasciandomi guidare dalla luce, spesso estensione della personalità più intima del soggetto.

È chiaro che avere il tempo di instaurare un minimo di conoscenza con chi fotografiamo, potrebbe aiutare tutto il lavoro, ma è vero anche che questo tempo non sempre c’è e allora bisogna accettare la sfida forse più interessante in questo ambito: relazionarsi con il non detto, con le reticenze iniziali, con il timore che crea svelare parti di sé che non si è sicuri di voler mostrare.

Volenti o nolenti, nelle nostre fotografie parliamo anche di noi. Se le foto ben riuscite sono quelle che suscitano una risposta emotiva in chi le guarda, allora è chiara l’importanza del coinvolgimento emotivo del fotografo stesso con il soggetto e con la situazione da riprendere.

Le emozioni che esprimiamo nelle nostre fotografie si manifesteranno con maggiore immediatezza se fotografiamo per passione, più che per dovere. Di conseguenza, la maggior parte dei nostri lavori migliori, li avremo quando saremo nelle condizioni di aderire più sinceramente ai nostri autentici ideali.

Fine del viaggio

Se però trovate che il vostro fotografo ritrattista preferito sia stato ingiustamente escluso, o se volete semplicemente discutere di altri ritattisti, anche poco conosciuti, che meriterebbero maggiore attenzione, fatelo pure nei commenti più sotto e vedrò di occuparmene in uno dei prossimi articoli, visto che il punto sulla fotografia di ritratto, per adesso termina, ma non si esaurisce certo qui.

Anzi, a questo proposito, vi invito a dare un’occhiata e a commentare, se lo vorrete, i 4 nuovi album individuali di ritratto femminile da me realizzati con Daiana, Myriam, Stefania P. e Stefania Z., che vanno così ad aggiungersi a quelli già presenti nel mio portfolio.

Dopo avervi già raccontato le mie esperienze con la fotografia di spettacolo e fotografia di paesaggio, è  il momento di occuparsi di un altro perno assoluto e indiscusso di questa vastissima arte: la fotografia di ritratto, partendo proprio dall’inizio. E quando dico inizio…

Breve storia della fotografia di ritratto

Scriveva così, in A Short History of Photography (1931) Walter Benjamin, secondo cui nessun genere di fotografia si sarebbe sviluppata ed avrebbe avuto successo come quella del ritratto.

90 anni dopo questa sua affermazione / previsione, possiamo dire che avesse ragione, visto come la fotografia continua ad essere, e oggi più che mai, associata alla rappresentazione delle persone.

Del resto, basta guardare alla longevità della sua storia, se pensiamo che prima dell’avvento della fotografia, il ritratto veniva effettuato tramite il dipinto. Forme di ritrattistica esistevano anche nell’antichità, ma l’immagine che molti comunemente intendono come un ritratto è una rappresentazione realistica di una persona ripresa frontalmente in cui sono riconoscibili i tratti del viso e le sue espressioni. Un’idea questa ereditata dal Rinascimento europeo, che ha celebrato il singolo e perfezionato l’idea della prospettiva e della tridimensionalità.

La nascita della fotografia

Prima di addentraci nel mondo del ritratto occorre però fare un passo indietro per capire come è nato. Oggi infatti fotografiamo e ci auto-fotografiamo con smartphone, tablet, reflex, ma ci chiediamo mai come sia nata la fotografia?

Argomento che molti di voi già conosceranno, ma del quale vorrei comunque parlare partendo da quel lontano 1826, quando Joseph Nicéphore Niépce realizzò quella che è conosciuta come la prima ripresa fotografica (sopravvissuta) della storia: “Vista dalla finestra a Le Gras”.

Il procedimento, battezzato da Niépce “eliografia”, fu realizzato con bitume di Giudea, ovvero asfalto solubile, che alla luce si indurisce, e si ipotizza che  ci vollero all’incirca 8 ore per vedere fissata questa foto su una piastra di stagno. Chiaramente, la tecnica andava ancora migliorata, anche se non potè essere Niépce a occuparsene, visto che morì qualche anno dopo (1833).

I primi studi/negozi di ritratto iniziarono a spuntare l’anno successivo, anche se non furono un successo immediato, poiché la maggior parte del pubblico non era ancora sicura del nuovo mezzo, che ancora associava all’idea del dipinto, considerato roba da ricchi, visto che i dipinti dell’epoca venivano fatti per mostrare potere, status e nobiltà ed erano tipicamente riservati alle classi più agiate. Per dissuadere le loro paure, i fotografi cercarono allora di catturare immagini di personaggi famosi, come Abraham Lincoln e Charles Dickens. 

ferrotipìa s. f. [comp. di ferro e –tipia]. – Procedimento fotografico, col quale si ottengono direttamente immagini positive su lastrine di ferro annerite e coperte di gelatina al bromuro d’argento; è stato largamente usato nella seconda metà del sec. 19^° dai fotografi ambulanti, perché dava la possibilità di consegnare un ritratto pochi minuti dopo la posa.

È però con la nascita della ferrotipìa, che consiste nell’imprimere immagini su lastre di metallo rivestite di emulsioni sensibili alla luce, che la fotografia, e in particolare quella di ritratto, inizia a diffondersi, grazie ai primi fotografi ambulanti che giravano con le loro attrezzature nelle fiere di paese.

In ogni caso, esattamente come nel caso del dagherrotipo, le immagini realizzate con la ferrotipìa erano solo positive, più che negative come le conosciamo oggi, quindi non erano riproducibili più volte.

L’evoluzione della fotografia

Questo fu possibile a partire dal 1841, grazie all’inventore e fotografo inglese William Henry Fox Talbot che creò il metodo chiamato calotipia, una tecnica basata sull’utilizzo di un negativo di carta. In questo modo, partendo da una sola matrice era possibile creare moltissime copie. Nasceva così la fotografia analogica attuale.

Nel 1851 arriva però un ulteriore salto di qualità di questa procedura grazie a Frederick Scott Archer (1813-1857) che sviluppò la procedura del «collodio umido». In questa tecnica, che univa una buona qualità delle immagini con dei costi contenuti, la lastra veniva sensibilizzata poco prima del suo uso, cioè quando era ancora umida (da cui il nome): il risultato è talmente buono da spazzare via le soluzioni basate sul dagherrotipo e calotipia che avevano dominato negli anni quaranta.

Il negativo ora poteva essere riprodotto senza problemi in un numero infinito di copie. È in questo periodo che nascevano infatti i primi album fotografici, grazie a Disderì (1819-1889), che nel 1854 brevettò la photo-carte de visite, una sorta di biglietto da visita che tanto successo ebbe in tutta Europa e negli Stati Uniti. Il procedimento, che permetteva di realizzare sulla stessa lastra negativa al collodio quattro, sei o otto pose, aveva il pregio di ridurre il costo dei singoli ritratti, che venivano ora venduti a dozzine o addirittura a centinaia.

I biglietti venivano così offerti ai familiari, agli amici, inviati magari alle persone lontane e destinati a venire appesi al muro a o a completare gli album di famiglia. Oppure era ancora possible procurarsi, presso il fotografo, i ritratti delle grandi personalità, dei politici o degli attori di turno. Questo piccolo oggetto fotografico modificò i rapporti sociali e diffuse l’immagine degli individui permettendo al grande pubblico di avere una visione “diretta” della società e conoscere, e riconoscere, attraverso la fotografia, il proprio mondo di riferimento.

A partire dal 1871 diventarono sempre più popolari le fotografie con lastre di gelatina secca. Già nel 1875 queste lastre venivano prodotte industrialmente ed ebbero da subito un enorme successo tra gli amanti della fotografia. Il loro pregio stava nella possibilità di conservarle facilmente e nel prezzo ridotto, soprattutto in confronto al collodio umido, che rendeva finalmente la fotografia alla portata di tutti.

La fotografia di ritratto e autoritratto avevano a quel punto sostituito i dipinti grazie alla loro convenienza e capacità di catturare foto di molte persone, come una famiglia, tutto in una volta senza noiose sessioni di seduta.

I primi fotografi ritrattisti

Ciononostante, i primi ritratti fotografici mantenevano ancora molte affinità con l’estetica pittorica di quell’epoca, riflettendo allo stesso tempo le esigenze tecniche del processo fotografico: il notevole tempo di esposizione, ad esempio – da non confrontare con le capacità di cattura istantanea della fotocamera di oggi – costringeva il soggetto a rimanere immobile per un po’, con un’espressione facciale congelata.

Da qui la mancanza di sorrisi rilassati nei primi esempi di fotografia di ritratto. I soggetti erano generalmente seduti, posti su uno sfondo semplice, con la luce naturale di una finestra o una luce soffusa risultante dal riflesso attraverso specchi che coprivano la scena. Con tecniche avanzate, i ritratti poterono presto essere scattati anche al di fuori dello studio del fotografo.

Nelle mani di alcuni fotografi iconici, l’arte del ritratto è stata portata in nuove direzioni. Lo scrittore e caricaturista parigino Nadar, pseudonimo di Gaspard-Félix Tournachon (1820-1910), ad esempio, aveva un occhio di falco per le caratteristiche interne ed esterne di un soggetto, e riuscì a catturare quelle caratteristiche con la sua macchina fotografica, dando un volto alle menti più brillanti della Parigi di metà 800, come Victor Hugo, Bakunin, Dumas, Verne, Rossini, Manet, Delacroix, Kropotkin e Baudelaire.

I ritratti acquisirono rapidamente grande importanza anche nei media stampati familiarizzando i lettori con i volti di leader politici, intrattenitori popolari e altre celebrità. Il parigino di origine ucraina Boris Lipnitzki (1887-1971) è uno dei fotografi che ha guadagnato fama e fortuna ritraendo ricchi e famosi: facendosi strada nel mondo delle arti e dello spettacolo, ha fotografato – tra gli altri – Josephine Baker, Jean Cocteau, Colette, Maurice Ravel, Serge Gainsbourg e Picasso, conservando lo spirito dei ruggenti anni Venti fino agli “ondeggianti” anni Sessanta.

Parallelamente a grandi realizzazioni artistiche nel genere ritratto come queste, un mercato di massa per i ritratti si sviluppò rapidamente. I tempi di cambiamento nell’esistenza umana in particolare sono stati catturati, per fornire ricordi di eventi importanti della vita: primi passi, primo giorno di scuola, comunione, laurea, compleanno, pensionamento.

Queste immagini sono regolate da obiettivi e criteri (di qualità) diversi rispetto ai ritratti in studio o stampa. Non tutti i primi ritratti, quindi, sono un gioiello di originalità: archivi e musei di tutto il mondo conservano serie simili di ritratti con un intento meramente funzionale, tutti caratterizzati dalle stesse pose, accessori e ritocchi. Anche così, come traduzione immediata dell’aspetto delle generazioni precedenti, i ritratti domestici hanno anche un valore documentario, raccontando a modo loro la storia dei nostri antenati.

Dalle lastre ai rullini

E arriviamo così al 1883, una data storica per tutta la fotografia moderna. In quell’anno una piccola azienda americana annunciò di aver inventato un nuovo tipo di film che era disponibile in rotoli, iniziando a sviluppare una fotocamera in grado di separare nel tempo i processi di preparazione, ripresa, sviluppo della foto e stampa della stessa.

Il modello in questione, commercializzato a partire dal 1888 al prezzo di 25 dollari (circa 600 euro di oggi), venne chiamato semplicemente Box Kodak, e fu pubblicizzato con uno slogan tra i più famosi in assoluto: You press the button, we do the rest.

L’obiettivo di Eastman, tuttavia, era quello di semplificare la fotografia, rendendola disponibile a tutti, non solo ai fotografi professionisti. La loro successiva fotocamera Brownie Box (1900), verrà così venduta al prezzo di 1 $ (equivalente a 31 euro di oggi), e può essere considerata la prima fotocamera per il mercato di massa. A quel punto la fotografia era diventata davvero popolare e accessibile per tutti.

Altri ambiti della fotografia di ritratto

Oltre ai ritratti di personaggi famosi e familiari, la fotografia di ritratto ha iniziato così ad essere ampiamente utilizzata anche in altri ambiti. Vediamo quali, dando un’occhiata più da vicino ad alcuni degli sviluppi – se mi si perdona gioco di parole – della fotografia nel 20° secolo.

Stieglitz e la Foto-Secessione

Questo periodo di tempo introdusse Alfred Stieglitz, una delle prime persone a diventare famosa per aver reso la fotografia una forma d’arte. Nel 1902, lui e un gruppo di amici fondarono il movimento Foto-Secessione. Questo movimento ha cercato di rendere la fotografia meno commerciale e più una forma d’arte.

Documentare il pubblico

Il volgere del secolo continuò a utilizzare la fotografia di ritratto per usi documentari. Nel 1906, Lewis Hine fu assunto per documentare le condizioni che i lavoratori minorili dovevano affrontare in diverse fabbriche negli Stati Uniti. Le sue fotografie sono state utilizzate per aiutare a far passare le riforme del lavoro minorile, come il Fair Labor Standards Act del 1938, che ha vietato il lavoro minorile oppressivo.

Le prime riviste di moda

Anche se ci sono esempi precedenti di alta moda ritratta in fotografia, il primo servizio di moda moderno è attribuito a Edward Steichen, che fotografò abiti disegnati da Paul Poiret per il numero di aprile 1911 della rivista Art et Decoration. Queste immagini definirono il genere in quanto non si limitavano a registrare l’aspetto degli abiti, ma trasmettevano anche un senso dell’abito e di chi lo indossava. Il campo della fotografia di moda crebbe rapidamente durante gli anni ’20 e ’30, con riviste come Vogue e Harper’s Bazaar che aprirono la strada e impiegarono famosi fotografi interni come Horst P. Horst, George Hoyningen-Huene, Cecil Beaton e Martin Munkacsi.

Le prime fototessere

Nel 1914, il Dipartimento di Stato degli Stati Uniti iniziò a richiedere fotografie su tutti i passaporti.

Il fotogiornalismo

L’età d’oro del fotogiornalismo iniziò negli anni ’30 in Europa e fu associata, nel periodo successivo alla seconda guerra mondiale, a riviste come Paris Match e Life. I fotogiornalisti si affidavano alla fotografia per documentare e raccontare una notizia, a volte come parte di un resoconto giornalistico scritto e a volte indipendentemente in un foto-saggio.

Durante la Grande Depressione americana (1929-1935) , i fotografi hanno iniziato a scattare foto di famiglie e individui che soffrono di questo disastro economico al fine di esporre il mondo alle sofferenze molto reali che i lavoratori migranti e le famiglie a basso reddito stavano vivendo ogni giorno. Queste foto erano anche conosciute come “Dust Bowl Photography”. Uno dei fotografi più iconici di quel tempo è Dorothea Lange (1895-1965) a causa del suo famoso ritratto del 1936, “Madre migrante”.

Questo ritratto è diventato la definizione di un’immagine che dice più di mille parole e risuona ancora oggi nella storia del fotogiornalismo.

Ritrattistica moderna

I ritratti sono diventati un punto fermo nella fotografia attuale e possono essere visti nei media quasi ovunque, specialmente quelli delle celebrità. Vediamone alcuni diventati in qualche modo “iconici”:

Arthur Sasse (1908-1975) fotografo americano della UPI e dello zoo del Bronx di New York sapeva che per scattare una buona fotografia doveva avere pazienza e prontezza, quella stessa rapidità che gli permise di immortalare lo sberleffo di Einstein. Era tra i tanti fotografi che attendevano che il padre della teoria della relatività generale lasciasse la festa del suo 72° compleanno, il 14 marzo 1951, per fotografarlo. Ma Einstein che durante tutta la serata aveva concesso centinaia di sorrisi e posato per decine di foto, era visibilmente stanco: per far capire a Sasse che non era più il caso di inseguirlo, gli mostrò la lingua.

Un’altra delle fotografe pioniere della fotografia di ritratti di celebrità è Annie Leibovitz (Waterbury, 2 ottobre 1949). C’è lei dietro l’obiettivo che ha immortalato la coppia più famosa e discussa del decennio ‘60/’70, John Lennon e Yoko Ono, in uno scatto che ha fatto la storia, anche perchè scattata 5 ore prima dell’assassinio e poi finita sulla copertina di Rolling Stone del 22 gennaio 1981. La semplicità delle foto di Leibovitz è ciò che le rende così sorprendenti e racchiude davvero l’obiettivo della fotografia di ritratto, vale a dire molto con un po’.

Albert Watson (Edimburgo, 1942), nel 2006 firma l’arcinota foto di Steve Jobs che appare sulla biografia del volume di Walter Isaacson dedicato al cofondatore di Apple, notoriamente restio a farsi ritrarre, ma che grazie all’approccio giusto improvvisato in studio dal fotografo, restituì a Jobs la sua foto preferita di sempre.

L’arte dei selfie

Alla prossima puntata…

Eccoci dunque arrivati al capolinea del nostro viaggio nel tempo, in cui per ragioni di spazio non è stato possibile approfondire l’opera di altri grandi artisti, per i quali vi rimando però, se ne avrete voglia, alla seconda parte di questo racconto, in cui avrò anche modo di parlarvi di quello che è il mio rapporto con il vasto e variegato mondo della fotografia di ritratto.